This is a scientific study of subjectivity on recognition types and preferences of animation audience. Therefore, Q-methodology was used as a methodology of this study. As a result, it was possible to find the various characteristics according to the preferences of audience on animation genres. The features of each type were classified into 3 types. First was an artistic and literary value-oriented type that explored storytelling and descriptive value. Second was a pictorial and aesthetic value-oriented type that explored visual beauty such as characters and Mise en scene. Third was a visual and entertainment value-oriented type that explored entertainment factors and attractions. Thus, according to the classification of preference types, it was inferred that digital image generation audience with an active preference that can create and consume images have developed a tendency that independently consumed their preferences based on thoroughly personal or subjective preferences rather than classified and accepted their preferred culture as their symbolic expressions of hierarchical position. In this aspect, Q-methodological consideration that is useful to analyze the subjectivity of audience could be a significant work. Nevertheless, this study alone could not reveal various generative contexts of specific preferences. It seems to have more significant results by applying various qualitative or quantitative methodologies together with this study and analyzing recognition types and preferences of audience.
Journal of the Korean Society of Floral Art and Design
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no.44
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pp.53-73
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2021
This study is on the creation of art works through the methodological process of deducting the experiences and inspired feeling which the researcher experienced in the subconscious level as well as the conscious level in the field of floral art creation. The scene setting technique was applied to seize inner experiences and feeling in subconscious level. More concretely, visual note technique and image research technique were applied to record and preserve scenes as the seized inner mental images. To delineate the contents, the researcher created art works based on the experiences during the preparation period at the small town of Tours in France as well as the competitive and tough every day life during the attendance at the fashion school of ESOMD International Paris. The researcher was able to create 5 art works of Deja Vu, 'ㅅ(Seoul-Paris)', '崩(A Mountain on Two Moons)', '燈 (Load out and Stay)', 'ㅇ'deducting the deep experiences and inspired feeling through the methodological process in the subconscious level as well as the conscious level. The researcher was able to explore inner experiences finding self in disquietude and process of personal realization through the creation. The meaning of this research could be found as a case of qualitative research which presents approaches utilizing method of deducting experiences in subconscious level and applying to the creation of art works.
The animation film , which became a worldwide sensation with its theme song 'Let it go', did not only rank first in the U.S. box office - it was also the greatest box office hit in the history of Disney animation. Why did , recreated into a musical animation, become a worldwide success and what were the characteristics of its materialized hybrid visual direction technique? In order to look into this, firstly, literature on musicals and animations were studied, and secondly, analysis standards were drawn for musical characteristics of musicals and direction techniques of animations. Thirdly, analyzation and investigation will be conducted on hybrid visual direction techniques based on the research above with as the example. Through this study, it's known that realizes its musical features such as 'exaggerated acting,' 'delivering the meaning of circumstances', 'dramatic expression of emotion' and etc. through animated characters and that its background music is aided by 'narrative features' through its musical composition. Besides, its snow effect through animated VFX composing scenes along with its musical characteristics realizes hybrid image direction. It can be said that image directing effects of musical animations through hybrid grafting and the characteristics of image aesthetics generate public demands worldwide.
The purpose of this study is to identify how tales are accepted and embodied as a new work in dance as performing arts, which are getting attention for its rapid growth in the area of cultural industries. Major performances of recently created and performed ancient tales including Baridaegi, Chun-Hyang story, Yeonohrangseohnye are analyzed here. With acceptance of tales into dance, vitality of creation by the eternal word of mouth, rich information contained in each tale and the variety of interpretation showed the possibility of a new interpretation based on the existing perspectives. There are three kinds of acceptances: diversification of narrative techniques of the subject, adoption of the issue of moral values as a topic, and acceptance of tradition and national consciousness. To satisfy the fundamental concern about the universe and human, and to create both worldwide and Korean dance contents, the images of tales are being reinterpreted into a new dimension beyond the boundary of time.
From a film esthetic point of view, this paper deals with all the sound elements which are speech, noise, and music for the signification of sound in Hitchcock's . The speech makes a mental image auditory through voice-over, and sometimes it has the indiscernibleness of life and death to be incarnate. This paper has demonstrated that the noise also can mark punctuation-narrative boundary besides visual techniques pointed out by Metz, and it cites the sound of falling water which completes shower scene, offsetting a scream in audience's mind. In the music, desire and oppression are symbolized and they are making a dissonance. Upon occasion, the coexistence of two chords represents duplicity in Norman-mother. Also, the music may disappear in the way of silence, being mummified in the time paused. Thus, the common filmic signification of sounds in can be called reconceptualization of the image.
This paper examines how split-screen technique works to meet the goals and strategies of the narrative in the romantic comedy films which deal with love and sex. The plot of romantic comedy films aims to the union and marriage of the couple, but is structured to delay the union as much as possible through comical situations and episodes. Usually split-screen scenes are placed before plot point 2 and serve to make a laugh and humor. Besides, it helps focusing on two main characters. Comedy related to love and sex comes from information gap between two main characters which can cause a tension, double meaning of spoken words and combination of split-screen images. Michael Gordon's Pillow Talk(1959) and Peyton Reed's Down with Love(2003) are reviewed in this study.
Rapid development of life sciences about human cloning in real world is reflected alternately ahead and behind in the movies and it brings up the conversation topics about the scenario of diverse human life in the near future. This study is the consideration of the characteristic of the human cloning motif in movies, focused on the feature film which consider human cloning a philosophical point of view. The emergence and evolution of somatic cell cloning conclude the problem of philosophical anthropology. And identity and un-naturality of human clone boils down to desire and dilemma of character in . The dramatize to the exclusion of genre's attribution and the setting of twofold relationship between original and clone as well as real mother and daughter prove the critical mind of as stated above. This study also reported it reinforces the characteristic of the human cloning motif in movies that plotting with parallel narrative and the consistent attitudes with various cinematic expression and techniques.
Even though the animation industry has been growth since 2011, there is still imitation by public stereotype which insists that animation is only able to cover the young age group and is not the proper genre of art to convey a social or a philosophical agenda. However, describes the philosophical agenda of 'social class' and 'life and death' in the limited space by expressing characteristics and background of fish through its own way. Thus, it shows how animation goes beyond aforementioned limits. Straying from traditional happy-ending, it criticizes present social problems by telling despite fishes' effort they cannot escape from structural contradictions. The drawing technique in musical expresses the character's ideology and attitude to make people think about how we will behave in the face of life and death. Therefore the purpose of this paper is analyzing director Lee Dae-hee's animation and present the genre expandability of animation.
This study explores the intersection of literary studies and artificial intelligence (AI), focusing on the common theme of human emotions to foster complementary advancements in both fields. By adopting a comparative perspective, the paper investigates emotion as a shared focal point, analyzing various emotion-related concepts from both literary and AI perspectives. Despite the scarcity of research on the fusion of AI and literary studies, this study pioneers an interdisciplinary approach within the humanities, anticipating future developments in AI. It proposes that literary sensibility can contribute to AI by formalizing subjective literary emotions, thereby enhancing AI's understanding of complex human emotions. This paper's methodology involves the terminology-centered extraction of emotions, aiming to blend subjective imagination with objective technology. This fusion is expected to not only deepen AI's comprehension of human complexities but also broaden literary research by rapidly analyzing diverse human data. The study emphasizes the need for a collaborative dialogue between literature and engineering, recognizing each field's limitations while pursuing a convergent enhancement that transcends these boundaries.
The underlying impetus of the birth of animated film is attraction about a moving image. And the animation image occurs from the process of performative relationship between an animator and apparatus. Therefore, analysing the method how the moving image is constructed will be the focal starting point to deal with an animated film as a text. In this context, that conveys the theme in more sensuous way will be examined in a dimension of the material, technique and image-making method. KIM Jin-man's is a Stop Motion Animated Film with Noodlescreen about a journey of a fish that wishes to go outside of the water. KIM created original and friendly images out of plain thin noodle which is a common ingredient in Korea, and dealt with the ontological introspection based of the concept of Nondualism. Nondualism based on the interconnected and cyclical eastern philosophy which is different from the western dualistic theory points to the idea that the universe and all its multiplicity are ultimately expressions or appearances of one essential reality. This paper focuses on KIM's recent work and sees how Nondualism is applied throughout the animated film by analysing the performative method of mediums, technique, and structure. First of all, the form of Noodlescreen will be reviewed in Chapter Two. Pinscreen Animation which was invented by Alexander Alexeieff and Claire Parker will be also compared with Noodlescreen in the aesthetic viewpoint here. In Chapter Three, it will be analysed how the description of the image of binary opposition itself provides expanded sense and rich metaphor. Lastly, the format of Mise-en-abyme going constantly towards outer space will be dealt how it exposes the cinematic illusion and spatiality in Chapter Four. Throughout the whole chapters, it will reviewed how the concept of Nondualism relates the images of and deactivate the boundary of binary opposition in terms of both the story development and the visualization method. By this methodology, it will be confirmed that image of animated film not only explains the narrative but also activates the perception about the theme and provides integrated sensory experiences in the independent and expanded dimension.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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