This paper aims to describe the past character of art through Gadamer's interpretation of "End of the Art" thesis of Hegel. His interpretation also reveals that new art can demand a validity as a way of self-understanding that the art understands itself from its past. Hegel declared the end of art in his philosophical system. From Gadamer's perspective, it means that art has past character in the horizon of modern christianity-humanistic self-evidence (II). Then art understands itself as the past and demands its own validity. Gadamer sees that art cannot require common self-evidence which is clearly and universally understood by all in an age of "the end of self-evidence." And according to him, this requirement shows up in the phenomenon of anti-art in post-modernism(III). From his standpoint it is about time to demand new validity of art again and this requirement could be complied through hermeneutical self-understanding. Art exists as a self-understanding artwork in the cycle of understanding in which art understands itself as an understood past. As a play is played by players, artwork exists as participating spectators. This artwork does not demand a common understanding but exists through various understandings of spectators(IV).
기술의 발전은 사회에 많은 변화를 일으키고 있다. 또한 기술의 발전은 예술 영역에 있어서도 형식과 내용에 많은 변화와 영향을 주고 있다. 컴퓨터 아트, 인터액티브 아트, 뉴 미디어 아트라고 불리는 새로운 예술 장르들이 탄생하였으며 예술가들은 다양한 기술과 접목하여 새로운 작품을 만들어 내고 있다. 뉴 미디어 아트의 중요한 특징 중 하나는 상호작용성인데 이것은 예술작품, 예술가, 그리고 관람자의 수용방식에 결정적인 변화를 가져왔다. 즉 뉴미디어 아트서의 예술작품은 완성태가 아닌 과정(process)으로 주어지고, 예술가는 작업의 초안자 또는 작업의 맥락을 규정하는 자로 규정되며, 작품과 관람자간의 상호작용이 무엇보다 강조된다. 그러나 기존의 뉴 미디어 작품에서 일어나는 상호작용성은 미리 계산된 범위 안에서 일어나는 제약이 있기에 진정한 상호작용성이라고 보기 힘들다는 비판도 있다. 이런 상호작용성은 공학적 세계관에 갇힌 닫힌 시스템으로서의 상호작용성이라고 말하며 미적인 상호 작용성의 도구로서 열린 시스템으로서의 새로운 작품의 필요성을 제시한 예술가들이 있다. 본 논문은 이러한 예술가들의 발자취를 따라 더 본질적인 미학적 상호작용성에 대한 고민과 함께 그에 따른 새로운 상호작용적 예술인 행동지향적 예술로서 인공지능, 인공생명 아트에 대하여 살펴보고자 한다.
This study aims at examining the making and distribution course of performing arts and its converged form with technology and industry in terms of the Contents Promotion Act. Since the 2000s, the inter-area contents making and sharing methods have been changing the making and distribution structure of performing arts. The recent production of performing arts contents live videos extends the areas of arts creation and communication beyond the time and spatial boundaries of performing arts and changes the existing systems. The performing arts which started with nowness and spatio-temporal restriction on the premise is now creating a new platform over the spatio-temporal boundary through the live video. Performing arts, in convergence with the areas of technology and industries, expands universal approaches and shows the public value of cultural fairness at public performing arts centers. In this context, this study aims at seeking the possible extension of performing arts contents by examining how the so-called high-class performing arts such as opera, theatre and classical music combines with the visual industry.
The purpose of this study was to define the 'caligraphy as a modern concept of art. For this purpose, it was necessary to exclude the elements betraying 'the caligraphy as a pure art' in reference to 'autonomy' as an indicator of modernity in order to reflect on the current topology of the caligraphy in our age. Checking the current conditions facing the caligraphy from the pre-modern, modern and post-modern perspectives will clarify the current topology of the caligraphy and further exploring 'the caligraphy as a post-modern art concept. To this end, this study defines the caligraphy 'as a pure formative art' and thereby discusses it in terms of nature and form. In terms of nature, the caligraphy should be subsumed into a spacial art, but it has a nature of a temporal art created and appreciated over time. Hence, among the spacial arts, the painting is most similar to the caligraphy, while among the temporal arts, the caligraphy is most similar to such rhythmic (of high mobility) or performing arts as music and dance. Merely, the painting does not reveal the flow of time on the canvas, while music and dance leave no residual in terms of audibility and visuality. All in all, the caligraphy is sort of 'temporal-spacial art' like dance in that the visible letters express the artist's sense of life on the plane over time like music. In terms of form, this study compares the caligraphy with engraving, wood print and character design to define the caligraphy as a pure art concept. The caligraphy as a modern art concept, namely, the autonomy of the caligraphy is associated with legibility and meaning in addition to the question whether it is an applied or a pure art. The legibility and meaning of the characters are not only the essential elements of the caligraphy but also are the factors limiting its autonomy, which must be a paradox. All in all, the legibility and meaning of the characters must be the key criteria for determining the caligraphy as a practical art or literary art or as a pure figurative art. In this context, this study discusses the caligraphy as a pure art by comparing it with the spatial art 'painting' and the temporal art 'music.' It might be impossible to define the caligraphy or a genre of art as an autonomous art of self-perfection and categorical identity. Moreover, any attempt to define the caligraphy would fail to interpret the caligraphy appropriately. Merely, we are obliged to position the caligraphy in the process of localizing 'their modernity' and thereby, discuss how to respond to their scheme.
Exploring the conceptions of giftedness in arts is very important as the essential prerequisite to identification of giftedness and organizing the curriculum for the gifted in arts. So I have explored the conceptions of giftedness in western music, korean traditional arts(music, theatricals, dance) and ballet based on the results of various studies and cases. The three fields of performing arts mentioned above are operating in the present fields on gifted education in Korea. As the result of this study, I have converged three or four factors on main psychological constructs of giftedness in arts. The giftedness in western and korean traditional music is composed of three sub-factors: high ability in relevant domain, high creativity in general and specific areas, and high motivation including task commitment. However, the giftedness in traditional theatricals, dance, and ballet consists four sub-factors: the physical condition, high ability in relevant domain, high creativity in a specific area, and high motivation including task commitment. The internal characteristics of the gifted in arts mentioned above can be maximized through supporting external conditions like social environments including family and school, and crucial opportunity to meet the teacher who affects the development of giftedness.
In recent times, artists rely increasingly on science and technology, whereas scientists frequently use such an aesthetic tenn like 'eauty.' This shows that the gap between the 'two cultures' are narrowing down due to the necessity of both sides. The historical interaction between science and art has been extensively discussed by the historians of art and those of science. As the complexities of scientific and artistic practices were uncovered, similarities between them were also revealed. The goals of this paper, which explores the relationship and interactions between science and art, are the following three. The first is to bridge the gap between the two cultures (i.e., science and art) by disclosing the mutual influences between them. Second, drawing on recent works on the nature of scientific and artistic creativity, this paper aims to show some similarities and even common factors between scientific and artistic creativity. Finally, by highlighting similarities and common elements between scientific and artistic creativity, this paper will emphasize the role of imagination, insight, emotion and visualization not only in art but also in science.
Proceedings of the Korea Contents Association Conference
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2014.11a
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pp.353-354
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2014
본 연구는 예술관광 관점에서 파인(Pine) & 길모어(Gilmore)의 체험이론을 바탕으로 세계의 문화체험 프로그램의 성공 사례를 조사하고, 전라남도 남도예술은행의 문화체험 프로그램을 분석 및 설문하였다. 그 결과 프로그램 매뉴얼의 세부 기획 및 체계적인 시스템 구축, 프로그램 안내 및 편의를 위한 홍보 다각화, 체험자의 참여 및 동기부여를 위한 운영자의 재교육 프로그램 등이 필요한 것으로 조사되었다. 예술관광 관점에서 문화체험 프로그램은 지역성, 전통성, 자연성을 원천으로 예술관광의 차별화를 통해 자생력 있고 경쟁력 있는 예술관광 프로그램으로 발전시켜야 할 것이다.
Proceedings of the Korea Contents Association Conference
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2017.05a
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pp.61-62
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2017
둔황 벽화는 4세기부터 14세기에 거쳐 제작된 중국전통 회화 예술의 한 종류이다. 본 논문은 둔황 벽화의 예술성이 애니메이션에서 어떻게 연출되며 중국의 전통 문화와 어떠한 관련성이 있는지 살펴보고자 한다. 이를 위한 연구 전개는 첫째, 둔황 벽화와 중국 애니메이션에 대한 이론적 고찰, 둘째, 둔황벽화를 소재로 한 애니메이션 <하충국, 2013>을 대상으로 사례 분석하여 둔황 벽화의 예술적 특성이 전통 애니메이션을 통해 어떻게 표현되었는지 분석하고자 한다. 이를 통해, 고대의 예술성과 문화가 애니메이션 형식으로 제작되며, 중국의 문화역사에 대한 효과적인 교육적 기능을 하게 됨을 알 수 있다.
The purpose of this study was to examine the relationships among teachers' conceptions of art education, and children's creative personality by mediating effects of teachers' role of creativity improvement. Participants included 156 teachers and 593 children in kindergartens and child care centers. Results indicated the following. First, the higher teacher's concepts of art education was the higher their role of creativity improvement was and children's creative personality was. Second, teachers' conceptions of art education and their role of creativity improvement were positively influenced by the children's creative personality. Third, the children's creative personality was influenced by the teachers' conceptions of art education and the their role of creative improvement control and the mediating effects of the teachers' role of creative improvement was significant in a partial way. The implication is that the teachers' conceptions of art education may enhance the their role of creative improvement and foster children's creative personality.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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