Interactive games allow users to obtain embodied experience using the bodies as controllers. The same is true in interactive media arts where users engage in active participation. In contrast to video games, physical body feedback is desired and such practice can be found in robotic arts. I suggest that interactive media arts and interactive games should share common foundations. In this context, I introduce and explain an interactive robotic art work implemented. This work is a musical instrument that employs a robot which travels sitting on two strings in response to audience positions. In results, the robot modulates the vibrations of the strings by causing the effective lengths of the strings changed. The robot uses an economic multi-cell proximity sensor in order to track the audience. In the interaction, phenomenological tension could take place in the performative narrative space. In this paper, I discuss this interactive robotic work in the context of interactive games with a few examples.
is basically based on a written history but is narrated for an unwritten history with imagination. This study explored whether viewers of tow films and regard them as a real story or an unreal story. Analysis of film contents and data from a nationwide online survey(N = 300) were executed. This study found the following. First, viewers consider a true story but a imaginary story. Second, viewers show different ideologial and emcotional evaluation, and strength of memory between two films. Finally, viewers are not likely to evaluate performative value of two history films, which suggest a pluralistic interpretation of history, as they regard the films as an imaginary story or a recreation.
High-performing architecture should be designed by taking into account the mutual dependency between the new building and the local context. The performative architecture plays an important role to avert any unforeseen failures after the building has been built; particularly ones related to the microclimate impacts that affect the human comfort. The use of the concept of solar envelopes helps designers to construct the developable mass of the building design considering the solar access and the site obstruction. However, the current analysis method using solar envelopes lack in terms of integrating the detailed information of the existing context during the simulation process. In architectural design, often the current site modelling not only absent in preserving the complex geometry but also information on the surface characteristics. Currently, the emerging applications of point clouds offer a great possibility to overcome these limitations, since they include the attribute information such as XYZ as the position information and RGB as the color information. This study particularly presents a comparative analysis between the manually built 3D models and the models generated from the point cloud data. The modelling comparisons focus on the relevant factors of solar radiation and a set of simulation to calculate the performance indicators regarding selected portions of the models. The experimental results emphasize an introduction of the design approach and the dataset visibility of the 3D existing environments. This paper ultimately aims at improving the current architectural decision of support environment means, by increasing the correspondence between the digital models for performance analysis and the real environments (context of design) during the conceptual design phase.
This research aims to analyse gender identity and its internal meanings through the main character, Laurence, of the movie (2012) directed by French-Canadian film maker Xavier Dolan. Study examines performative gender identity revealed through the fashion images of Laurence who was born biologically as a man; depending on a theory of Judith Butler who represented a parody, repeatability action, and incorporation as an effect of gender identity. Also 'Internalization of others' and 'Dis-identification' are presented as an internal meanings of Laurence's gender identity which appeared on his(her) fashion images. Laurence parodies woman's fashion styles in repetition to obtain feminity as his(her) appearance. His(her) repetitive actions are construing an internalizing others(women) and visualizing a new-self to become a stylized doer. Dis-identification signifies that gender can be reconstructed regarding the differences of the place and the time and reconstructed outside can be analyzed as externalization of internalization. 'Becoming a woman' means more than what it sounds like to Laurence. It means a new signification of being a woman or redefining gender identity. That is something can be called a genuine transformation and a grant leap for Laurence.
The collective narratives on global crisis such as the displaced, uneven distribution of resources, invasion of human rights is more than a recurring theme or polemics in the fields of contemporary arts. In the latest projects from Olafur Eliasson, Rirkrit Tiravanija and Ai WeiWei, art works are presented as performative 'platforms' for tackling these undiscriminating reality of human conditions. Here, 'the users' as driving forces of possible change, are postulated as prospective actors/players who lead and collaborate to defy the status-quo. Crossing over the on/off lines, the everyday-activities of exchanging, sharing and networking are strategically deployed and its meaning reconfigured within the context of post/production discourse. This historical, yet unsettling juncture between art and life, dystopian reality and utopian idealism has its formal-conceptual links to Russian Constructivism, Brechtian Learning-Play and Joseph Beuys' Social Sculpture. Based on Nicolas Bourriaud's notion of Postproduction, this paper aims to provide a diachronic analysis on collaborative dispositions of participatory arts practices.
As dance performances in the theater space are centered on text, they have plots and make characters stand out. They also emphasize expressivity and technique, and their recognition of space is very modern and typical of dichotomous Cartesian thinking. The museum space has many similarities with the theater space in that it is a result of modernity and granted authority to present arts. The performances in museums place value more on the presence than on the representation. For this reason, works in museums, which are frequently presented in recent years, are mainly works of site-specific or performative concepts. Now, rather than being able to obtain from aesthetics defined as works, the museum is assured its own aesthetic production and justification, paying attention to the performance as an event occurring now and here.
Journal of Korea Entertainment Industry Association
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v.14
no.3
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pp.307-322
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2020
The acting of physical action of the director Kang Yang Won's plays is mostly simple and repetitive. This acting induces the audience to sensuous perception and certain corporal emotions. In addition to semiotic meaning of dialogue a stimulus is given directly to sense of the audience. Therefore, the audience participate in creating a performative space with assistance of atmosphere. So, the feedback-loop of autopoiesis is made and the emergence of meaning is experienced due to felt perception. This emergent meaning springs unexpectedly by imagination, remembrance, and association etc. and is not produced on purpose. In addition, the audience participates in the performance together by the intersection of the perception for representation and perception for presence, and is especially affected by the presence of acting of physical action. In this paper, the study of four major performances of the theatre troupe Dong performed since the 2010s confirmed not only the individuality of each performance, but also the commonality that encompasses the entire performances. This led to discovering the discrimination power of the aesthetics of theater of the director Kang Yang Won and the theatre troupe Dong.
International Journal of Advanced Culture Technology
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v.11
no.3
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pp.99-105
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2023
This thesis discusses a performer's unpredictability and immediacy as a prerequisite quality and/or ability to facilitate his/her professional identity as a doer on stage. To examine the key principles and approaches, this research focuses on addressing a specific aspect of the performer's transformative experience from those, directors, and practitioners' concepts that inform and enhance the performer's passive readiness on stage. To be precise, this research attempt to interrogate and articulate the place and role of a performer's internal readiness and/or that of inner looking. The performer's inner intensity as seed of action signifies that his/her body is being in a state of listening to every tiny moment with his/her heightened awareness which in turn lead the performer's body to meet the demands of theatre, the whole-body engagement. Here, this thesis argues that the key principles of acting/training underlies the importance of a performer's ethical attitude and at the same time his/her responsibility for what the performer's choices and experiences within the performative involvement, that is, a process of preparation, are not technical matter but rather, the concepts, and/or approaches from those theatre artists' practical assumptions highlight a process of thorough encountering and/or listening to his/her body. Inhabiting and/or obtaining the principles through the performer's body means being free from his/her unnecessary trait(s) which in turn initiate and then move the whole body according to what is happening in the series of moment(s) on stage. What is more, such an appropriate psychophysical order reminds us of the significance of the nature of human/performer's body, namely, to being in a state of one's 'own' body as oneness. From this perspective, this thesis further argues that the performer's body necessarily need to be affected and/or triggered in a sense of responding to the given circumstance where the performer is working on in the here and now.
The purpose of this study is to explore which performance verbs are used in the achievement standards of the Korean mathematics curriculum and how to improve them. So, first, we analyzed whether there were differences in the performance verbs included in the 2015 revised mathematics curriculum achievement standards by school level. In addition, it was analyzed whether there were differences in the performance verbs included in the mathematics curriculum in Korea and foreign countries. As a result of the analysis, both the frequency and the type of performance verbs included in the achievement standards of the Korean mathematics curriculum decreased as the school level increased. Also, performative verbs such as 'understand' and 'know' were excessively used. Similar tendencies were seen in foreign mathematics curricula, but the frequency and the type of performance verbs were higher than those in Korea, and various performance verbs were used. As a result of the study, it is suggested that performance verbs included in achievement standards need to be improved to improve middle and high school mathematics classes.
This paper aims at assessing the significance of Lyrical Ballads of 1798, the agreed inaugurator of English Romanticism, in terms of such key concepts as poetic "experiments," "conversation," and the authorial function. The 1798 volume marks an interesting incidence in which an author with no tangible substantiality can wield his authorial function over his works. The volume is signed without the named proper noun-its author is neither William Wordsworth nor Samuel Taylor Coleridge. The figure of the author in this case is realized by the poems he writes; he produces, and is produced by, his works-a fact that constitutes part of the poetic experiments manifested in the Advertisement. Working under this reciprocal production, the Author of the 1798 volume and his poems are collectively aiming at establishing a new class of poetry and an interpretive community. The notion of "conversation" is a key element in the thematic, stylistic ties among individual poems. Poems of the 1798 volume effect multi-layered, "blended" voices. Readers are expected to draw out the topological interweaving among poems through the practices of dialogic reading. In this light, the sequential necessity of "The Rime" and "Tintern Abbey" should be emphasized. They are stitched together in a logic of textual placement and the transition from one to the other is never arbitrary. Most of all, they are working under the same authorial function, complementing each other, and addressing the same poetic project in different textual locations. As an inaugural work of English Romanticism, Lyrical Ballads of 1798 in fact makes so many things happen and yet again anticipates something yet to come with elusiveness. The value of this poetic experiments should be judged not only by what is claimed in it, but what it sets out to do and "how far" it will be performed, as implied in the Advertisement. The efficacy of the volume, more than anything else, is dependent upon the performative power of words.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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