The purpose of this study is to contemplate evening dress in contemporary fashion, thereby to analyze aesthetic characteristics of evening dress. For such purposes, this thesis first provides the historical survey of evening dresses, and to conduct a case study of survey of fashion photographs covering $pr{\hat{e}}t-{\acute{a}}t$-porter design products from 2000 to 2007 presented by Valentine. Based upon the historical survey, there are five representative styles in evening dress. Flapper chic looks could be characterized by frequent usage of sleeveless straight silhouette with long or mini hemlines, expressing sensuality, luxury, and ethnicity. Satin Siren looks were characterized by bias-cut, slim, long silhouette, expressing sensuality and luxury. Feminine Ideal looks were characterized by hourglass silhouette and decolltage with feminine details such as bow, pleats and frills, expressing historicism, luxury and sensuality. Freedom and fantasy looks were characterized by ethnic details or modern silhouette with transparent, printed materials, expressing ethnicity, sensuality, and luxury. Finally, postmodern glamourous looks were characterized by body-conscious silhouette with transparent, shiny, or stretch materials, expressing sensuality, experimentalism and luxury.
일반적으로 근대 디자인의 역사는 19세기 중반 영국에서 시작된 것으로 이해되고 있다. 이 시기의 유럽은 프랑스 혁명과 한업혁명을 거치면서 성장한 부르주와 계층이 역사의 전면에 부상하며 과거 봉건적 전퉁사회와는 전혀 다른 근대사회를 성립해가고 있었다 새롭게 사회의 주역으로 부상한 부르주아 계층은 그들만의 고유한 새로운 미학을 확립하고자 했고 이러한 과정에서 근대 디자인이 탄생하게 되었다. 본 연구에서는 지난 150여 년간의 디자인의 역사를 근대 프로젝트로서의 디자인 혹은 모던 디자인 프로젝트라는 관점에서 파악하고자 한다. 초기 근대 디자인 이념의 형성과정에서부터 최근의 탈근대 논의에 이르기까지의 디자인 역사를 모던 디자인 프로젝트의 형성과 변질, 그리고 이에 대한 비판과 재평가라는 맥락에서 이해하고자 하는 것은 이ㅓ한 논의가 현재 진행중인 탈근대로의 급격한 전환과정을 이해하고 미래에 대한 전망을 갖게 하는데 도움이 되기 때문이다.
The trend of globalization has sharpened the debate on interculturality, which scholars examine from different and often conflicting points of view ('content' vs. 'practice', 'culture-specific' vs. 'universal', 'communication (meta)theory' vs. 'communication practice', 'individual' vs. 'collective', etc.). Whereas all these approaches are necessary to describe the multiple dimensions of interculturality, their dichotomous nature does not help to account for its internal complexity, which cannot be dissociated from the connections that exist among all these dimensions. The difficulty posed by the essentialist interpretations that tend to result from these dichotomies is compounded by the fact that in postmodern debates priority has been given to approaches that emphasize individual or collective agency over structural constraints which have to do with political economy or with cultural and linguistic codes and traditions. This paper aims mainly at suggesting that the dissolution of the boundaries that exist between these approaches should be pursued in order to get a fuller and richer approach to their common object of study. After discussing, by way of illustration, content-based and practice-based perspectives, we suggest that one way of getting beyond these dichotomies consists in focusing on the 'interactional' dimension of interculturality, which means laying emphasis on intersubjectivity and, particularly, on the individual subjects considered as members of different cultural communities who strive to transcend their sociocultural boundaries in order to reach harmonious interactions in a world in which inequality and the de-territorialization of people and cultures are central features.
An outsider's perspective is often illuminating and enlightening, as he or she perceives the world differently from us, and sees things that insiders tend to miss. While an outsider's views are fresh and penetrating, an insider's vision is often banal and myopic. Although outsiders' perspectives may not be quite right at times, they always shed light and provide insight, allowing us to reevaluate the conventional interpretations of our literature and folktales. In order to prevent our own understanding and knowledge from growing stale and narrow-minded, we should endeavor to consider outsiders' opinions and view all things from multiple angles. When reading literary or cultural texts, therefore, we need to read through others' eyes because it provides alternative perspectives. And we should learn to co-exist with others and see things from others' eyes. In his celebrated novel, My Name Is Red, Orhan Pamuk, the Turkish Nobel Laureate, explores the themes of clashes between the East and the West, the young and the old, and conservatism and radicalism. The confrontation between the stubborn defenders of tradition and the self-righteous innovators ultimately results in bigotry, hatred and murder. As Pamuk aptly perceives in his novel, the inevitable outcome of such uncompromising conflict is degradation of humanity and annihilation of human civilization. That is precisely why we need to embrace others who are different from us and learn to look through others' eyes. Sometimes, we fear other voices and different perspectives. As the movie "The Others" suggests, however, there is no reason for us to be afraid of others.
Holocaust fiction has always raised the moral and aesthetic questions about the nature of mimesis and the literary representation of atrocity. The Holocaust, defying any representation of it, has been considered as unspeakable, unknowable, and incomprehensible. This essay aims to explore Martin Amis's narrative strategies in Time's Arrow to conduct the difficult tasks of re-creating the primal scene and of discovering a moral reality behind the Holocaust. One of the major narrative experiments in Time's Arrow is the time reversal: the story moves from the present of phony innocence to the past of unrelieved horror. Reversing the temporal order of events reverses causality and generates the revision of the morality, ultimately creating the epistemological and ontological uncertainties. Amis's novel is also narrated from the perspective of a double persona of the protagonist who, as a Nazi doctor, participated in the massacre in Auschwitz and then fled to the United States following the war. As almost a self-conscious storyteller, the narrator shares a sense of retrospective guilt with the reader who finally realizes that the Holocaust was a world turned upside down morally. Amis's postmodern narrative strategies are unusual enough to warrant a new way of representing the Holocaust.
Haewon-sangsaeng is a key idea of Daesoon Jinrihoe, which, as Professor Bae Kyuhan points out, "… has broad applications." Haewon-sangsaeng is not only congenial to Chinese Harmonism, but it also enriches this concept. However, many scholars understand Haewon-sangsaeng in a relatively narrow scope. For them, Haewon-sangsaeng is confined to pertaining only to human relationships. For example, Don Baker, the author of Korean Spirituality, states that "Haewon means relieving the resentment human beings past and present have felt because they were treated unfairly". Sangsaeng refers to "a spirit of mutual aid and cooperation" rather than "the spirit of competition and conflict that has dominated the human community up to the present day". This article argues that Haewon-sangsaeng not only has religio-ethical implications, but ecological implications as well. Specifically, it has relevance for the goal of creating an ecological civilization that aims at the harmony of humans and nature. In other words, Haewon-sangsaeng can be both "expanded for the global peace and the harmony of all humanity" and can be expanded for healing the relationship between humans and nature, including human beings and viruses. In order not to risk being "the first Earth species knowingly to choose self-extinction", an Ecological Civilization is urgently needed before it's too late. Alone with Chinese Harmonism, Haewon-sangsaeng can make great contributions to the cause of ecological civilization by transcending anthropocentrism, individualism, and the worship of competition as root causes of the predicaments faced by modern civilization.
International Journal of Computer Science & Network Security
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제23권6호
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pp.162-168
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2023
This article presents an examination of the major cognitive-semantic theories in linguistics (Langacker, Lakoff, Fillmore, Croft). The CST's foundations are discussed concerning the educational policy changes, which are necessary to improve the linguistic disciplines in the changing context of higher education, as well as the empowerment and development of the industry. It is relevant in the light of the linguistic specialists' quality training and the development of effective methods of language learning. Consideration of the theories content, tools, and methods of language teaching, which are an important component of quality teaching and the formation of a set of knowledge and skills of students of linguistic specialties, remains crucial. This study aims to establish the main theoretical positions and directions of cognitive-semantic theory in linguistics, determine the usefulness of teaching the basics of cognitive linguistics, the feasibility of using methods of cognitive-semantic nature in the learning process. During the research, the methods of linguistic description and observation, analysis, and synthesis were applied. The result of the study is to establish the need to study basic linguistic theories, as well as general theoretical precepts of cognitive linguistics, which remains one of the effective directions in the postmodern mainstream. It also clarifies the place of the main cognitive-semantic theories in the teaching linguistics' practice of the XXI century.
This study examines the creation method using parody in fashion, which has changed from the first half of the 20th century to the present day, by considering the creation method expressed in art. A literature review and case studies were conducted for this research method. The scope of this case study was to examine designer works that attempted an artistic approach, focusing on contemporary fashion in the 20th century to the present. First, it was found that parody, as a creative method in fashion, creates works that reflect designers' new perspectives or perspectives in the form of variations that vary from time to time. Second, the forms of variation that vary from time to time demonstrate Poire's imitation technique in the modernist era. Imitation and critical parody techniques were used in the postmodern era. In the post-contemporary era, the extended parody-type appropriation and re-transmission techniques were used. Third, when comparing creation techniques using parody in art and fashion by period, it was found that the fashion technique, which followed the creation technique in art, adopted the same method as the art technique, as it approached recently.
Korean commercial architecture is based on two distinctive characteristics of western modern architecture: grid frame structure and free facade. However, the original facade of the building disappears as numbers of commercial advertisements and signboards representing inner programs cover up the original facade. This is a unique feature of commercial architecture in Korea which I would call the surface phenomena of Korean commercial architecture. Common criticism on this type of building is that too many and too big signboards infringe upon the original pure facade of the architecture. Underlying assumption here is that signboards and commercial ads are inessential and decorative elements simply attached to the original pure facade of modern architecture. However, in this paper, I argue that commercial decorations is an essential aspect of korean commercial architecture rather than an inessential decorative element attached later to the essential facade of architecture and that it reflects the historical specificity of cultural and architectural modernity of Korea And thus, the surface phenomena of Korean commercial architecture should not be judged based upon the aesthetic paradigms of either western modern or postmodern architecture. Rather, it can be argued that surface phenomena of Korean commercial architecture is a reflection of a modernity beyond the paradigm of western modernism and postmodernism. The agenda of Korean commercial architecture is then not simply to restrict or to control signboards on the building facades with the intention to clean up facade of the building but rather to integrate the signs and commercial ads with the structure of architectural surface.
This paper examines the characteristics of post-modern self-portrait photography. Characteristics of postmodernism associated with the "loss of centeredness," such as the death of the author, interdisciplinarity, and intertextuality, brought about a number of changes within the self-portrait. The distinction between post-modern and modern self-portraiture can be characterized by the following qualities: appropriation, the use of photography, and the utilization of the human body as an art. The characteristics of post-modern self-portrait photography can be represented through the works of Cindy Sherman, Orlan, and Morimura Yasumasa. By presenting prototypical women in her works, Cindy Sherman not only represents images of those women, but also exposes her fictitious role in the work. She creates a distance between herself in the works and herself in reality and discloses a paternalistic gaze. Meanwhile, Orlan transforms her face into a distorted image and presents it as an alternative identity that is representative of postmodernism. She corrodes the standard concept of identity through plastic surgery and treats the face not as a place where the identity stays, but as a simple body part or fragment of skin. Orlan's post-human face is malleable according to the artist's desire to raise the issue of what the human face is, and opposes the structure of modernism. Morimura Yasumasa also appropriates images from masterpieces and presents a hybrid identity between Eastern and Western, male and female, original and replica, and subject and object. In order to dissect social prejudice, he puts forth every single structural dichotomy that coexists in his self-portrait and suppresses a strong ego. He also studies the relationship between 'seeing' and being 'seen' by trading the painter's role from that of the subject to that of the object.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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