The purpose of this study is to grasp the research trends of domestic journals about dance expression ability. The thesis was selected from 36 articles selected from Korean Academic Information (KISS) provided by KERIS from 2001 to December, 2017 and articles related to dance expressions included in DBpia, Research methods, research subjects, and research themes. First, the research trends of the academic journals by year were on average 3 from 2004 to 2017. Second, the research method is mostly related to quantitative research methods. Third, research theme trends were dance expressiveness, body expression ability, and dance expressiveness. Fourth, the research subjects were dance students major, dance program, dance expression in order. In the future, it is necessary to confirm the research techniques and overcome the researches to overcome the research tendency based on questionnaire scales or statistical results.
Journal of the Korean Society of Clothing and Textiles
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v.27
no.3_4
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pp.310-321
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2003
The purpose of this study is clarify the formative characteristic of dance costume design and analyse stage effect based upon the formative factors. Classified design element of dance costumes by line, silhouette, color, material, lighting, and also this based on content analysis method about each formative factor of costumes that showed 10 dance performances which practically be performed and made. And individually interviewed the professional dance composers and dancers who participated in the performances fer objectivity and specialty of this study. The results were as follows; 1. Dance costume contains and harmoniously expresses theme of a dance work, formative characteristic of fashion design, movement and character of the dancers, lighting effect. 2. Korean creative dance costume is effectively expressed with formative factors of traditional costumes and modem sensibility and symbolic expression of image-centered. 3. Costume line is affected by dancer's movement and it's possible to be different effect that the atmosphere or stage effect by the original form of line and the expression method. 4. Costume color is effective to inform that dancer's character and image of a dance work. 5. Costume material is most important to consider that the dancers and the atmosphere and the image of a dance work. 6. Lighting effect can inform various feel of dancer's dance.
Journal of the Korean Applied Science and Technology
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v.39
no.2
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pp.261-270
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2022
This study was to analyze the related contents by securing 32 volumes of 8 types of physical education textbooks for grades 3, 4, 5, 6 that are being used in the school field for the revitalization of dance education. As a result, the 3rd grade expression area organized textbooks focusing on movement language and expression elements. For the 4th grade, most textbooks suggested gymnastics using balls, hoops, and ribbons. In the 5th grade, Ganggangsullae and Mask dance were suggested in relation to Korean folk dances, and Tinikling and Gustaf's skoal suggested in relation to foreign folk dances. had been In the case of 6th graders, the exploration of expression elements and the expression process were presented in relation to thematic expression, and the subject expression was made possible with a focus on creative gymnastics. Also, line dance among practical dances was presented in most textbooks. Despite the importance of the expression domain, field teachers at school are complaining of difficulties in teaching and learning due to various internal and external problems. The need for activation is raised in that the expression domain can exert effects in all cognitive, mental, and affective domains.
The pattern of a dance had changed and made a progress delicately according to the change of the myth, religion, and civilization. One genre which had experienced the change for the dance is a mask dance. This dance started from wishes to adore spirit or god with imitated masks of native animals and desire to identify with nature. After the middle ages, it finally became to approach to the artistic state. In that dance, there was used a role of the head of the family which was strongly adapted to the shape of the mask as performing casts After studying symbolic characteristics of the mask dancing, we could conclude these as fol1ows.: First, Masks symbolized the totemism that adores spirit or god. This kind of whole masks were consistently used. Second, Mask was worn for expressing a dancer's cast well. This function of performing cast was in the primitive ages. However at the age which was characterized as the age of the art, the expression of using a mask became various. Third, Mask was mostly related to the head of the family and appeared with the desire to be others not themselves. Since the middle ages, this tendency continued to the modern dance. Now we can see this type at the carnival. The mask was not only an effective means of dance but also an expression of totemism, performing cast, and the head of the family. Therefore it contributed to the growth of the dance a lot.
The aesthetics of Korean pantomimic mask-dance-drama is studied in this thesis. The scripts of the pantomimic mask-dance-drama were recorded generally, explanatorily and interpretively. The emotion and psychology are expressed by the look and body language. The mimic expression of the pantomimic mask-dance-drama was analyzed intensively. The speech drama is richer and deeper than the pantomimic mask-dance-drama at the aspect of the power of expression.
The purpose of this paper is to study on the elements of the Sinmyung and the expression recognition of body movement in Korean dance of college students majoring in musical. The participants were 12 male and female college students in musical major who experienced in dance, song and acting. The program was composed of the experience of the Sinmyung: recognition of sound and dance, breathing and movement in the Korean dance, 8 hours twice a week for four weeks. As a qualitative approach is the discovery of the center of the process, we carried out an inductive analysis of the area on the basis of observation, in-depth interview and student report. The core of this analysis is to attempt to analyze contents concentrating on the recognition exploration of the Sinmyung sentiment and the body expression through sound and breathing. In conclusion, for college students majoring in musical, the expression recognition of the experience of the Sinmyung and the movement in the Korean dance contributes to the improvement of creative thinking through body perception, and the practical use of the capacity of image expression through concentration of sound and breathing. Finally, the results of this research could articulate with the value of body expression and the creative factors of college students majoring in musical.
This study aims to investigate the interrelationship between German expressionist dance and grotesque art, with a specific focus on the analysis of Pina Bausch's renowned work, <Café Müller>. German expressionist dance emerged as a response to the social instability and economic downturn that followed World War I, leading to the introduction of expressionism and grotesque aesthetics. The incorporation of grotesque expression in dance plays a critical role in boldly portraying the destruction of the human condition and its underlying causes, thereby offering insights into social contradictions and the erosion of human nature. This research thoroughly explores the intricate connection between German expressionist dance and grotesque expression, providing a comprehensive analysis of Pina Bausch's <Café Müller> to reassess the profound meaning and significance of expressionist dance. Additionally, this study delves into the inherent grotesque tendencies embedded within the work, surpassing conventional notions of visual beauty and ugliness, and strives to reinterpret the essence of grotesque expression through the nuanced movements of the dancers and the integration of auditory elements within the performance.
This paper deals with the tradition and identity of physical expression(${\bar{a}}{\dot{n}}gika$ abhinaya) system in Indian traditional theatre and dance. The ${\bar{a}}{\dot{n}}gika$ abhinaya of Indian dance and theatre has been stylized through long terms and thereby defines their identity and peculiarity by its highly stylized expression techniques while following dramatic way($n{\bar{a}}tya$-dharmi). The ${\bar{a}}{\dot{n}}gika$ abhinaya is said to had been derived from the ritualistic practice of ancient Vedic period(B.C. 15th-B.C. 5th c.), which is most clearly exemplified in hand gesture(hasta mudra). In $N{\bar{a}}tya$${\acute{S}}astra$, ${\bar{a}}{\dot{n}}gika$ abhinaya is explained in detail. It is classified broadly into facial expression(mukhaja abhinaya), gesture expression(śārīra abhinaya), movement expression($cest{\bar{a}}krita$ abhinaya). Further, $N{\bar{a}}tya$${\acute{S}}astra$ divides their various usages by parts which include head, glance, eyes, nose, eyelid, cheek, lower lip, chin, mouth, hand, chest, waist, belly, hip. thigh, claf, foot. Besides, it explains diverse ways of foot movement($c{\bar{a}}ri$), standing poses(sthana), gait(gati) and their combined movements(mandala). Many forms of Indian traditional theatre and dance basically follows the rule of ${\bar{a}}{\dot{n}}gika$ abhinaya proposed in $N{\bar{a}}tya$${\acute{S}}astra$, which identifies their unique characteristics.
This study tries to investigate the relationship between physical perception and creative thinking of dancers by dance imagery training programs. The inner imagery and the external expression of dancers are a divergent expression process of autosuggestion, and substantiate the relationship between physical perception and creative thinking. The key point consists in the active thinking process of problem recognition and problem solving by imagination, and means a new perceptivity and the communication capability. Dance imagery is a perception training based on the integration principle of body and soul, and so dancers should create a new approach of communication through the diversity of wide inner imagination and the active thinking of external expression.
International Journal of Advanced Culture Technology
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v.12
no.3
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pp.303-308
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2024
There is no standardized concept of "at-risk youth," but from an overall perspective, they are youth exposed to various crises. "At-risk youth" are categorized into personal, familial, educational, and social crisis areas, encompassing factors such as family background, educational difficulties, and mental health issues. There is a dance piece that addresses these "at-risk youth. Matthew Bourne created a dance piece that addresses "at-risk youth" in <Romeo + Juliet>. Currently, Matthew Bourne is a popular choreographer from England who reflects certain social phenomena and does not differentiate between classic art and public art. In 2019, Matthew Bourne collaborated with young creators to reinterpret <Romeo + Juliet> as a narrative centered around youth. In this dance work, youth is both the subject and the expression of the story. In <Romeo + Juliet>, "at-risk youth" are depicted in various forms. The work explores mental health issues including homosexuality, trauma, and depression among teenagers, as well as societal issues such as violence and weapons. The stage depicted how teenagers perceive themselves and how they navigate the challenges faced by "at-risk youth". We would like to interpret the work in relation to the types of "at-risk youth" and the expression methods of the performance. Of course, there may be differences when examining performance cases in other countries compared to youth in Korean society. However, It has meaning in itself to analyze Matthew Bourne's <Romeo + Juliet> in various ways in relation to "at-risk youth" and to examine social phenomena from a broader perspective through this.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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