• 한국패션뷰티학회지
• /
• 제5권1호
• /
• pp.51-55
• /
• 2007

These days, hair design is recognized as a kind of molding arts which peform expression skill to create personal self as well as practical skill. Recently, the efforts to express hair design sublimating it to art works have continued. For these reasons, this study had purposes as follows; First, it developed creative and original design producing works to shape the flower image that was an important material of hair design. Second, it presented the possibility to express the field of hair design with art. In the flow of age, nature has provided design with unlimited creative motive. Flowers, among various materials, show the nature's change, combination and order and impose diverse symbolic meanings. Therefore, flowers are good materials to express the works. Through the process of decolorizing and dyeing with hair, five works of nature's fragrance, hope, reed flowers, windflower, magnolia blossom had been produced. The results of the process were as follows; First, the transformation of shape through the simple process taking the image of shaping flower as subject matter could be a motive of new hair design art. Second, if the various images of flowers were expressed as hair art with three-dimensional shape, it could be works with value of beauty. Through the process of this study, it was proved that nature could be endless subject matter for art. Therefore, with continuous studies, it can be motive of developing designs in producing work activities of many hair designers. In addition, academic development will be achieved through wide and diverse studies.

• 만화애니메이션 연구
• /
• 통권9호
• /
• pp.235-249
• /
• 2005

디지털 애니메이션의 환영(幻影-illusion) 이미지를 만드는 과정은 테크놀로지의 수공예적인 수작업(手作業) 즉, 애니메이션 과정, 이미지의 덧붙임, 보정(補整) 등을 통해 만들어진다. 본 논문은 디지털 애니메이션이 전통 예술의 수공예적인 측면을 디지털 제작 과정으로 부활시켜 새로운 예술 개념을 획득하고 있음을 주장하고 있다. 이를 구체화하기 위해서 본 논문은 다음의 단계로 이루어진다. 첫 째는 영화의 복제와 혼성이다. 예술의 '아우라'를 강조 해왔던 예술사에서 기계에 의한 복제는 피할 수 없는 것이 되었고, 디지털로 저장된 다양한 그림 정보와 짜깁기된 영상작업들은 복제와 혼성으로 새로운 영상 작업을 쉽게 할 수 있는 계기가 되었다. 둘째, 디지털 애니메이션의 예술 영역의 확장이다. 이제 디지털 애니메이션은 극사실의 환영성을 통해 새로운 창조적 예술로 인정받고 있다. 결과적으로, 디지털 애니메이션의 제작과정으로 과거의 미디어가 이루지 못한 상상력을 복원하는 새로운 미디어 예술의 특성을 보여주면서 디지털 애니메이션의 새로운 예술로써의 가능성을 획득하고 있다

• 한국인쇄학회지
• /
• 제2권1호
• /
• pp.35-43
• /
• 1984

현재 시판되고 있는 국산 Polar Zoom Lens 80~200mm(1:3.9) 와 일산 (日産)Nikkor Zoom Lens 80~200mm(1:4)를 실사(室寫)에 의한 화질을 비교하였으며 화질검사 방법은 日本千葉大學 다무라미노루(田村 稔)의 hawlet chart를 이용하였다. Polar Lens나 Nikkor Lens가 모두 평균화질이 6.9였으나 양상 화질 면적은Polar Lens는 86% 이고 Nikkor Lens는 92%가 나왔다. 이것은 국산 Lens의 수준이 국제수준에 도달하였음을 알 수 있었다.

• 복식문화연구
• /
• 제15권1호
• /
• pp.152-168
• /
• 2007

The aim of this study is to shed light on essentials of Suprematist artists focusing on Malevich and their works in relation to modem design, and to examine their roles in the modem design industry compared to those of modem designers. The study obtains the following result on Suprematist artists and their works in Russian avant-garde in terms of modem design. Firstly, Suprematist artists had a great deal of interest in practical design although it seemed Suprematist were replaced by utilitarianism in avant-garde during the Russian revolution. Secondly, Suprematist artists were the first artists to bring the birth of modem design trends by applying their art in geometric forms to clothing and fabric design as well as ornaments and handicraft. Thirdly, the artists' attempt to work with needle workers made it possible to set achievements in design and modem decorative art exhibitions in various fields of art-life. As for the role of modem designers, Suprematist artists including Malevich have significant meanings as follows: Firstly, Malevich was a creative, future-oriented artistic designer who realized zaum of painting on the stage and created suprematistic mode in a cosmic point of view in order to agree with the environment. Secondly, Suprematist artists knew the importance of works that were produced by craftsmen and worked together with them. Therefore, the designers could maintain fabric decoration in difficult conditions knowing the importance of the high value-added industry. Thirdly, they were artists in real life who embodied the ideas and theories of Suprematist in sample works by recognizing the need of changes in life environment: they planned to set a new visual world in art but did not confine the idea only to painting.

• 패션비즈니스
• /
• 제14권4호
• /
• pp.74-90
• /
• 2010

The history of contemporary art in the 20th century can be said the history of changes. Today the variety of objects destroy the boundaries of each genre. This study aims to understand the relationship between fashion and art that becomes closer by examining contemporary art in the Gwangju Biennale 2008 to enlarge the range of understanding of mutual communication between contemporary art and fabrics which are the object of fashion. The research method was to investigate the characteristics and expression methods of object fabrics shown in contemporary art through the review of papers published at home and abroad, related literatures, and Internet materials. Also, the meaning, technique, and methods of fabrics were analyzed from works introduced in the Gwangju Biennale 2008. In order to achieve this purpose, fabric was examined as the object of work in Gwangju Biennale 2008. As a result, it is found that fabric plays an important role in changing environment newly with more dynamic, abundant, and comfortable and softer feeling than any other artistic materials and enlarging the boundaries of artistic materials by exploring formative possibility. Furthermore, its multi-dimensional expression characteristic presents unbounded possibility. Fabric which has long formed close relationship with human life has taken its place as one genre now. It departs from the past principles of fabric handicraft and the restriction of a classical norm and becomes characteristic of very wide-ranging selection of materials and free expression. Its soft and warm texture provides emotional stability for a human. Although the peculiarity of fabric as an active concept to human environment and new materials and technique based on the aesthetic consciousness of a human rely on the high development of industry, it is significant that artists' liberation from their concept and material sense is accompanied by the expression of freedom.

• 융합정보논문지
• /
• 제10권11호
• /
• pp.185-194
• /
• 2020

제 4차 산업혁명 시대에 포스트휴먼적 존재들의 등장은 인간중심적인 근대 휴머니즘에서 탈피하여 인간 아닌 존재들과의 새로운 관계에 대한 성찰의 필요하다는 인식론적 변화를 야기했다. 이러한 성찰을 위해서 주변 세계를 공감하고 이해할 수 있는 포스트휴먼 감수성이 요구되며, 이러한 감수성 함양을 위해 포스트휴먼 시대를 사유하고 경험할 수 있는 미술작품 사례를 포스트휴머니즘 연구자인 브라이도티가 제시한 '동물-되기', '지구-되기', '기계-되기' 기준을 바탕으로 분석하여 제시하였다. 미술작품은 시대정신을 반영하고 있기에 포스트휴먼 시대를 성찰하고 체험해 볼 수 있는 텍스트라는 긍정적인 측면을 확인하였다. 본 연구는 포스트휴먼 감수성 함양을 위해 미술교육에서 활용할 수 있는 미술작품들을 제시하여 기초연구로서 의의가 있다.

• 융합정보논문지
• /
• 제11권5호
• /
• pp.118-129
• /
• 2021

다문화 가구가 증가하는 한국의 상황에서 교육 전반에서 다문화 역량을 강화할 필요성이 제기되고 있다. 이에 따라 본 연구는 학교 현장에서 사용되고 있는 2015 개정 중학교 미술 교과서 7종을 선택하여 맥피(Macfee)가 제시한 다문화교육 관점에서 교과서의 참고도판과 내용의 비중을 분석하였다. 분석 결과 첫쨰, 지역별 다문화 참고 도판 비중은 한국 도판(44%)과 서양 도판(43%)의 비중이 높은 데에 비해 동양 도판(13%)의 비중은 매우 낮았다. 체험영역에서는 한국 도판보다 오히려 서양 도판이 13.8% 더 수록되었으며 서양 도판도 미국과 유럽 도판으로 편중되어 있었다. 둘째, 다문화 내용 비중을 분석한 결과 총 단원의 57.7% 즉 156개 중 90개 단원이 다문화 내용을 포함하고 있었다. 결과적으로 2009 개정 미술 교과서와 비교해서 2015 개정 중학교 미술 교과서의 다문화 비중은 확장되었다.

• 한국융합학회논문지
• /
• 제10권7호
• /
• pp.121-131
• /
• 2019

아트 콜라보레이션 광고는 상품과 직접적인 관련이 없는 미술작품을 활용하여 더 가치 있는 상품으로 재창조하는 것으로 창의적 사고가 핵심 가치로서 작용한다. 본 연구의 목적은 창의성 기법으로서 마인드 맵과 스캠퍼 기법이 아트콜라보레이션 수업에서 갖는 창의적 사고의 효과를 규명하고자 한다. 중학교 학생 5명에게 총 6차시 아트 콜라보레이션 광고 수업을 진행한 후 수업 결과인 학생 활동지와 작품을 통해 창의적 기법과 창의성의 요소간의 특성을 분석하였다. 그 결과는 다음과 같다. 첫째, 아트 콜라보레이션 활용 미술 수업을 통하여 학생들은 주제 정하기 단계인 '마인드 맵' 활동에서는 유창성이 아이디어 탐색 단계인 '스캠퍼' 활동에서는 '융통성'과 '독창성'이 발휘되었다. 둘째, 수업의 전체 과정을 통해 가공되지 않은 수준의 생각을 구체화하고 깊이를 발전시키는 정교화의 과정을 관찰할 수 있었다. 본 연구는 두 개 이상의 영역이 만나 각각의 핵심 역량을 바탕으로 협업하는 사례로 학생들의 창의적 융합 사고증진과 관련된 연구에 기여할 것이다.

• 동양고전연구
• /
• 제32호
• /
• pp.51-69
• /
• 2008

중국문학의 대가인 노신(魯迅)는 소년시절부터 이미 회화(繪畵)와 인연을 맺었고 미술에 정통한 견해를 가졌던 사람이었다. 본고에서는 노신(魯迅)이 자신의 소설 속에서 색채(色彩)를 이용해 어떻게 자신의 정감(情感)을 대입하고 표현해 내었는지 그의 색채(色彩)선택과 배합의 특징은 무엇인지를 살펴보았다. 실로 색채(色彩)는 인간의 심리구조와 긴밀한 관련을 맺고 있다. 노신(魯迅)는 인물형상의 창조에서 의식적이든 무의식적이든 특정한 색깔을 민감하게 표현하고 있다. 작품속의 인물형상 중에서 '흑색(黑色)집단'의 존재가 그 대표적인 예라 할 수 있다. 노신(魯迅)은 늘 엄중한 색채(色彩)를 사용하여 자신의 인물들을 강화시키며 사람들로 하여금 그들의 생활처지와 성격을 짐작하게 하는 색조(色調)를 만들고 있다. 이러한 작가의 예술심리 혹은 예술상의 뛰어난 선택은 노신(魯迅) 개인의 생활과 심리태도와도 연관이 있다. 노신(魯迅)는 색채(色彩)의 선택에 있어 어두운 색으로만 일관하는 것은 아니다. 그는 한편으로는 흑암(黑暗)을 직시하면서, 한편으로는 희망을 전재로 밝은 색조(色調)의 도입에 부단히 노력하였다. 그는 현재의 세상이 암울하고 비참하여도 죽음을 두려워하지 않고 이 암흑과 싸워나간다면 장래에는 희망찬 미래가 온다고 믿었다. 그래서 그는 현재의 상황에서 과거를 말하려고 했고, 현재의 상황에서 다시 미래를 말하려고 하였다. 그래서 노신(魯迅) 특유의 복선구조(複線構造)를 이용하여 과거와 미래를 현실과 서로 대비(對比)시켜 서로를 보충하는 색채(色彩)구성을 연출했다. 노신(魯迅)의 이러한 색채(色彩)의 정교한 묘사는 자연히 소설 예술의 장점이자 노신(魯迅) 색채예술(色彩藝術)의 결정체이기도 하다.

• International Journal of Advanced Culture Technology
• /
• 제10권3호
• /
• pp.184-191
• /
• 2022

Unity Painting is a concept that the researcher put forward to locate his own creative style in his creation. Unity Painting, with a clue of reflecting the characteristics of contemporary oriental visual culture, combines the contemporary painting features of a variety of western painting languages. It aims to link the painting system formed in the context of oriental culture with the world's contemporary art and try to present a new contemporary painting with oriental genes. According to the Chinese literature, the researcher sorted out the five main colors (五正色), ten colors for Heavenly Stems (十天干色彩), five intermediate colors (五间色), and five colors as the expression of the Chi of Thriving and Fading and the Chi of Birth and Death, and deduced the summary and stipulation of the color of yin-yang and five elements under the concept of Unity Painting. Based on this, the researcher drew the color-phase and its variation stipulation diagram of ten colors for Heavenly Stems, the orientation of Heavenly Stems (天干方位), color-phase variation diagram (色相变化图), as well as the stipulation system diagram of the five elements (五行), Heavenly Stems and Earthly Branches (干支), energy, time and colors. Through the research and collation of the literature, the researcher took the stipulated five elements color (五行色彩) as the basis of the color concept of creation to complete the work. This paper discusses how to find the starting point of contemporary art creation in the context of traditional oriental culture, sorts out the practical creation logic, and provides ideas for subsequent researchers, with a view to better establishing the identity of the creator and providing research significance and value in the context of the study of oriental art.