• 한국콘텐츠학회논문지
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• 제21권9호
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• pp.88-104
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• 2021

포스트모던의 영향을 받은 해체적 그래픽디자인의 시각 표현은 명확한 이미지와 텍스트로 구성된 전통적 형식의 그래픽디자인 표현법과 달리 도전적이고 실험적이었다. 이런 해체적 그래픽디자인의 시각 특징들은 작품을 감상하는 데 있어 미적 경험의 주체로서 독자의 중요성을 강조했다. 본 연구는 수용자 즉 독자 중심적인 문학 연구 이론인 수용미학(Aesthetics of Reception)을 중심이론으로 상정하여 해체적 그래픽디자인의 실험성으로 인해 나타나는 특징들에 대한 이념적 틀을 새롭게 형성하고자 한다. 해체적 그래픽디자인의 작품 해석을 위해 볼프강 이저의 수용미학의 특징들을 도출하고 이론의 범주로 대입하여 해석이 어떻게 확장되는지 분석하였다. 그 결과 수용미학은 작가와 독자 간의 상호 작용에 관심을 둔 문학 연구 이론이지만, 포스트모던의 영향을 받은 해체적 그래픽디자인에 대한 새로운 작품 분석 방법론으로써 이론적 토대를 마련, 작품 해석의 지평을 넓혔다. 또한 현대 그래픽디자인을 감상하는 능동적이고 창의적인 역할이 강조되는 독자에 대한 상호 콘텐츠 연구의 새로운 방향성을 제시하였다.

• 헤리티지:역사와 과학
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• 제43권3호
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• pp.122-143
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• 2010

2009년 5월에 경북 포항시 북구 흥해읍 중성리 도로개설 공사현장에서 발견된 중성리신라비는 부정형 암석의 한 면에 200여 개의 글자가 음각되어 있으며, 지금까지 알려진 신라시대 비석 중 가장 오래된 영일냉수리신라비보다 먼저 조성된 것으로 추정되고 있다. 중성리신라비의 구성암석은 흑운모가 다량 함유된 흑운모화강암이며 냉수리신라비는 장석과 각섬석이 반정을 가지고 있는 화강섬록반암으로 추정된다. 이 암석에서는 유색광물의 집합체인 포획암과 작고 불규칙한 공동이 관찰되며, 신광면 일대에 분포하는 흑운모화강암 및 기계면 일대에 분포하는 화강섬록반암과 유사한 암석으로 판단된다. 중성리신라비와 냉수리신라비에 나타나는 훼손현황은 변색에 의한 오염과 부분적으로 관찰되는 균열과 부재의 탈락이다. 이는 비의 안정성에는 특별한 영향은 없을 것으로 보이나 중성리신라비의 전면에 걸쳐 발생된 흑색 및 갈색 변색은 미관을 해치는 요인으로 작용하고 있다. 중성리신라비에서 관찰되는 흑색변색은 상대적으로 Mn과 Fe이 높은 농도를 보였으며, 갈색변색 부분은 Fe가 높게 측정되었다. 중성리신라비와 냉수리신라비의 초음파속도 분포 경향과 전체적인 풍화도를 비교 분석해보았을 때, 두 비 모두가 중간풍화단계(MW)에 해당되나 중성리신라비가 넓은 초음파 속도 분포를 보이며 평균적으로 다소 낮게 나타났다. 이는 최근 발견되기까지 아무런 보호시설 없이 매장 및 자연환경에 노출되어 있었기 때문으로 판단되며 향후 보존처리와 더불어 적절한 보존환경을 마련하는 등 관리가 필요할 것으로 사료된다.

• 동양고전연구
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• 제50호
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• pp.261-294
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• 2013

본고는 중국 고전문학 작품을 원텍스트로 한 중국과 한국의 시의도(詩意圖)를 통해 문학작품이 그림 속에서 어떤 방식으로 구현되었는지, 또 그 그림들이 원텍스트를 어떤 방식으로 해석하고 있는지 살펴보는 작업으로 문학을 통해 그림을, 그림을 통해 다시 문학작품을 읽는 하나의 실험이다. 굴원(屈原)의 "어부사(漁父辭)", 도연명(陶淵明)의 "귀거래사(歸去來辭)"와 "도화원기병시(桃花源記幷詩)", 두보(杜甫)의 "음중팔선가(飮中八仙歌)", 소식(蘇軾)의 "적벽부(赤壁賦)", 구양수(歐陽脩)의 "추성부(秋聲賦)"와 이들을 화제(畵題)로 삼은 중국 및 한국의 시의도(詩意圖)를 대상으로 하여 중국과 조선에서 공유했던 중국 문학 작품이 각기 어떤 식으로 수용되고 향유되었는지 그 양상을 고찰하고, 이를 바탕으로 한국 시의도(詩意圖)의 특징을 귀납하였다. 그 결과 아래와 같은 사실을 도출하였다. 첫째, 중국에서 역사적으로 형성된 각 시의도(詩意圖)의 전형적인 양식들이 조선의 회화에도 모두 보이는 점을 통해 조선시대 화가들은 중국의 회화양식을 적극적으로 수용하면서 국제적인 감각을 잃지 않았다. 둘째, 중국 시의도의 전통을 계승하면서도 시각화된 이미지와 전달하려는 중심주제는 다양하게 변화하는 모습을 볼 수 있었고, 이러한 다양한 시도를 통해 중국의 전통에서는 볼 수 없었던 미감이 전해지기도 하고 새로운 양식이 창조되기도 하였다. 셋째, 위와 같은 결과를 통해 같은 문학작품에 대한 중국과 한국의 수용과 해석의 차이를 알 수 있었다.

• 보존과학회지
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• 제23권
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• pp.25-37
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• 2008

이 연구에서는 전남 보성 거석리 및 해남 분토리 유적에서 출토된 녹니석제 구슬들을 대상으로 육안적, 광물학적 및 지구화학적 특성과 정량분석을 통해 옥기의 광물종을 규명하고 원광석의 산지를 해석하였다. 연구대상 옥기들은 회청색 환옥 3점, 암록색 관옥 1점 및 흑록색 관옥 1점이며, 공통적으로 세립질의 침주상 및 섬유상 결정으로 이루어져 있다. 이 옥기들은 재질이 부드럽고 강도가 약하며 주로 주상, 판상, 엽편상의 벽개를 갖는 녹니석으로 구성되어 있다. 주성분 원소는 $SiO_2$, $Al_2O_3$, MgO 및 FeO이며 미량의 $K_2O$, CaO 및 Na_2O$를 함유하고 있다. 정량분석 결과를 녹니석의 단종 분류도에 도시할 때, 회청색 옥기와 암록색 옥기는 클리노클로어로, 흑록색 옥기는 클리노클로어와 쉐리단티에의 경계에 속하는 녹니석으로 판명되었다. 녹니석은 재질이 비교적 무르고 부드러워 가공이 용이하고 미려한 색상과 진주광택을 가지고 있어 선사시대로부터 장식용 옥기로 매우 유용하게 이용되었을 것으로 추정된다. 녹니석의 채광대상 원광석은 충남 중서부 일대와 함경남도 이원 일대에서 생산된 것으로 알려져 있으나 지리적으로 거석리 및 분토리 유적과 상당히 먼 거리에 위치해 있다. 한편 녹니석은 열수광상의 모암변질대에서 흔히 생성되는 점토광물로서, 유적지 인근에 분포하는 소규모 열수광상에서 소량 채석되어 공급되었을 가능성이 높다. 이에 대하여는 향후 고고학적 해석과 검토를 통해 원료의 산지추정과 공급, 제작 및 수급과정에 대한 검증이 필요하다.

• 복식
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• 제59권5호
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• pp.115-134
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• 2009

This study is about Christian Dior's and Martin Margiela's fashion works that create 'New look' which leads the periodic ideology, philosophies, circumstances and the trend at that time. For the systematized interpretation, this study investigates the iconology of E. Panofsky, E. H. Gombrich and N. Goodman. Based on their theories, iconological analysis paradigm is made into four phases: I. Recognition of iconological form, II. Analysis of External Elements, III. Analysis of symbolic meanings and artistic will and IV. Aesthetic enjoyment and communication with a viewer. Christian Dior treats woman as a organic and architectural structure. He falls in love with himself such as narcissus and woman who wears his works. Dior's ego is visualized by woman and his works which are the symbol of narcissism and beauty. Martin Margiela makes form of clothes and at the same time destroys. Margiela deconstructs aura of clothes and tries to make it unfamiliar. Also he changes traditional idea of beauty and creates 'ugliness' which is a notion of dialectic. Margiela transforms elements of clothes which brings variation of thinking and makes it possible to create new look. Christian Dior and Martin Margiela are the creators of new look which visualizes the notion of habitus that is the space of self-exists. Fashion dose not have to be what people wears but it could be an image itself. It means that fashion is a part of ontology and it is a 'New look' which is based on economy, the standard of periodical beauty and ideal aspects. The creation of clothes is a work of embodiment of human being where it constructed or deconstructed.

• Architectural research
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• 제18권1호
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• pp.1-12
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• 2016

This thesis explores Vitruvius and his impact upon other Renaissance architects who compare a city to a building or a building to a city, who match the city and the building into a human body, and who develop their own works. The objective of this study is to furnish an interpretation of their theory and practice through their literature and designs. In this point of view, this article takes notice of Vitruvius's six concepts coined from venustas and divides them into two parts: i.e. aesthetic quality (ordinatio, dispositio, and distributio) and technical activity (eurythmia, symmetria, and $d{\acute{e}}cor$) each. This thesis indicates that Vitruvius's successive impacts from the concepts bring about concrete design principles through proportional measurements, placing together, and hierarchic values for the former, as well as appropriate use through beautiful look, symmetrical harmony, and appropriate uses for the latter, tracking notions between a city as a house and vice versa, and either the ideas of the house or the city in the synthesis of the human body, which follows the perfect number and module based on the human body. The thesis shows that the representations of architecture and the city take place with the form of a circle and a square that express the religious belief and the cosmos, substantiating the connection between the proportions of the human body and numbers, and ultimately satisfying a concept of centrality, which is slowly extended to the enclosed plaza at the urban level from chambers, atrium, and corridors at the residence level.

• 디자인학연구
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• 제13권3호
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• pp.271-280
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• 2000

복식은 조형적 구성의 측면에서 그시대의 예술양식을 수용, 표출한다. 최근에 이르러서는 복식과 예술분야가 통합적 조형양식으로 존재하면서 동시대적 사상이나 이슈를 반영할 뿐 아니라 여타 문화현상들과 상호의존적 또는 상호수정보완적 관계를 유지하고 있다. 따라서 일련의 전위적인 디자이너들에 의해 시도되고 있는 아방가르드적 현상으로서 해체주의적 현상을 밝힘은 그동안 논의되왔던 조형양식적 측면과 미학적 측면에서의 복식을 재조명하는 그 의의가 있다. 해체주의 패션은 모더니즘적 양식을 반박하여 형식이나 구성에 있어 전위가 몰형식과 비구조화의 형태를 띄고 있으며 그것은 외형적 구조로서만이 아니라 인식론이나 내재론적 측면에서도 이성적 주체관, 현전의 형이상학, 이분법적 사고의 붕괴 둥을 의미하는 것으로 현대패션이라는 커다란 흐름을 고유함으로써 상호보완적인 역할을 수행하고 있다. 즉 양식의 이종교배, 과거양식의 인식, 복합성과 모호성, 다양한 매체의 이용 등과 같은 패션 트랜드 속에서 재해석되고 변경, 수용되어 존재하고 있다고 할 수 있다.

• 조형예술학연구
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• 제6권
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• pp.5-32
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• 2004

Kim Hwan-ki's New York Period works consistently present, as the central signifier, a curvilinear paradigm which has been derived from his creative consciousness. The purpose of this study is to bring to light what exists behind curvilinear paradigms; a fusion of history and society with the artist's individual consciousness as a fused aspect of history and society. To make this aspect suitably understood, this study focuses on curvilinear signifier which are analyzed and considered objectively. The results of which are as follows: It is a representative example of transforming a curved line which is the modern quotation of traditional Korean art, most directly works done in porcelain. He takes the aesthetic consciousness of Korean art as the power of his works and takes aim at the collective consciousness of all races. Looking through the background of his times, his artistic subject was to find the ethic characteristics of our excellent tradition and highlight them in his art. To him, art is not about making the most of a skill but instead about allowing one's inner spirit sing it's own song. This thought is conveyed in curvilinear signifier of his works. Therefore this study has asserted that Kim Hwan-ki's curvilinear signifier in his New York Period works has strong ties to the cultural vein of Korean history and society at it's base as well as simply in his individual level. This assertion is not to set form in a superior position as a Formalist but to show form as having the will to deal with the significance of an artist's mode by interpreting the experience of the interpreter.

• 복식
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• 제66권3호
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• pp.51-74
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• 2016

The purpose of this research is to analyze the relationship between the inspirations and designs of Dries Van Noten's Men's collections from 1992 S/S to 2014 F/W. The specific questions of this research are as follows: what are the important design features of the Dries Van Noten's Mixed collections from 1985 S/S to 1991 F/W? What are 'the roots of inspiration' of Dries Van Noten's Men's collections from 1992 S/S to 2014 F/W, and what are the aesthetic criterions of Noten's works? How can the roots of inspiration be categorized and what are its features? How did these roots of inspiration influence the Noten's designs? The paper is a reference of how ideas turn to practical works, and what the relationship between inspiration and design. Researchers utilized a qualitative research method providing a systematic review of the previous studies by analyzing the content. To conclude, roots of inspiration of Dries Van Noten's Men's collections can be classified into nine categories: 'Interpretation', 'Ethnic', 'Multiple Contents', 'Subculture', 'Region', 'Artist', 'Fashion Item', 'Sports', and 'New Trend'. Through the roots of inspiration, sensibility of Belgium, England, Italy, French chic, inquiry of ethnic, artist, sports, the neuter gender image, 1950's, 1960's & 1970's trend & style of street fashion, elegance for men, romanticism, zoot, rock 'n' roll, teddy boy, mods, punk, new romantic and 19th century's Anglo-Saxon style are extracted and applied to the designs through cross impact. The identity of Dries Van Noten's Men's collections are cross culture contents and harmony of the old generation and new generation.

• 한국패션뷰티학회지
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• 제4권4호
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• pp.63-74
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• 2006

The purpose of the study was to investigate unique field of formative characteristics using copper wire, the present thesis aims at developing concept of hair art as a creative way, and recognizing the formative characteristics of copper wire as analyze and arrange the concept of hair art, formative, a way of practical application, material aspect, through literature, academic journals, photo data, and researched about prior piece, for example, architecture and costume with hair art, and then pieces of hair art were made. Influenced by the theory, applied the social phenomenon and the formative principles, produced the seven pieces which includes flying, composure, yahoo, harmony, balance, way, spring etc. The results of this research are outlined below. Firstly, It showed that the copper wire can express the mysterious and beautiful formative world, and it could know the possibility of design. Secondly, formative activity using copper wire can differ according to approach and interpretation, and it can be a works with aesthetic value. Thirdly, hair could be express the art of the three-dimensional forms which constitute the mixture of line, surface and space. Fourthly, the handicraft including beading, pleat, piping, rolling that used for works are proper to express the unique formative and the rich colors, and it can also express the transparency. So it showed that copper wire is a proper materials. So, hair art has enlarged the fields with development of technique, and changed to recognition of the hair art, and opened up a new field. Hair art will be positive fields to maximize the possibility, and not only the beauty artist but also the public will be communicate each other.