• International Journal of Advanced Culture Technology
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• 제9권1호
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• pp.58-63
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• 2021

This research aims to reconsider the necessity of an alternative way(s) for contemporary actor training and acting in discussing and articulating Diderot and Suzuki's concepts and approaches for acting/training. First of all, the physical body, assumed and conceptualized by Diderot is beyond our control by means of a type of radical body/mind dualism, and is based on the concept that body and mind are separate. In contrast, Suzuki's notion of acting/training is raised by his concern about the role of an actor's body in the constitution of an actor's bodily experience against the imitation of the West-oriented theatre/acting/training. The descriptions of the two theatre artists' notion of acting/training gives us insight into the place and role of contemporary theatre as a practical root to encounter and communicate between a doer and a spectator where an actor's body must appropriately be attuned and cultivated towards the cultivation of bodily attributes which are foundation but usually neglected by actors/directors/practitioners particularly in Korea. Especially, misunderstanding of a specific training sources/approaches, namely 'scientific system' and the 'method' have taken us away from the potential possibilities of the lived oneness. Here, the 'possibility' refers to the primary bodily functions within a specific context or being in the here and now rather than attempting to copying, imitating and/or adapting a specific cultural source(s)/approaches/techniques as we have faced with through the previous century. We reconsider and argue that a potential way to correspond the nature of theatre/acting/training is that how to meet the demand of contemporary spectators which in turn intensifies an actor's stability, sustainability and hopefully professional identity in this contemporary era.

• 한국콘텐츠학회논문지
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• 제21권12호
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• pp.842-854
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• 2021

코로나19의 출현 이후 국내외 공연계는 온라인 플랫폼을 활용해 다양한 예술적 실험을 시도하고 있다. 이에 본 연구는 연극 공연을 위한 창작 도구로 활용된 줌(Zoom)의 기능적 특성에 주목하였다. 우선 줌을 활용한 국내외 연극 공연 사례와 그 특징들을 살펴본 후, 줌 연극 <프로젝트, 홍도 Project, Hong-Do>의 제작 단계를 리서치 중심의 프리-프로덕션(Pre-production)단계, 대본을 바탕으로 각 장면을 구성하는 장면 워크숍(Scene Workshop)단계, 장면별 실시간 녹화를 진행하는 레코딩(Recording) 단계와 공연을 상영하기 위한 스트리밍(Streaming) 단계로 구분하여 살펴봄으로써 줌을 통해 창작한 연극의 특성을 고찰할수 있었다. 또한 이러한 제작 과정에서 나타난 배우의 연기 접근 방법을 시선의 분리, 공간의 재인식, 표현적 제스처의 활용, 능동적 행동으로서의 리액션(Reaction)으로 상정하여 살펴보았다. 그 결과 줌을 활용한 연극 작업의 지속적인 발전 가능성과 이에 따른 배우의 연기 접근 방법을 제안할 수 있었다.

• 한국엔터테인먼트산업학회논문지
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• 제14권8호
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• pp.117-130
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• 2020

『황금용』(The Golden Dragon)은 아시아계 노동자들의 낯선 도시 베를린에서의 생존에 관한 이야기를 통해 세계화의 비극적 허상에 대해 다시 생각해보게 하는 작품이다. 이 작품의 포스트 서사극적 특성은 관객에게 이전과 다른 새로운 방식으로 관극할 것을 요구한다. 하지만 국내에서는 포스트 서사극적 특성과 포스트 서사극의 개념에 관한 이론적 연구는 진행되었으나 구체적인 연기적 접근 방법 연구는 거의 전무하다. 따라서 본 연구자는 연기적 접근 방법을 제시하기 위하여 먼저 『황금용』의 포스트 서사극적 특성을 분석하였다. 그 결과 포스트 서사극에서는 사실주의 연극과는 다른 일인다역을 실행하기 위한 신체중심의 연기 접근법이 요구됨을 확인하였다. 따라서 루돌프 본 라반(Rudolf von Laban)의 라반 움직임 분석(Laban Movement Analysis)을 적용하여, 몸의 활용을 통해 자연스럽게 내적 충동이 유발될 수 있도록 실행하였다. 특히 라반의 움직임의 네 가지 카테고리(BESS) 중 에포트를 통해 포스트 서사극을 연기하기 위한 신체 중심의 연기적 접근 방법을 고찰하고자 한다. 최종적으로 실제 프로덕션 과정을 통해 라반의 움직임 이론이 포스트 서사극의 역할 창조를 위한 신체 중심의 연기적 접근 방법으로 활용될 수 있음을 확인하였다.

• 한국콘크리트학회:학술대회논문집
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• 한국콘크리트학회 2001년도 봄 학술발표회 논문집
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• pp.821-826
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• 2001

This paper presents four types of strut-tie model design approaches of structural concrete through the anchorage zone design of a post-tensioned concrete I-beam. The differences and distinctive feature of each approach in terms of structural type of selected strut-tie model, external force acting on strut-tie model, effective strength of concrete strut, and strut-tie model design procedure are analyzed and compared. The outcomes of present study enable structural designers to understand the merits and demerits of each strut-tie model design approach, and thus to conduct reasonable and accurate design of structural concrete.

• 한국해양공학회지
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• 제15권4호
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• pp.20-27
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• 2001

Recently numerical approaches for wave loads acting on the vertical caisson of breakwater, and resulting wave reflection and transmission coefficients have been performed. Although the numerical studies by Sulisz's(1997) and Kim et al.(2000) are suggested representatively, theoretical formulation for nonlinear wave pressure is not developed yet. And experimental results of Sulisz(1997) revealed that nonlinear uplift pressure on the caisson may be produced largely on the case of caisson founded on the high rubble mound. From the results of this study, the nonlinear theory for the uplift wave pressure acting on the caisson by applying boundary integral method of Green theorem is formulated, and also the characteristics of nonlinear uplift pressure and run-up height on the caisson are evaluated numerically, according to the variations of hydraulic properties of the rubble mound.

• 한국엔터테인먼트산업학회논문지
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• 제13권3호
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• pp.131-138
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• 2019

국내에서는 영화연기를 의미하는 용어로 메소드연기, 아메리칸액팅메소드 또는 할리우드메소드 등이 혼재되어 사용되고 있다. 일반적으로, 스타니슬랍스키의 연기체계를 미국식으로 수용한 리 스트라스버그의 액터스스튜디오 출신 배우들의 연기를 할리우드메소드로 통칭한다. 국내의 영화배우들이 일컫는 메소드가 무엇인가에 대한 의문에서 이 글은 시작한다. 가정은 할리우드 배우들이 사용하는 메소드를 인용한다는 것이다. 국내의 메소드 수용은 이전의 신파연기에서 벗어나 체계적이고 자연스러운 것처럼 보이는 할리우드메소드가 배우, 연출, 비평, 교육의 영역에 채택되기 시작한 것이다. 국내의 할리우드메소드에 관한 인식을 고찰한 이 글은 한국영화연기의 정체성 탐색을 위한 일환이며, 실제로는 교육과 현장에서 메소드란 용어의 의미를 정확히 이해하고 사용하려는 의도이다. 이 글은 네영역의 관점에서 접근하였다. 첫째, 할리우드메소드에 관한 한국영화배우들의 인식 양상이며, 둘째, 연출스태프 및 기술미학의 관점에서 바라본 할리우드메소드에 관한 인식 태도이며, 셋째, 비평 영역의 연기에 대한 평가 형태이며, 넷째, 대학 전공영역에서 인식되고 수행되고 있는 할리우드메소드에 관한 교육방법이다.

• 한국콘텐츠학회논문지
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• 제10권2호
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• pp.224-230
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• 2010

오늘날의 연기접근 방식은 스타니슬라브스키의 초기이론에서 크게 벗어나지 못하고 있다. 그러나 배우의 내면세계를 강조하는 이러한 접근방법은 배우를 종종 힘들게 하고 좌절시킨다. 스타니슬라브스키는 배우의 고통을 지켜보면서 '배우가 연기에 좀 더 쉽게 접근하는 방법은 없을까?'를 평생 연구한다. 그리고 마침내 말년에 이르러 행동을 통해 정서에 접근하는 이른바 '신체적 행동'의 방법론을 창안하게 된다. 정서는 마음대로 다룰 수 없는 것이지만, 행동은 누구나 다룰 수 있는 성질의 것이어서, 스타니슬라브스키의 '신체적 행동'은 배우가 어려워하는 부분을 획기적으로 개선시킨 방법론이라고 할 수 있다. 그러나 너무 뒤늦게 서방세계에 알려져 크게 활용되지는 못한다. 본 연구는 근래에 다시 각광받기 시작한 스타니슬라브스키의 '신체적 행동'을 연구 참여자들과 함께 직접 경험해 보고, 그들의 의견과 연구자의 관찰을 통하여 연기접근 방법론으로서 '신체적 행동'의 효용성을 살펴보았다. 그 결과, 기존의 접근방식을 보완할 수 있는 방법론으로서 충분한 가치가 있으며, 연기의 본질적인 면에서도 여러 긍정적인 효과가 있음을 확인하였다.

• International Journal of Advanced Culture Technology
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• 제11권3호
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• pp.99-105
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• 2023

This thesis discusses a performer's unpredictability and immediacy as a prerequisite quality and/or ability to facilitate his/her professional identity as a doer on stage. To examine the key principles and approaches, this research focuses on addressing a specific aspect of the performer's transformative experience from those, directors, and practitioners' concepts that inform and enhance the performer's passive readiness on stage. To be precise, this research attempt to interrogate and articulate the place and role of a performer's internal readiness and/or that of inner looking. The performer's inner intensity as seed of action signifies that his/her body is being in a state of listening to every tiny moment with his/her heightened awareness which in turn lead the performer's body to meet the demands of theatre, the whole-body engagement. Here, this thesis argues that the key principles of acting/training underlies the importance of a performer's ethical attitude and at the same time his/her responsibility for what the performer's choices and experiences within the performative involvement, that is, a process of preparation, are not technical matter but rather, the concepts, and/or approaches from those theatre artists' practical assumptions highlight a process of thorough encountering and/or listening to his/her body. Inhabiting and/or obtaining the principles through the performer's body means being free from his/her unnecessary trait(s) which in turn initiate and then move the whole body according to what is happening in the series of moment(s) on stage. What is more, such an appropriate psychophysical order reminds us of the significance of the nature of human/performer's body, namely, to being in a state of one's 'own' body as oneness. From this perspective, this thesis further argues that the performer's body necessarily need to be affected and/or triggered in a sense of responding to the given circumstance where the performer is working on in the here and now.

• 한국엔터테인먼트산업학회논문지
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• 제14권3호
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• pp.277-284
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• 2020

본 논문의 목적은 공연자로서 배우의 몸을 통해 발현되는 '자발성'의 원리를 살펴보고 그 적용 가능성을 고찰하는 것이다. 이를 위해 동시대 배우들이 인물을 창조하기 위한 접근 및 훈련과정에서 흔히 직면하게 되는 문제점을 비판적인 관점에서 논의하고 그 대안으로 배우의 행동과 텍스트가 추구하는 본질적 기능과의 상호보완적 관계를 규명함으로써 연기예술의 토대를 이루는 핵심 원리를 재고하고자 한다. 본 연구에서 중점적으로 논의하는 자포라를 비롯한 마셜, 브루엘, 존스톤, 보알 등의 연기지도자들은 자발적 반응으로써 행동 과정의 중요성을 강조한다. 이들의 공통된 관점을 종합할 때 변화를 추구하고 이를 달성하고자하는 텍스트의 본질적 기능은 역설적으로 배우가 무대 위에서 필수적으로 수행해야 할 임무와 면밀하게 닿아있는 것이며, 이는 곧 예술가로서 배우 스스로가 선택하고 결정한 표현에 대한 책임과도 직결된 것이다. 본 논문은 이러한 과정을 바탕으로 분석과 행동의 상호보완적 관계 속에서 배우의 몸이 자발적 상태에 이르기 위한 접근 방법을 보알의 관점을 중심으로 살펴보고 그 실효성을 제언하고자 한다.

• 소음진동
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• 제11권3호
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• pp.428-436
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• 2001

The rotating inner cylinder executes a periodic translational motion in concentric annulus while the outer one is stationary. In the study of flow-induced vibrations and relaxed instabilities, it is of interest to evaluate the fluid-dynamic forces acting on the rotating inner cylinder. In the present work, the governing equations for the confined flow are expressed as Navier-Stokes equations, including the steady and unsteady terms. The fluid parameters for steady flow generated by the rotating cylinder are determined analytically while the unsteady ones by the oscillatory motion are evaluates by a numerical method based on the spectral collocation method. In order to validate the numerical approach, the numerical results are compared wish the analytical ones given by existing theories, for simple cases where the both approaches are applicable. Good agreement was found between the results. It is found the effects of the Reynolds number, defined by rotating velocity, on the fluid-dynamic forces are important for the case of relatively low oscillatory Reynolds number, defined by oscillatory frequency : j.e., in case of $Re_\omega\gg Re_S$.