Sanjo has a quintessential value not only because of its musical depth but also because of its style of music that best expresses Korean sentiment. However, new values are being established from different viewpoints as time passes so Sanjo's values need a modification in order to encompass a contemporary value that is required and accepted by modern society. In this context, while focusing on communication with the public, I contemplated the developmental direction of Sanjo in five perspectives; The Social realization of value, The Experimental and social transformation, The Social diffusion of creation, The Leap of fusion and harmony and finally The Socialization of contents. In the perspective of 'social realization of value', Sanjo refers to creative activity as a new 'duneum' which allows traditional and creative activity to deviate freely while still being under the Sanjo guideline. Either way, it has a periodical value because new forms with new rhythms are the only ways to communicate with the modern public. When these values can be understood by modern society can Sanjo be revived and be acknowledged as an infinite value. Secondly as an experiment and social transformation, there is a transformation of musical instruments in the 21th century. Our musical instruments should be transformed to effectively perform our music rather than to perform Western music. Third, social diffusion of creation should be the 'new Sanjo festival in 21th century' which can facilitate the communication with the public. Fourth, regarding leap of fusion and harmony, I suggest a performing culture consisting of 'Storytelling Sanjo' and 'Media Art' which will ceaselessly evolve Sanjo performance as a medium to communicate with the public. Finally, in regards to the socialization of contents, I emphasize that Sanjo should have contents of mass media as a way of means to help utilize mass media.
Focusing on the Gwangheemun that have a history of spatial specificity. Gwangheemun increase the value of space in the surrounding area, focused to derive a plan that can be activated. Research method was to analyze the characteristics and advantages and disadvantages of the surrounding space and the associated cultural content through SWOT analysis around the base of Gwangheemun. After considering the potential of the current location of physical characteristics and spatial resources, the possibility Gwangheemun development were mainly fashion and art content for the Space Vitalization in the surrounding area. Fashion and art space of Gwangheemun activated based on the possibility of Gwangheemun cultural meaning and value in the history of the past and the present time presented the main directions and strategic approach. The results of this research suggested Fashion art Hotel in applying urban regeneration methodologies, Cheongguro-16 plan for content development, arts and culture fashion street planning. Through this research, we want to establish the strategic control strategy between the policy decision making structures for the successful development of the fashion arts content.
This study will research the possibility about the extension from aesthetic artwork of information visualization to performance area. In information visualization fields, the function of transmitting information is important factor. In addition, the relationship with the audience concerning immersion and interactivity is also significant. Therefore, if an artwork in information visualization can extend to a performance, this study proposes that it is necessary to consider what elements are needed to intensify sensorium for the audience in that artwork. In order to solve that question, this study introduces and analyzes the installation artworks by Ben Rubin and Mark hansen in 2001. From this case study, we suggest three elements-the performing self, the performing interface and the dramatic pattern-to amplify sensorium by hypermediacy for the audience. This research would contribute to the understanding aesthetic artworks based on information visualization in terms of performing arts.
This study is on the consideration of the scope of application of art therapy and fractal through the review of literature at home and abroad. The complex system is the opposite of the Euclidean system, a concept suitable for understanding the contemporaries with ambiguous boundaries and decentralized phenomena. The self-similarity and inventiveness of fractal, the geometry of nature, is used as fractal art in art as well as tree trunk, cloud and plant, especially in art therapy, fractal is considered to be available in the field of mandala and neuroscience. From brain-based research to mandala, exposure to natural patterns, clinical diagnosis through fractal analysis and software development, fractal has potential elements that can be developed in art therapy. Fractal, which is easy to link with computers due to its nature, is a necessary study at this point when non-face-to-face contact with the Corona virus is recommended. Currently, research on fractal art therapy is insufficient in Korea. Therefore, this research is intended to present as a basis for scientific and objective diagnostic tools and treatment at clinical sites using art therapy using fractal.
Role of music in an image can be divided into a supplementary function to express narrative of image and an independent function to become the subject of music and to lead the image. To perceive sound through hearing and then, to make it visualized is called visual music. Since the 19th century, image synchronization of music through colored hearing has been continuously attempted by artists in their works. Also in the 20th century, many artists could attempt time-wise concept of movement passing the bounds of three-dimensional expression due to development of cinema. In such a process, artists with strong experimental spirits inferred correlation between sound and image and then, pioneered new genre of visual music. As a result, the times are being changed from those of listening to those of watching, and various works are being produced by experimental attempt of various music and images. This thesis aims to investigate aesthetic characteristics of modern visual music and then, to conduct comparative analysis on how visual music using colors are utilized in diversified fields such as movie, animation, music video and media art.
This study is considered how retro design concepts that are used pop art can be expressed through overview of theories and cases, and suggested applying to retro design. As a result, we found first, concepts reflecting popular image, second, popular hero concepts simply represented pop art's feature. Third, there were no cases that are expressing the wounds made by political life. The most of cases expressed retro design with pop art representation techniques rather than reflecting of pop art's ideology or spirit. Pop art's retro design should be expressed as a modern style not only with reproduction of pop art, but also with designer's creativity and pop art's ideology and reinterpretation of formative meaning. Thus, it needs to set a concept by exploring of modern globalized mass media or daily life of people. Also, it should applying people's entertainment, spare time and fantasy to bright cheerful mood of pop art to express each area of design.
Digital signage takes the role of promotion, providing information, art and game as it is installed in various forms everywhere such as the road, subway and indoor space we pass through. The related researches also focus on the technology of realizing digital signage, current industrial state and prospect in most cases. On the contrary, the researches on the spaciality of digital signage is a kind of insufficient, this study was carried out based on the judgment that there is necessity of researching it in respect that the recognition of space by the people in there is different before and after digital signage is located in such space. First, in order to understand digital signage, its concept, type and kind were investigated, general theories about the spaciality were considered after that, the spaciality of digital signage was grasped by 5 factors such as hybridity, vitality, mobility, flexibility, and contingency and their characteristics were offered in this study. In its conclusion, it was appealed that the change of spatial recognition along media and continuous research are required as digital signage is the transactive space.
As media become diversified, animation fields are being expanded. Various types of animations which were not seen in the past have appeared and the fields which did not have a suffix of "animation" now use the words of animation like motion graphic-animation or interactive-animation. This thesis is a comparative analysis study of U.S. animation education. This study collected and reviewed respective curricula of total 5 universities such as Academy of Art University, California Art of Institute), Ringling College of Art and Design, Rhode Island School of Design, and School of Visual Arts which have led U.S. animation education since animation education was first introduced in 1961. Based on the result drawn from the analysis on the classification of animation curricula into a required subject, an elective subject, liberal arts, a theory subject and a practical subject, it intends to consider improvements of Korean animation curriculum.
Proceedings of the Korea Contents Association Conference
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2005.11a
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pp.153-160
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2005
It is within bounds to say that the mood expressed in the Scenes of 3D Animation influences by mostly setting up of 3D CG lighting. Tn the context of CG, lighting is the process of illuminating digital scenes in an artistic and technical manner so the audience can perceive what the director intends to display on the screen with the appropriate clarity and mood. The lighting has the role of making the scenes beautiful and harmonious as an aesthetics of light and color created and controlled by people. It can be also stylized in symbolic and metaphorical methods environmental mood which we pursue to expose and story which we want to express. It thus appears that the concept of lighting style is intimately related to the particular context and art direction of animation film. But unfortunately, there are no foolproof formulas to the process of lighting a scene. In short, the lighting contributes to define the style of the scene as a conditional lighting setups' elements including position, color, intensity, shadow's area and scope. But at the same time, we must not overlook the artistic aspects that the lighting might suggest over all moods the animation genre and the style of scene like tranquility, suspense, and high-drama.
Since the first episode of (1995) by Pixar, a world leading animation company, 3D animation has been focused on realistic motion and rendering techniques. However, in 2018, 3D animation was released, with unique backgrounds created through illustration techniques and dynamic movements of characters that seemed to be produced by hand rather than computers. It shows a lot of difference from other 3D animations. In this study, I analyzed 's new production techniques and expressions into two categories, first, the use of old comics techniques, and second, other factors that made the animation stand out. in 3D animation market focused on realistic motion and rendering techniques can have positive implications in terms of expanding animation diversity. This study is expected to be used as academic or research data for researchers studying new production techniques in related fields.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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