• Title/Summary/Keyword: 건축적 패션디자인

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A Study of the Architectural Characteristics Depicted on Andre Courrs Fashion Design (앙드레 꾸레쥬의 패션 디자인에 나타난 건축양식 특성연구)

  • Kyoung-Hee Cho
    • Journal of the Korean Society of Costume
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    • v.23
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    • pp.25-43
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    • 1994
  • 앙드레 꾸레쥬는 자신의 디자인에 건축적 조형미를 표현한 대표적인 디자이너이다. 그의 디자인들은 라인 뿐 아니라 색채, 소재, 액세서리에 이르기까지 건물을 짓듯이 설계, 구성되어 있다. 최근 복식미의 건축적 조형성이 강조되고 있는 것을 감안할 때, 60년대 이미 선구자적인 역할을 하면서 자신의 건축가적인 기호를 유감없이 발휘해온 꾸레쥬를 연구한다는 것은 21세기를 향한 패션의 발전 측면에서 조금이라도 의미가 있지 않을까 생각한다. 본 연구에서는 앙드레 꾸fp쥬가 가장 활발히 활동했던 1974년에서 1970년까지 그의 디자인들을 집중 연구하였는데, 그의 패션디자인에 건축양식의 특징들이 어떻게 나타났는지에 연구의 초점을 맞추었다. 본 연구의 대상으로 사용된 실제의 옷 샘플들은 뉴욕 메트로폴리탄 예술박물관내의 Costume Institute Storage 에 있는 의복과 액세서리들을 직접, 관찰 , 분석한것이고 그 박의 사진들은 패션과 건축에 관한 서적과 잡지, 박물관내의 Slide Library , 그리고 Costume Institute Library Collection에서 발췌 , 비교 연구한 것이다. 일찍이 엔지니어링과 건축을 공부했던 앙드레 꾸레쥬는 50년대의 패션 디자이너의 거장 발렌시아가 밑에서 10년 넘게 일하다가 독립하였는데 그의 디자인 세계는 줄곧 여성들이 입고 편히 활동 할 수 있는 기능성을 강조하면서 단순하고 편안한 의복 구성에 중점을 두었다. 그리고 그는 이러한 자신의 패션 철학과 의복제작 과정들은 현대건물이 갖는 단순성, 기능성의 특징과 일치한다고 믿었다. A. 라인(Line) 앙드레 꾸레쥬는 패션 디자인에서의 비레는 건축에서구조를 쌓아가는 것과 같은 것이라고 생각하고 옷에서의 기본 구성을 기하학적인 라인에 두었다. 그래서 그의 옷들은 A-라인, 사각형, 사다리꼴,,, 등의 분명한 실루엣을 이루고 있는데 이러한 기본라인을 뒷받침이라도 하듯 소매가 아주 짧거나 없는 것이 특징이다. 황금분할이 아닌 1 : 1 구성은 그가 독특하게 사용한 비례방법의 하나인데 그것은 자켓과 스커트의 길이비례, 요크와 몸판간의 면적비례 등에서 잘 나타나고 있다. 그리고 그는 , 의복구성의 비례를 강조하기 위해 사용한 강한 색상의 대비를 현대건물의 인테리어에 빛을 사용하는 것과 같은 이치라고 설명한다. B.색상(Color) 흰색은 그러한 그의 비례강조 의복에 가장 적절한 색으로 사용되었다. 그는 빨강, 오렌지, 녹색, 분홍등 강렬한 원색을 사용하였는데도 불구하고 흰색은 그의 건축양식 발상의 Ideo를 완성시키는 완전한 색이었다. 뜨거운 날씨에 흰색이 가장 기능적인 색인 것처럼 강한 원색 대비를 통해 비례강조를 하면서 동시에 그것을 뒷받침하는 가장 합리적이고 기능적인 색은 흰색이라고 믿었다. C. 소재 (Material) 앙드레 꾸레쥬는 건물을 짓듯이 사람위에 옷을 건축한다고 믿었기 때문에 자연히 둔탁하고 딱딱한 소재가 많이 사용되었다. 비닐, 금속류, 시퀸스처럼 광택나고 투명한 재료 선호는 그 당시 현대 건축에서 선풍적으로 많이 사용되었던 유리, 금속류, 크리스탈 등 비치고 광택나는 건축재료와 일맥상통하는 것이다. 그러한 선국적인 내료 사용결과로 보여진 괴상하고 선정적인 그러면서도 아주 단순한 패션은 미래 지향적인 건축양식 구조의 " Simple", "Plain" 느낌과 정확하게 같은 것이다. 이상과 같이 앙드레 꾸레쥬는 옷을 디자인 했다기 보다는 건축했다. 주목할만한 점은 60년대 말 당시 발표되었던 그의 건축 구조적인 디자인의 특징들이 21세기를 앞둔 90년대에 다시 크게 유행하고있다는 점이다. 꾸레쥬 역시, 최근 자신의 디자인을 통해 건축적 조형미와 미래지향적 이미지를 더욱 강조하고 있는 것을 볼 수있다. 단순하면서 우주공간을 선회하는 듯한 입체적인 라인, 흰색을 비롯한 자연에 가까운 색을 중심으로 하되, 밝은 색조의 하이라이트, 플라스틱, 금속류와 같이 딱딱하고 광택나며 비치는 재료 사용,, 등등이 바로 그것이다. 그리고 이러한 그에 미래 지향적이고 조형적인 디자인들은 앞으로 어떻게 더 모험적인 모습으로 선보일지 우리 모두가 주목할만한 일인 것이다.

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Tectonic Strategies in Architectonic Fashion Design (건축적 패션 디자인의 구조적 전략)

  • Yim, Eunhyuk
    • Journal of Fashion Business
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    • v.18 no.1
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    • pp.164-181
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    • 2014
  • As the boundary between fashion and architecture is getting blurred, the interactions of the two fields are turning out abundant as well as essential. This study investigates the tectonic strategies in architectural fashion design as a novel aesthetic in the 21st century by combining literary survey and case analysis on architecture and contemporary fashion. The tectonic strategies in the works of architectural fashion designers were categorized as follows: organic geometry, technological garment construction, and independent space. Organic geometry transforms basic geometric shapes into subtle organic forms after being thrown on the body. Technological garment construction explores the garment structure and volume by applying the structural principle of suspension and fractal geometry. Independent space refers to maintaining the firm three-dimensionality of garment structure which keeps the distance from the body, assuming the similarity to architecture.

Good Design in 2013 (2013년 우수디자인(GD))

  • (사)한국포장협회
    • The monthly packaging world
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    • s.246
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    • pp.44-57
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    • 2013
  • 우수디자인이라 불리는 굿디자인(GOOD DESIGN)은 산업디자인진흥법에 의거하여 상품의 외관, 기능, 재료, 경제성 등을 종합적으로 심사하여 디자인의 우수성이 인정된 상품에 마크를 부여하는 제도로 1985년부터 매년 시행하고 있다. GD마크 선정제란 우수한 디자인 상품을 선정, 장려함으로써 환경친화적 디자인개발을 유도하고 지속 가능한 녹색성장에 기여하고 상품의 디자인개발을 촉진하고 독창적이고 우수한 상품디자인을 개발, 상품의 경쟁력 강화를 통한 수출증대와 국민경제 발전에 기여하는데 목적이 있다. 또한 상품의 디자인 수준향상으로 국민의 다양한 욕구충족 및 국민생활의 질적 수준을 높이고 디자인에 대한 일반인의 인식 및 관심을 고취시킴으로써 산업디자인 발전을 촉진하는데 주력하고 있다. 굿디자인은 제품디자인, 환경디자인, 소재표면처리디자인, 패션디자인, 포장디자인, 커뮤니케이션디자인, 건축디자인, 패션디자인 부문으로 나누어 선정된다. 본 고에서는 2013년도 우수디자인(GD) 가운데 포장디자인 부문을 살펴보도록 한다.

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Good Design 2015 (지상전시 - 2015 우수디자인(GD)상품)

  • (사)한국포장협회
    • The monthly packaging world
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    • s.273
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    • pp.101-109
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    • 2016
  • 굿디자인(GOOD DESINE)이란 산업통상자원부가 주최하고 한국디자인진흥원의 주관 아래, 산업디자인진흥법에 의거하여 상품의 외관, 기능, 재료, 경제성 등을 종합적으로 심사하여 디자인의 우수성이 인정된 상품에 GOOD DESINE 마크를 부여하는 제도로 1985년부터 매년 시행해 오고 있다. GD마크 선정제란 우수한 디자인 상품개발을 장려하여 국가 경쟁력을 확보하고 국민 삶의 질 향상에 기여하는 것을 목표로 하고 있으며, 나아가 유니버설디자인, 서비스디자인, 전통시장, 산업단지 디자인을 고도화(우수디자인 선정, 장려 등)함으로써 사회적 문제해결과 지속가능한 창조경제를 실현하는데 그 의의가 있다. 선정 대상 품목으로는 제품디자인, 환경디자인, 소재표면처리디자인, 패션디자인, 포장디자인, 커뮤니케이션디자인, 건축디자인 패션디자인으로 대통령상 1점을 비롯해 국무총리상, 대상, 최우수상 등을 시상하고 있다. 굿디자인 상품은 향후 조달청이 시행하는 우수제품선정 및 물품구매 적격심사 시 우대되며, 중소기업청이 시행하는 수출유망중소기업지정 및 수출기업화 사업평가시 우대받을 수 있다. 마크사용에 있어 호주 디자인상(AIDA)과의 상호인증으로 마크 부착이 가능하다. 본 고에서는 2015년 우수디자인(GD)으로 선정된 제품 가운데 생활 포장 및 산업포장 부문 수상작들과 일부 선정된 제품들을 살펴본다.

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특집 - 산업디자인 발전 및 경쟁력을 위한 우수디자인

  • (사)한국포장협회
    • The monthly packaging world
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    • s.215
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    • pp.55-69
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    • 2011
  • 우수디자인(GOOD DESIGN)은 산업디자인진흥법에 의거, 상품의 외관, 기능, 재료, 경제성 등을 종합적으로 심사해 디자인의 우수성이 인정된 상품에 GOOD DESIGN 마크를 부여하는 제도로 지난 1985년부터 시행하고 있다. 지식경제부가 주최하고 한국디자인진흥원이 주관하는 굿 디자인은 우수한 디자인상품을 선정 장려함으로써 상품의 디자인개발을 촉진하고 독창적이고 우수한 상품디자인을 개발하여 상품의 경쟁력 강화를 통한 수출증대와 국민경제 발전에 기여해 나가고 있다. 우수디자인(GOOD DESIGN)은 제품디자인, 포장디자인, 환경디자인, 커뮤니케이션디자인, 소재표면처리디자인, 건축디자인 패션디자인, 패션디자인 등의 부문으로 나뉘어 선정, 시상하고 있다. 포장디자인의 경우 우리 생활에 사용 및 유통되는 모든 포장상품으로 환경보호 측면과 폐기물 처리과정, 재활용성 등을 고려한 포장의 기능과 디자인이 우수한 상품을 중심으로 선정하고 있으며, 제과류, 화장품류, 의약품류, 주류, 음료, 농 축 수산물, 가전제품류, 생활용품류, 잡화 등 기타 유통 중인 상품을 대상으로 시상하고 있다. 매년 대통령상 1점을 포함해 국무총리상 2점, 대상(지식경제부장관상) 6점, 최우수상(조당청장상) 15점, 우수상(한국디자인진흥원장상) 25점이 선정되며, 특별상으로 국민참여 선정 굿디자인 상품에 대한 시상식도 있다. 또한 대통령상, 국무총리상, 지식경제부장관상을 수상한 상품의 주 디자이너 및 디자인팀을 대상으로 우수디자이너상도 시상하고 있다. 본 고에서는 지난 해 2010 우수디자인(GD)상품 455점 가운데 포장디자인 부분 수상작들을 살펴보도록 한다.

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Carlo Mollino surrealistic design method (카를로 몰리노의 초현실적 공간구성 방식에 대한 연구)

  • Marco, Bruno
    • Korean Institute of Interior Design Journal
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    • v.19 no.2
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    • pp.54-65
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    • 2010
  • 이 연구의 목적은 카를로 몰리노(1905~1973)의 복합적인 특징을 그의 초현실적 공간구성 방식을 특별히 고려하여 분석하는 것에 있다. 몰리노는 가장 독창적인 현대 이탈리아 건축가들 중 한 명이다. 그는 생애동안 그의 작품들은 비평가들에게는 인정을 받지 못했다. 그의 반 순응적인 성격과 극심한 개인주의도 일조를 하였지만 가장 큰 이유는 그의 작품들이 그의 전문적인 활동과 다양한 개인적인 관심사 사이에서의 강박적인 상호작용에 기반을 두었기 때문이다. 그의 독창성은 그의 능력에 있는 것으로, 항공학, 자동차, 스키, 무대 디자인, 패션, 예로티즘, 문학 그리고 그 외 수많은 다양한 분야에서 얻었던 지식을 디자인하고 건축으로 변형하려는 그의 초현실주의 배경에서부터 나온다. 개인적인 집착으로 그의 작품을 키워가면서 몰리노는 당시 현대 건축의 모든 관습들을 깨고 전문적인 능숙함과 독특한 예술적 시야 사이에 걸려있는 독특한 디자인 표현을 보여주었다. 이 연구는 몰리노의 독특한 공간 구성 방식을 벗겨내기 위해 그의 배경, 즉 그가 열정적으로 탐구했던 연구 분야들과 전문적인 생산물 사이의 연결고리를 분석한다.

투명성을 응용한 복식디자인 연구 -아트플라워 기법을 응용하여-

  • 이연희;김영인
    • Proceedings of the Costume Culture Conference
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    • 2004.04a
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    • pp.72-74
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    • 2004
  • 현대 디자인 분야에는 건축이나 제품, 의복 등에까지 투명성이 디자인의 매우 중요한 요소로 활용되고 있다. 아름다우면서도 기능성과 견고함을 지닌 투명한 재료들이 과학기술의 발달에 힘입어 속속 개발되고 있으며, 또한 투명성 디자인은 현대 디자인의 트랜드인 즐거움과 유희 등을 표현하는 감성 트랜드와 잘 부합되기 때문이다. 본 연구는 이러한 시대의 흐름에 발맞추어 사용자들에게 재미와 즐거움의 가치를 감각적인 부분과 통합할 수 있는 디자인 개발에 목적을 두고, 20세기 후반부터 트랜드의 커다란 부분을 차지하고 있는 투명성을 좀 더 재미있고 여성스러운 감성을 자극할 수 있는 새로운 재해석의 방향을 찾아 패션 디자인을 제안하고자 한다. (중략)

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Analysis of Art Makeup Design Applying Formative Principles based on lntegrated Art (통합예술을 토대로 조형원리를 적용한 아트메이크업 디자인 분석)

  • Na hyun An
    • The Journal of the Convergence on Culture Technology
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    • v.10 no.3
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    • pp.901-907
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    • 2024
  • The desire to be beautiful naturally focuses on aesthetics, and the beauty industry is growing significantly accordingly. Among them, art makeup is developing in the beauty field as a creative and experimental art field that breaks away from the fixed framework centered on color and expression. Art makeup is a field that requires research on a new artistic form of art makeup that applies formative principles through design ideas based on integrated arts such as fashion, architecture, and art according to formative principles. Formative principles were classified into balance, unity, emphasis, and rhythm, and practical cases based on his applied integrated arts were divided into landscaping, architecture, flowers, painting, fashion, and interior design, and art makeup design using formative principles was analyzed. Accordingly, we aim to contribute to the development of new designs by explaining how makeup design forms that apply formative principles are being applied in the field of art makeup, exploring expansion into creative areas, and providing academic theoretical foundations and basic materials for the development of art makeup.

Structural Simplicity Examined from a Perspective of the Comparison of Architecture and Fashion (건축과 패션의 비교를 통해 고찰한 구조적 단순성)

  • Park, Seon-Ji
    • Journal of the Korea Fashion and Costume Design Association
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    • v.17 no.1
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    • pp.1-11
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    • 2015
  • Fashion and architecture essentially have structure to build space for a form of three dimensions. This study defines the form in which structure in itself becomes design as structural simplicity and investigates design paying attention to only structure. It is one of efforts in order to display new design required in the age of a flood of design and it is considered that before developing design through the fusion of architecture and fashion, understanding structure which is the most fundamental element to constitute the form of the two genres will be a groundwork to develop proper fusion design. This study elucidates similarities between architecture and fashion through literature review and investigates structure meant in architecture and fashion, and after that, collects corresponding examples through related literature and fashion information site. For structural simplicity in architecture, structure of a building in itself is a form and decoration at the same time, and it appears as a form of minimizing other elements and stressing the structure only. Structure in fashion means composition line which essentially exists to embody two dimensional materials onto three dimensional human body. As elements of geometric lines are creatively expressed by a designer in order to constitute three dimensional form from structural simplicity, they connote a variety of functions and exert decorative effects as well. And the shape of structure expressed like this is employed as a tool to show off the designer's techniques.

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An Observation on Characteristic of Architectural Paradigm in Twentieth Century Fashion Design (20세기 패션디자인의 건축적 패러다임 특성 고찰)

  • Park, Shin-Mi;Lee, Jae-Jung
    • Journal of the Korean Society of Costume
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    • v.58 no.2
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    • pp.78-92
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    • 2008
  • The mutual relationship between fashion and architecture and the similarities in their form and structure have been continuously debated over the decades, considering that both spheres are objects used in human life. Both spheres bring about the creation of three-dimensional space structures that are completed by the human body and material, based on a design targeted for people. The similarities between fashion and architecture in terms of form and structure have been debated by western architecture scholars focusing on the support that holds the garment's shape, the tailoring of a men's suit and also the material. The debate originates from the discussion of F. Th. Vischer, Kritische Gnge, and Gottfried Semper during the nineteenth century on the similarities between crinoline and the form of architecture and also the similarities between sewing and architecture. However, architects always regarded fashion as the inferior creative process that follows architecture in viewing the relationship between fashion and architecture. During the mid to end of the twentieth century, contrary to previous decades, the sense of fashion in architecture stood out, as an issue and a different approach was taken in discussing architecture that incorporates fashion. Accordingly, in the mid 1990's, architecture scholars such as Deborah Fausch and Mark Wigley began to conduct close observation of the mutual relationship between fashion and architecture from a more equal point of view. Notwithstanding, their point of view was still biased towards architectural standards. Commencing the Millennium, fashion has become the primary work of creation which leads style in all spheres, and under these circumstances this point of view has transferred from architecture to fashion when thinking about relationships between these spheres. The discussion on fashion and architecture form fashion's point of view is currently concentrated on the post 1990's phenomenon and illustrates the environment that is related to architecture. In general, the discussion is limited to determining a work of an individual designer as 'being architectural' when explaining the sculptural form of fashion. Therefore, this research aims to renew the discussion on twentieth century fashion design, which was neglected in any studies on observing architecture and fashion. The aim of this research is to classify the architectural paradigm of twentieth century fashion design and to observe the architectural forms of the respective eras. It is necessary to have a close observation of the architectural paradigm in twentieth century fashion design where support tools such as the crinoline was avoided and the form and functionality of the garment itself was emphasized. I will conduct this research by considering the architectural form shown in fashion as a practical three-dimensional creation that exists in space.