In the rapidly changing era of knowledge revolution, user-centered IT services are emerging as a very important component of modern business. However, in order to lead IT services into success, traditional capabilities and competences are not good enough. Development of IT services involve service planners and designers as well as traditional systems developers. This detailed segmentation of job and corresponding competences among involved in IT service development brings in new type of conflicts and contradictions that may require special attention for IT services to be properly development and implemented. This study aims to explore and define competences and roles of newly emerging job groups in IT services: planners, designers, and developers. In order to identify underlying competences of these emergeing groups, two stage interviews were conducted. At the first stage, general competence framework is developed across these groups with different skills for similar competence catogories. Using the categories developed at the first stage, members of each groups were asked to rate and assess the competences of other groups. Comparisons of these reciprocal assessment revealed the conceptual differences and biases across these groups. Detail differences are discussed and implications are discussed.
본 연구는 게임전공 대학생과 게임 디자이너, 두 그룹의 색채 교육 분야별 인식 차이에 대하여 문헌조사와 질적 연구 방법 및 모바일 설문조사를 통해 수집된 결과를 분석하였다. 그 결과, 게임전공 대학생은 색채 분야에 대한 인식률이 낮고 게임 디자이너는 인식률이 높게 조사되었다. 인식 격차의 해소 방안으로, 게임전공 대학생의 색채의 인식을 높일 수 있도록 다양한 색 경험을 위한 색채 교육과 게임 디자이너의 색 경험 지식을 전문성 확보 측면에서 인식이 낮게 나타난 색 지각, 색이름, 배색과 조화와 관련된 재교육의 필요성이 시사되었다. 게임산업의 경쟁력 확보에 기여하는 색채 전문성을 지닌 게임 디자이너 양성의 방향성을 제시하는 자료가 될 것을 기대한다.
Contemporary fashion research has paid increasing attention to the sublimity in the context of postmodernism. Sublimity is considered essential in contemporary fashion design as it arouses complex emotions which verbal expression cannot describe. Therefore, contemporary fashion designs need to be interpreted in terms of the sublimity. Through a detailed review of literature, the present study discusses Kantian and Lyotardian sublimity as main theories representing conventional and cotemporary concepts of sublimity. This paper selected five Korean fashion designers who won the prize of Samsung Design Fund from 2006 to 2019 and actively introduce their works every year. Images were collected to analyze their designs introduced from 2018 S/S to 2019F/W at their website. In addition, formative and color characteristics were analyzed to identify the changing features of s sublimity. Major findings of analyses are as follows. First, all designers' collections reflected both male and female sublimity with the respect to its formative characteristics. Color characteristics of sublimity indicated that Jeong, Wook Jun's collections represented features of male sublimity and other designers works showed elements of female sublimity. Essentially, the typical contemporary concept of the sublimity was found in the designs of Seo, Hye In. Consequently, female sublimity is more inclusive than male sublimity, while being opened to otherness.
본 연구는 인공지능 시대에서 미래 디자이너의 역할과 키워야 할 역량을 제안하는 데 목적이 있다. 인공지능 기술이 사회 전반의 핵심 기술로 등장하여 디자이너의 작업 영역에 영향을 주고 있다. 따라서 4차 산업혁명 시대에 존재하는 현역 및 예비 디자이너들은 이에 맞추어 필요한 역량을 키울 준비를 해야 한다. 연구 방법으로는 문헌 연구를 통해 과거부터 현재까지 디자인의 의미와 디자이너의 역할 변화를 조사하였다. 또한, 생성적 디자인, 디자인 프로세스 그리고 인공지능 기반 디자인 소프트웨어에 관한 연구를 진행하고 한계점을 분석하였다. 마지막으로 디자이너에게 필요한 핵심역량을 알아보고, 인공지능 시대 사회에서 미래 디자이너의 역할과 갖추어야 할 역량을 제안하였다. 결론적으로 미래 디자이너의 역할은 사용자에 대한 이해와 공감능력을 바탕으로 인공지능과 협업하여 창의력을 발휘해 사회혁신을 이끌어야 한다. 본 연구를 바탕으로 디자이너는 4차 산업혁명 시대에 대응하여 인공지능이 갖지 못하는 공감능력, 창의성 등 인간 고유의 인문학적 역량을 키우고 인공지능과 협업할 수 있기를 기대한다.
본 연구의 목적은 스위스 그래픽 양식의 형성과 정착에 가장 큰 흐름을 차지하였던 포스터를 중심으로 스위스 그래픽 양식의 체계적인 이해와 디자이너들의 디자인 이념, 그리고 시각적 특징을 살펴보는 데 있다. 물론 편집디자인과 같은 포스터 외적인 다른 시각디자인 분야를 통해서도 스위스 그래픽 양식이 다듬어지고 국제적으로 큰 영향을 끼쳤지만 그 당시 대중들의 선동 선전에 가장 많이 이용되었고 디자이너들의 주된 표현 매체가 되었던 포스터를 통해 20세기 중반이후 전 세계 그래픽 디자인 양식의 교과서로 자리잡았던 스위스 그래픽 양식을 이해하고자 한다. 먼저 배경과 형성과정을 통해 그래픽 양식의 생성 의미를 되새겨 보고 스위스 그래픽 양식의 시각적 특징과 그 양식의 특징들이 스위스 디자이너들의 포스터를 통해 어떻게 접목되고 나타났는지 살펴보고자 한다. 어느 특정 디자인 양식의 형성과 발전 과정에는 개인 디자이너의 독자적인 행보나 노력도 중요했지만 밑거름이 되었던 사회 문화적인 영향, 앞선 디자인 양식과 이념의 소산물과 함께 여러 디자이너들의 열정과 실험적인 결과의 진취적 과정이었음을 본 연구를 통해 알아보고자 한다.
Employees overseas have a need to prepare according to the different environments and industrial structures between countries. Therefore, to investigate qualities for fashion designers to possess when they work abroad, especially in the United States, this study compared the level of knowledge required to fulfill the work of fashion design in both South Korea and the United States. Responses from workers who are engaged to fashion design from the representative online career information systems of two countries, 'Worknet' in South Korea and '$O^*Net$' in the United States, were used as data. Looking at the result derived from the analysis of this study, first by comparing various statistical indicators, results showed the difference between knowledge level required to fashion designer in South Korea and in the United States. Even with the same type of job, because environments and industrial structures of each country are dissimilar, a different level of knowledge will be required in order to perform their tasks. Second, fashion designers in both South Korea and the United States required a high level of knowledge in the 'fine arts', 'administration and management', 'production and processing', and 'design' to perform their duties as a fashion designer. As a result, both countries have similarities that fashion designers need to possess a high level of the knowledge in areas such as 'production of products' as well as 'sales of products'. Furthermore, human relationship field of knowledge such as 'counseling', 'psychology', and 'communication' appeared to be more necessary to fashion designers in South Korea than those in the United States. On the other hand, higher degree of knowledge of 'machines and tools', ' fine arts', and 'transportation' appeared to be more necessary to fashion designers in the United States than those in South Korea.
Art Deco is a decorative and eclectic design style, popularized at the interwar period. The term Art Deco derives from the Exposition Internationale des Arts D$\acute{e}$coratils et Industriels Modernes held in Paris in 1925. The aim of the exposition was to create new modern aesthetics. This exposition introduced the modern decorative and industrial art to the world and influenced all designers of area, including architects, interior designers, industrial designers, craftsmen, fashion designers, etc. Art Deco designers applied inspirations from a variety of sources and movements such as the Cubist abstract, the Neoclassical refinement, Egyptian exotic elements, Babylonian and Aztec temples, the machine aesthetic, avant-garde movements, etc to their modern works. Art Deco style rapidly spread all over the design areas nationwide in America. In Art Deco architecture, in particular, its inception was French but its domination was American. Skyscrapers, airplanes, automobiles, ocean liners, jazz, Hollywood film, streamline, and native Indian symbols are the defining features of American Art Deco. This study began from questions on how these features are expressed and stylized to decoration elements as the modern aesthetics in American Art Deco architecture. Thus, the purpose of the study is to find out the ornamental and eclectic factors of Art Deco style and to define a concept of the modernity and the regionalism of Art Deco architecture in America. This article provides an overview of the decoration style of Art Deco architecture in America through the analysis of ornamental and eclectic factors reflecting diverse roots. It also analyzes the wide variety of building examples of American Art Deco which represent regionalism. In addition, this study focuses on Art Deco architecture in Miami, Florida. Miami is one of typical cities that has the most unique regional aspects of 1920's to 1940's in Art Deco architecture. Miami Art Deco architecture reveals the tropical and nautical references such as streamlined and curved walls, exotic animal motifs, flora and fauna motifs, and marine motifs: use of glass block, porthole window, terra-cotta, and pastel color stucco.
The purpose of this study was to offer some directions for the design of men's knitwear and provide basic data helpful for design conception and product development for creative and unique men's knitwear. As for the methodology, the investigator examined the works of these following ten designers that consistently participated in the men's Milano Collection for the last ten years from 2001 S/S to 2010 F/W: Burberry Prorsum, Costume National, D & G, D squared, Dolce & Gabbana, Giorgio Armani, Gucci, Iceberg, Prada, and Vivien Westwood. We identified the design elements expressed in knitwear, categorized examples for each element, and reviewed their characteristics. The results of this study are as follows. The designers usually adopted the H-silhouette with some room until 2006, after which the slim tubular silhouette became prevalent. Most of the designers made knitwear with normal yarn and expressed them by dyeing or printing regardless of seasons, which meant the usage level of fancy yarn was low. The much usage of the basic pattern was particularly salient. The most popular basic structure was plain, which was followed by rib and color pattern, which included the jacquard and intarsia pattern. The designers presented thick outer items made of thick yarn for F/W seasons and many thin inner items made of thin yarn for S/S seasons. The popular colors were brown from the Red Group(R) and beige from the Orange Group (YR) regardless of seasons. When achromatic colors were used a lot, there was a development of various grey shades. For the most used basic structure, plain, the designers employed such technical methods as printing, pleat treatment, and dyeing in high frequency.
For comprehending the duties of fashion designer, Sharon(1989) has suggested to look at the procedure how the goods are being produced. The purpose of this research is to identify the task of domestic fashion designer by comparing and analyzing one's work range and performing level in the fashion merchandising process according to the brand types which one is involved in. The preliminary research for the questionnaire was conducted with 5 chief designers of woman's apparel manufactures in Seoul. They were asked to judge if designer's tasks fit to their carry-out operations in the pre-fixed questionnaire which had been done based on preliminary researches and literatures related with fashion merchandising process. The contents of research questionnaire are 11 questions to understand the general characteristics of companies and the participated subjects, and 42 questions to understand the designers' operations. For the selection of NB, among 503 domestic female apparel brands that were in 'Korean Textile Fashion yearbook (2002-2003), the companies that were located in Seoul and possible for cooperation by researcher's personal relationship were selected. For DB, cooperation was requested for brands that were located in Seoul among the 137 brands that participates on Domestic Collection. For GB, 50 stores were selected at random or by personal relationship among 32 GB shops such as Freya Town, Doosan Tower, New Zone, and so on. Total 300 questionnaire distributed to the designers, 192 copies were used for final data analysis. For data analysis, descriptive statistics and ANOVA, Sceffe test were used using SPSS V. 11 1. The participated fashion designers operated 41 categories of suggested 42 categories in the fashion merchandising process. 2. The ranges and contents of tasks in the fashion merchandising process that fashion designers mainly carry-out are very different according to the brand types and showed much different level of task carry-out. Only in the categories of 'fashion trend information' and 'design ideation', all three brand type showed the highest level of task performance. And the design related tasks presented common higher level of performance than the other tasks in all brand types. In order to comprehend the operation of fashion designer, various approaching methods are required according to various apparel manufactures' characteristics.
The globalization phenomenon of the 21st century has acted as the catalyst to accept diversity, and a new cultural code, ethnic, has emerged in the modem society by the pursuit of diversity throughout the whole society and culture. Unlike preceding studies focusing on ethnic concepts and design development, this study attempted comparative analyses on ethnic trends shown in the collections of two designers, Issey Miyake and Yohji Yamamoto, who have strong ethnic consciousness. It is considered the comparative analysis on the two designers' collections with ethic images will be a guide to indicate the fashion philosophy of the two designers in the category of Japan, and this will be useful as basic data for the establishment of the globalization identity which is needed in the future fashion industry. The study results are as follows. First, it was found that the ethnic code has been so widely accepted by the world designers in a very positive form to accept foreign cultures that the ethnic code is now showing an aspect of eclecticism. Second, designer Issey Miyake has been pursuing his own ethnic style based on his philosophy to liberate humans through continuous researches and efforts on clothes. Third, Yohji Yamamoto has been pursuing a Japanese ethnic style as a designer who has expressed the unique beauty of Japan from the characteristics of Japanese traditional clothes. Fourth, as a result of comparative analyses on collections, they both have pursued an ethnic style based on the unique national characteristics of Japan, but it was also found that their fashion philosophy has developed differently in the same category of ethnic trend.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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