현재의 미디어 아트는 관객과의 소통에 의해 생명력을 획득하는 "관계"의 아트로 발전함에 따라 인터렉티브 아트로 자리매김하였다. 그러나 빠른 진화의 과정에 놓여있는 까닭에 인터렉티브 아트에 대한 개념은 명확하게 제시되어 있지 않다. 본 논문에서는 인터렉티브 아트에서 나타나는 상호작용의 단계별 분류를 통해 소극적, 적극적 인터렉티브 아트로 재분류하였다. 소극적 인터렉티브 아트는 '소통의 참여화'로 규정한 상호작용성을 가지고 있으며 평면적이며 유한한 특성을 지닌다. 그에 반해 적극적 인터렉티브 아트는 '관계의 의미화' 를 통해 실시간적이며 끊임없이 계속되는 소통의 시스템이다. 작품 분석을 통해 단계별 인터렉티브 아트 구분의 타당성을 진단해 보고, 특히 적극적 상호작용에서의 관계성에 주목한다. 작품과 관객의 관계성에 의해서 의미가 생성되는 적극적 인터렉티브 아트는 존재론에 근거한 서양의 전통적인 이분법적 형이상학에 의한 해석만으로는 만족스럽지 못한 결과를 낳을 수 있다. 인터렉티브 아트를 철학적 담론으로 형성할 경우, 그것을 해석할 수 있는 가능성은 동양적 철학, 즉 관계론에 의해서 보다 자연(自然)스럽게 해석됨을 짐작 할 수 있다. 본 논문의 목적은 인터렉티브 아트의 상호작용성이 형성하는 관계에 의한 예술 담론을 인터렉티브 아트에 대한 해석 확장의 시도로서 동양철학의 일원론적 세계관을 통해 풀어보고자 한 것이다.
The purpose of this study was to illuminate eroticism represented din modern fashion. Art based on sex is very important like all of the other cultural values. But we feel that erotic art, neglected, suppressed , and persecuted for centuries, has an important contribution to make to the understanding of art, the social history of mankind, and human happiness and progress. It is our deep personal conviction that erotic art serves important social and therapeutic functions. Erotic art expresses the demand for sexual freedom-a freedom vital to individual happiness and mental well-being, And sexual freedom, in turn, cannot exist without a high degree of political and economic freedom as well. In that sense , erotic art came a truly revolutionaly message ; it demands no less than extension of freedom , not only in the sexual are, but in every sphere of social life. What is eroticism \ulcorner Eroticism must be distinguished from a mere animal reproduction . Eroticism is deeply rooted in the cultural tradition of myth, religion , customes and art. It also has a close relationship with psychological activities of our life. Eroticism is a kind of psychological revolution in the development of human civilization. Eroticism is related to different kinds of art, which express internal spirit of human especially Surrealism. Surrealism is above all a movement of the conquest and deepening of the unconscious. The exploitation of Freud's discoveries opended a new, practically unlimited path for artistic studies to Surrealism . Especially all theory of mental psychoanalysis a affected artists greatly in western art, Freud was appraised highly on his achievements by art critics in art history on his achievements by art critics in art history. As far as erotic subject matter was concerned, Surrealism provided a means of presentig it. Pop Art is not actually a movement , born at a specific time and place, nor is it an easy concept to define. The term first appeared in Great Britain during the fifties, when it referred, particularly in the decorative arts, to an inclination to go back and imitate the stereotyped images of the mass media : film, advertising , cartoons, and other popular consumer products. The eroticism expressed in Pop Art calls the modern's attentions to their devastated minds, taking advantage of the commercialized sex. Fashion has developed constantly reflecting the spiritual aspiration and social and cultural phenomona of man , and artistic steam. Eroticism in fashion is the style which expresses the internal meanings of sexuality through the texture, color, pattern , silhouette etc.
네일샵을 찾는 고객들은 창조적이고 유니크한 디자인을 필요로 하지만 현재 네일 아티스트들은 모방의 수준에 있어 고객들의 만족도를 높이기 위해서는 개성 있는 네일아트 디자인 개발이 필요하다. 따라서 본 연구의 목적은 모든 디자인의 기본이 되는 조형원리를 적용한 네일아트 융합디자인을 제시하여 창조적인 네일아트 디자인 발상에 기여하고자 한다. 연구방법은 전문서적과 인터넷 자료, 선행연구 등을 조사하여 조형원리의 개념 및 사례, 네일아트의 개념 및 표현기법들을 분석한 후 조형 원리를 적용한 네일아트 융합디자인 6작품을 제작하였다. 네일아트 기법은 네일샵에서 가장 많이 사용하는 핸드페인팅, 마블, 시스루, 에칭, 엠보, 패치, 오브제 기법을 적용하였다. 연구 결과, 조형원리를 적용한 창의적이고 독창적인 네일아트 융합디자인을 제시함으로써 새로운 네일아트 디자인 창출의 가능성을 확인할 수 있었고 본 연구가 네일아티스트의 디자인 역량을 강화하는데 기초자료로서의 의의가 있음을 알 수 있었다.
It's a matter of ontology rather than that of cognition and methodology to discuss a work of art in Gadamer's philosophy. In addition, he emphasizes the cognitive aspect of a work of art instead of comparing forms and contents of them. For that reason, he excludes aesthetic consciousness derived from Kant first and then makes away with Schiller's theory of aesthetic education. For Gadamer, the concept of truth does not mean accord or correspondence. It would rather be an encounter. This encounter is not axed on a specific time, but a continuous and historical one. Basically. a work of art guarantees this kind of an encounter. This encounter is not based on mutual agreement through an objective standard but on recognition with mutual understanding. Therefore, prejudice or tradition should be acknowledged and respected instead of being excluded. We have only to minimize difference between them through conversation. Gadamer's ontology of a work of art is based on such a ground. The function of a work of art is not only simple satisfaction of aesthetic senses but an object of interpretation, that is, a text by presenting a ground of truth through an agreement of situation. This text reveals its meaning in the situation of author-text-reader. The appearance of this meaning is nothing but the birth of truth. Symbol-allegory and classicism show how to express this kind of truth in a work of art. It is true that Gadamer's philosophical hermeneutics cannot be easily applied to interpret a concrete work of art because it just lays emphasis on the process of 'understanding' instead of a detailed analysis on an individual work. For that reason, he was criticized by some people because of this subjectivity of understanding. However, it's meaning could be changed according to the viewpoint on a work of art. There appears various structural approaches on a work of art in contemporary theory of art. Gadamer just asks the basis of such approaches instead of criticizing a specific one Therefore, a practical approach on individual work should be made separately and hermeneutics enriches the meaning of open-ending of each work of art.
Fine art and clothes have been closely connected since art became part of civilization. However, there relationship was one-sided rather than exchanging the essence of each other. In the $20^{th}$ century, modern art began to change. Artists started intervening clothes in their work as conceptual tools. In the 1960s, Marcel Duchamp started to study 'what is fine art?' He tried to perform anti-aesthetic work that denies traditional types and contents of fine art by reconsidering a concept of fine art that started a new chapter of conceptual art in the late $20^{th}$ century. Conceptual art is about concepts and ideas of the work rather than aesthetic and material concerns for the challenges traditional ideas. Conceptual art asks audiences for more active reactions. For these reasons, semi logical ideas and clothes became very important to conceptual art. This study categorizes and analyzes various roles of clothes in conceptual art. Conceptual arts since 1960 were studied in this research and the works of clothes were intervened were analyzed. The types of using clothes in conceptual art can be divided into 'ready made,' 'intervention,' 'data type,' 'language,' and 'action and process.' The different types were mixed together rather than used alone. Conceptual artists tried to deliver the characteristics and attributions of modern society through clothes. They expressed criticism of political society, anti war movements, absence caused by death, new lives, violated femininity, changed meanings of marriage, and absence of individual rights under the social system in their work. Clothes played their roles as concepts of various things including violated femininity, illusions of politicians, autocracy, new lives, social systems, and regulations.
This paper has examined how ugliness has aesthetically been portrayed in modern make-up. In the past, ugliness was regarded as an antonym of beauty, but it recently plays a role on part of beauty, as independent portion of art. It was Schegel who initially maintained the view. According to his theory, ugliness represents interesting things including suffering reality, shock, attention, humor, surprises brought by distort and deformation. Hegel had a different view on it. As for him, he had the notion that ugliness was the opposite to beauty and that it had to be dependent in art, he argued that art was subordinate to philosophy, and that it was just nostalgia for the past, not representing reality, therefore, it could not be a foothold in contemporary art. In this context, some images of ugliness can be classified accordingly to Schegel's view deteste, decadence and androgynous can be fallen into a category describing reality; fetish, kitsch and grotesque can be included in interesting things. There is no fine line between the two. There are sometimes things they have in common. They mutually draw attentions by distancing themselves from general images of beauty, or making many changes and distorts in its part, using unique materials, unprecedented attempts of colors which result in creative and shocking images. Attempts made in ugly images in modern art are widening its concept to depicting reality on the body of human beings, also creating its new definition, playing a major role in independent part of modern art, not in the past way like wearing make-up on the face to make it look better.
일반적으로 미술에서 어떠한 내용을 시각화하는 아이디어는 한 작품의 성공여부에 결정적이라 할 수 있을 만큼 핵심적인 부분이지만 실제로 이 아이디어 발상에는 많은 어려움이 따르기 때문에 본 연구에서는 이러한 시각화 작업을 위한 아이디어 발상에 방향성을 제시해 보고자 하였다. 개개인의 예술적 표현의 자유와 개성이 태동하기 시작하였던 르네상스 시대 이후의 서양미술에서 추상적 개념을 시각화한 내용을 보이는 구상화 중 표현기법 상의 대략 몇 가지의 사례를 분류해보고 그 표현기법이 확연하게 설명이 가능한 경우의 작품들을 발췌하여 소개하고 있다. 표현기법에 따라 상징, 알레고리, 특정양식, 초현실주의 구상기법, 형이상학적 논리의 왜곡, 그리고 상황적 설정으로 나누어 보고 각각의 기법들이 어떠한 방법으로 추상적 개념을 형성하고 전달하고 있는지 구체적 사례들을 설명하고 있다. 특히 이러한 연구가 미흡한 응용예술 분야의 아이디어 발상에 도움이 되었으면 하는 취지의 사례연구이다.
According as the fashion at the latter half part of the 20th century is diversified and made into high-class gradually, it is demanding the individuality of each one. Especially, since the beginning of 1980s, fashion came to represent the restoration mood in a modern style because of the popularization of post-modernism. And with this, it came to result in the reappearance of minimalism which was one of anti-culture in 1960s. In this study, this researcher grasped the appearance background, concept and structural concept of minimalism, and tried to study the influence that he minimalism had on fashion in the flow of fashion over the first half period of the 20th century. Minimalism is the fine art trend of American characteristic which quicked by the meeting of European culture and American culture, according as the new avant-grade art of Europe moved to America after World War II Minimalism which appeared, refusing the mechanisation, industrialization and mass production of America and the falsehood of consciousness and sensitivity under existing system remained obscure by the pop art which is the commercial fine art of same period, but it came to expand the domain of work possibility of modern fine art, and it became the basis of appearance of post-modernism. Minimalism has 4 kinds of structural features which are nonside nature, repetitiousness and environment nature with 3 dimensional feature which is issue nature. Minimalism is appearing in the exfcellent and future-oriented fashon of Andre Kureju t the time of 1960 well. Then science revolution and minimalism aroused the mini-revolution, and they made the compact radio in electric home appliances and the miniskirt in fashion appear. The features of minimal fashion as Retro '60' which appeared in the decedent mood with the 21st century just before on are as follows: First, the are the pursuit of concise plastic line. Second, it is the use of high tech material Third, the miniaturization in size amy be enumerated. Minimal fashion will appear s the positive confrontation from of mankind as the optimistic viewpoint about feature in the situation hat environment was destroyed and the resources were exhausted.
조선시대의 기생의 기원과 제도, 기생의 역할, 평양기생학교를 통한 기생의 원래의 의미인 전통적인 조선시대의 아티스트(Artist)임을 재조명하고, 기생학교의 제도와 규칙, 교육과정, 수업시간표, 졸업 앨범, 각종 사진첩을 통해서 조선시대의 기생의 역할과 평양기생학교 등의 재조명 및 분석을 통하여 전통적인 문화를 디지털콘텐츠의 창작소재로 발굴하므로 이를 디지털콘텐츠인 게임콘텐츠, 디지털애니메이션, 드라마, 영화화 할 수 있도록 소재화 하는 것이 본 논문의 목적이다. 특히, 조선의 기생의 아름다움과 아트적인 재능, 사회제도 및 기생학교 등을 발굴하여 원화기획(컨셉 디자인) 및 디지털시나리오 화하므로 경제성이 강한 문화콘텐츠로 발전시키며, 평양기생학교의 교육시스템, 교육내용, 학생 현황 등을 발굴하여 육성 및 경영시뮬레이션 게임의 제작 컨셉 도출 및 게임제작, 애니메이션 및 TV드라마, 디지털 애니메이션 및 영화 제작의 문화콘텐츠의 창작소재로 활용할 수 있도록 제안한다.
Arts is the expression of reasoning and conscious life of human and arouse human the concept of existence, utmost emotion and excellent thoughts. Also it makes humans life very abundant. I make it come first to get rid of the art thirst on the opposite sight of technical one for hair as on part of humans body. Next purpose is that to confirm the esthetic value of 'hair arts' by solidify the academic ground of beauty arts through creating 'hair arts' works and learning and make the direction for the beauty industry and education of the next generation. In this study I investigated the Greek myth(the background and develop)and the hair styles of ancient Greek Goddesses. On the basis of that symbols I elaborated hair formative works made of metal and studied, analyzed and displayed that. Work No.1 'Aphrodite' is the sculpture showing the win of love which animated. I formed it very active and vigorous. Next 'Birth of Venus', No.2, involves fineness and freshness. 'Fear of Medusa', the third piece, displays the very second when medusa was executed as a beautiful and active scene not a scary one. And lastly in 'Lovely Medusa' Medusa finally find the stability and it was expressed her beautiful and shining hair. So this study conducted based on the concept of practical hair and have made efforts to be close to theoretical manufacturing research needed at making hair arts works and academic one needed at organic design composition for pioneering new field, 'art hair.' I hope these 'hair arts' works make creativity of the practise hair alive. It will be very thankful to me if this study can help even though slightly for splendid beauty arts to make its status firm as a one part of arts, and there are following studies.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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