Bomun(Treasure Pattern), by its formative beauty and its symbol of good-luck, is mixed well with other patterns and produces another luxurious and gorgeous pattern with them. This study is to sort out Bomun patterned materials in the relics of Chosun dynasty, to classify the types of patterns according to its elements and to its arrangement, and to analyze their aesthetic characteristics in terms of fabrics, methods of putting patterns on fabrics, their usage, and symbols and aesthetics. The types of Bomun, in terms of their composition elements, are classified as Individual type, Compound Type Ⅰ, which is made with another Bomun, and Compound Type Ⅱ, which is compounded with plant patterns or with animal patterns. In terms of its arrangement, it is classified as Dense type, Sparse type, and Picturesque type, and the most popular type is the pattern of the dense type. Bomun was depicted in the fabric through a technique called Jimunbeop. It was used on both men's and women's clothing. It was mostly used in Po of men's clothing and in Jeogori(jacket) of women's clothing. Bomun connotes the meaning of good-luck, beating off evil spirits, Yin and Yang ideology, noble tastes, etc.
The Russian revolution and the successive "art into production" atmosphere provided a unique model of a strict inter-relation between social process and innovative process in the taste. Influenced by CUBISM, RAYONISM and SUPREMATISM emerged in Russia around the time of Russian revolution and gave way to CONSTRUCTIVISM, based on Tatlin's theory, which played a vital role to combine art with social committment. One of the first question to be established after the revolution was the function of art within the new society. First, it should be propagandistic and empahsise the benefit of the new state. Secondly, art could take on an affirmatory role putting foward ideal views of the society as example to be disscussed and followed. Thirdly, the Constructivists' view, "Death to Art" was their slogan. Their view was that the artists' work in the new society was to be based on the material value and beauty in fuction as this alone could be consistent with the aesthetics of Marx and Lenin. It sould be pointed out that among the various applied arts, textiles and clothing design were considered one of the most important role in propaganda and in support of the new socialst ideas. Traditionl handicrafts provided a repository of popular images and folk art continued to assert an influence on the textiles and clothing design after the revolution. Constructivists, such as Stepanova and Popova, went to the factory as direct answer to the invitation for the art-industry rapport. Thematic or propagandistic designs were directly connected to the daily life and national transformation.
The aim of this study is to select MLMA and Noen Eubanks as representatives of Gen Z's unique subculture 'E-girl' and 'E-boy' to analyze fashion images and determine their meaning through the perspective of persona. To conduct this study, a literature review and case studies were combined and fashion images of E-girl and E-boy appearing on social media were analyzed to identify the personas they expressed. A case study of MLMA and Noen Eubanks' Instagram and TikTok account posts showed that grotesque, kitsch, and gender-related images stand out. The digital personae demonstrated by E-girl and E-boy fashion images were demonstrated to be a strange persona that reject perfect beauty and a playful persona escaping from reality and anxiety. Lastly persona of individual identity was shown to be formed. This study provides a basis for understanding and interpreting Gen Z's culture and aesthetics that will lead to future trends. Based on this study, I hope that various studies on E-girl and E-boy apparel will be conducted, and that by understanding the importance of E-girl and E-boy culture for Gen Z (which is paying attention to fashion trends), this can be used as a marketing strategy to consider their characteristics, with data used to inform design development.
Recently, the Korean wave has caused many foreign nations to pay attention to various fields including Korean culture, arts, fashion and beauty. Korean images so far were mainly discussed in terms of aesthetics, and there is lack of efforts to visually shape Korean images. On the contrary, Oriental images focused around Japan and China have greater global influence and better globalized fashion styles compared to Korea. Therefore, it is necessary to suggest a globalized proposal of Korean fashion styling which reflects original and unique aesthetic characteristics of Korea that can be accepted by the global market. In this study, the concept and types of fashion styling and stylists were examined, as well as the definition of Korean image and types and characteristics of Korean images shown on fashion magazines. Also, after collecting photographs having Korean images that were included in the editorial fashion styling of Vogue Korea, their characteristics were analyzed. The results of interviews with professional fashion stylists were summarized to propose an editorial fashion styling with Korean image for overseas consumers who long for and wish to imitate Korean fashion styling.
The background of this study is to provide meaning of landscape history and to find out landscape origines which were strongly concerned with the nature through breaking out the form of conventional adapting elements from an exterior. And the purpose of this study is to review Brown's philosophy as picturesque landscape architectur and to provide useful Brown's characteristics to contemporary landscape by epitomizing his design elements. Brown estiablished a foundation of the English landscape garden of the eighteenth century. And the concept, the beauty of nature, is considered as a beginning point of modernism study. The study of the Brownian style as profoundity theme is conversion view to the development of the history of garden. These days, the restoration of the Brownian style at the public or garden design in England is based on the nature recourse of the original character of human. And also his style can be understood to seek the progressive transformation as to perfectly known the possibility of the place, to get clues to the solutions, and to be able to iprove the quality of environment. Therefore, Brown's efforts for seeding the essence of landscape architecture escaping from Englands old-fashioned landscape design skills might be considered in high worth.
This study aimed to create globally acceptable Hanbok-inspired work uniforms, by developing practical designs and providing useful resources for incorporating Hanbok characteristics into office attire. First, to establish the elements that the Hanbok work uniform should have, the definition and characteristics of service clothes and preferences for the process of modernization of traditional Hanbok were reviewed through a review of the preceding studies. For the Hanbok work uniform design, a total of 4 pieces, 2 for each male and female, were planned, a schematic diagram was created, and the design was modified after evaluation by fashion design experts. I made a pattern of the modified design with a CAD program, imported it into CLO 3D to produce a virtual costume, and confirmed the final design draft. Work uniform design has symbolism, functionality, and aesthetics as its characteristics. The functionality of the Hanbok work uniform designed in this study is suitable for the season, and it was designed to increase the efficiency of work when worn for a long time. The design was focused on the development of materials and patterns in consideration of comfort and activity. The esthetic nature of hanbok-inspired work clothes was intended to reveal details that could highlight the silhouette of the human body and reflect the beauty of hanbok.
International Journal of Advanced Culture Technology
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제11권3호
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pp.268-276
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2023
Ukiyo-e, a pivotal facet of Japanese art, had a profound impact on Western art during the 19th century, contributing to the emergence of Impressionism and Post-Impressionism. Notably, Katsushika Hokusai's "Great Wave" remains an enduring masterpiece. Ukiyo-e's historical trajectory is intricately linked to the socio-cultural context of its time. Japan's early artistic influences derived from China, evolving through the Nara and Heian periods. Ukiyo-e emerged from the Yamato-e tradition, characterized by its transition from religious themes to secular subjects. Zen Buddhism's influence during the Muromachi Shogunate shifted focus to ink wash painting, which eventually became accessible to the masses. The Azuchi-Momoyama period introduced lavish, colorful works. The Edo Shogunate upheld Kano School for the elite, while folklore painting gained popularity among the commoners, leading to the creation of Ukiyo-e. Ukiyo-e diversified its subjects, including beauty, geisha, sumo, landscapes, and more. The Asakusa district's "Shin-Yoshiwara" added to its vibrant themes. By the late 19th century, Ukiyo-e transcended its roots, encompassing landscapes, wildlife, and beyond. I explore Ukiyo-e's aesthetics and its influence on Impressionism, focusing on "The Three Masters of Ukiyo-e" - Kiyotagawa Komaro, Katsushika Hokusai, and Utagawa Hiroshige.
Although ugliness had long been considered a negative form of beauty, it has become an independent aesthetic category. However, most previous art studies have focused on Rosenkranz's theory, making its application to contemporary fashion analysis challenging. Therefore, it is necessary to redefine ugliness. This study highlighted four modern ugliness categories from a modern perspective following the examination of the historical considerations of the ugliness concept, namely ugliness as a violation of taboo, ugliness as an unpleasant emotion, ugliness as a vulgar taste, and ugliness as an ethical flaw. From this perspective, SHOWstudios for fashion films were analyzed in the present study. The results of our analysis showed that ugliness in the film was related to socially sensitive subjects and stimulating images. Whereas costumes in the film were used as a tool to convey the subject and to enhance the visual effect of the image. In addition, clothing was identified as a core subject element of the video, particularly when considering ugliness as an ethical defect. This study provides further insights into contemporary fashion analysis, expanding the ugliness perspective, which had been limited to the specific perspectives of scholars.
The purpose of this study is to prescribe formative perspectives as a framework where the aesthetic taste and demands of a certain period are embodied and to develop new analytical tools to examine the beauty of dress in terms of form. First, the theoretical tools selected for this study are Heinrich Wolfflin's formative perspective theory derived from art and Marilyn R. DeLong's framework for visual analysis of dress. Second, several issues that limited the development of a new framework for analyzing the form of dress were identified and addressed. Third, the selected aspects of dress form to be analyzed are specified. They are: silhouette, inner form, structure form, materials and patterns based upon the relationship between the body, dress and space in order to develop new formative perspectives. Based upon these theories a new framework for analyzing dress aesthetics in terms of form is developed. This reconstructed framework consists of three sets of antagonistic representational styles: closed form/open form, linear form/painterly form and multiplicity/unity. Closed form/open form represented in dress can be classified by the clear or obscure silhouette shown not only in the relationship between the dress and space around the dress, but also from changeability or invariability of dress in relation to the body. The material, pattern and various design elements are used as the central criteria to determine the linear/painterly characteristics in dress representations. Finally, the multiplicity/unity can be found in the relationship between the whole and the parts. Multiplicity is represented in dress when the parts have a visual priority over the whole, whereas unity is represented when a dress as a whole has visual priority over the parts. A dress represented with closed form, linear characteristic and multiplicity is perceived as a clear form. In contrast, a dress with open form, painterly characteristic and unity is understood to be an obscure form. It can be said that this study is the first attempt to establish the formative perspectives for analyzing the form of dress in various periods, cultures and races for the future studies.
원교(圓嶠) 이광사(李匡師)(1705~1777)는 18C 문예부흥기에서 한 시대를 대표했던 학자 예술가이다. 1755년(영조31) 나주벽서사건으로 인해 연좌, 완도군 신지도(薪智島)로 이배되어 총 23년간의 유배생활 끝에 운명하였다. 이때 속필(俗筆)로 흐른 서법과 서풍의 문제점을 바로 잡고자『원교서결(圓嶠書訣)』을 집필하였고, 서법적으로 본질을 새롭게 정립코자 하는 우리 민족 고유의 주체적·자각적 서풍인 동국진체(東國眞體)를 완성했다는 평가를 받는 독창적 서예술 구현으로 호남 일대에 절대적인 영향을 끼쳤다. 원교(圓嶠)의 서예심미는 양명학의 심진(心眞)을 근저로 하는 '창경발속(蒼勁拔俗)의 엄밀미(嚴密美)', '만호제력(萬毫齊力)의 양강미(陽剛美)', '진력추전(盡力推展)의 생명미(生命美)'로 전개된다. 그는 올바른 필법 구사를 위해서는 자유로운 조형과 생기가 있는 근골(筋骨) 화의(畫意)를 서예의 관건으로 인식하고 전례(篆隷) 고비(古碑)의 연마를 제안하였다. 생기가 있는 획이란 삼과(三過)와 길곡(佶曲)하는 가운데 창경발속(蒼勁拔俗)하여 자연스럽게 천기(天機)가 스며들고, 필묵은 만호제력(萬毫齊力)의 추전(推展)으로 운영하는 것이다. 이러한 서예심미는 삼과절필(三過折筆)과 길굴완전(佶屈宛轉), 만호제력(萬毫齊力)과 추전거(推展去) 등의 필법이 뒷받침되어 근골(筋骨)과 신기(神氣)로써 신채(神彩)를 드러내었고, 우리 민족 고유의 독창적 필세와 필의를 추구하고, 천연의 진성(眞性)을 드러내며 활물(活物)로써의 생명력 넘치는 원교체(圓嶠體)로 발현되었다.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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