This research is a study of the documentary film entitled "Korean War." My research focuses on the collective trauma and amnesia of the Korean War among the people of the U.S. in an effort to understand ongoing tensions between the U.S. and the two Koreas, both North and South. A study of the film also gives a way to read the hidden meaning of the film through deconstructing the film with Peircian semiotics, and scrutinizing its artistic choices of visual language. This study provides a review of the theory of trauma. It also gives insight into understanding the perceptions of the Korean War in the U.S.
Journal of Information Technology Applications and Management
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v.29
no.6
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pp.123-134
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2022
War films are a general term for films that have battlefields as their main background. Although war films as a genre directly deal with combat situations, they also deal with characters or subjects related to war. War films promote patriotism and nationalism, but they also argue against war by highlighting the disastrous war. This study is based on the color theory that the meaning of film color is temporarily and infinitely generated according to the cultural differences, with Eisenstein's creative theory on film color and pathos. I wanted to clarify the pathos effect and the meaning of color green expressed in the Korean war films. In war films, colors are visualized in art forms such as symbols, similes and metaphors. In war films, color green symbolizes life. On the battlefield, the green of nature stands against the catastrophic situation. The green of ecology, which insists on the flow of life, evokes fear in ecological crises such as war, disaster and climate change. The dark green caused by a catastrophe like war warns of the destruction of life. The connotation of color is temporarily and infinitely expands according to the cultural differences. The dark green, which visualizes the battlefield of destruction, is a form and element of pathos that indicates changes in emotions such as sadness, pity, grief and despair. Pathos as an emotional appeal is a leap from the quality to the quality of the means of expression and refers to the departure from Dasein. The green color that dominates the visuals of war films is a symbol of life and functions as a pathos that makes emotional changes take a new leap. A qualitative leap through pathos means all changes that become new.
The history of war is the interesting theme to every group because it presents the identity of nation and social aspects of the age. The war was a subject matter in culture industry, and the war films represented a battlefield with various phases. Thus, it provided important description to understand our society. The purpose of the study is to identify the phases and representation of war in films through analyzing a pattern of war films. For the comparison study on a type of war and its social effect, we need to approach the concept of inclusive representation. Thus, I categorize war films to suit the subject of research and select the objects among the various war films. On the basis of these films, this paper studies how the representations and phases of war is reflected and described in contents of films.
Is a failed blockbuster film? Is there no room for reconsideration of the value of the film in terms of its contents and forms? The purpose of this study is to answer these questions. In 2007, SHIM Hyung-rae's was in the limelight due to the nationalist discourse around the film rather than evaluation of the film itself. In terms of its narrative and formal properties, the film showed the difference from the Korean nationalist blockbuster films. It led to the disaccord and hard-to-understand results of having somewhat disappointed box-office success of 8,500,000 audiences in comparison to the input, of receiving well by a generous part of the audiences absorbed by nationalism, and of getting the critics' cynic criticism of the film's cinematic value. Eventually only provided the cultural battlefield of nationalism, was left as an unnoticed film in the realm of industry and criticism. However, it was interesting that there was a common ground between the film's supporters and the cynic critics. Both sides were being acknowledged that the spectacle of was way out of proportion to the degree that the spectacle was unbalanced with the story unfolding, achieved more than expected. Its spectacle overwhelming the narrative enfever a few audiences, and at the same time, it provided some reasons making critics face away from the film. In this context, the purpose of this study is to examine 's aesthetics that 'the spectacle dominating narrative' or 'the narrative as a pretext for showing spectacle,' leading to discussion of artistic/theoretical/critical value and to find out cinematic value of the film being regarded as a failure. In addition, this study is significant in that it suggests that is a new kind of moving image that it cannot be analyzed with existed critical methods of narrative film criticism; as a result, this study provides the chance to be evaluated through a new conceptual frame of the film. In order to grasp the narratological aesthetics, this study focuses on the concept of trickality that Andre Gaudreault suggests, and Tom Gunning's 'the cinema of attractions,' referring to the spectacle-oriented narrativity or the mode of production displaying the spectacle more than the narrative.
The purpose of this study is to examine cinematic representations of places in the Korean War films on the event of 1950 'Incheon Landing', focusing on the place representations. 'Incheon Landing' of September 1950 provided a turning point for the Korean War, and the event can be interpreted totally different from the South Korean and the North Korean perspectives. Two films on the same event of the 'Incheon Landing' - a South Korean film, "Incheon Landing Operation"(1965), and a North Korea film, "Wolmido"(1982)- were selected as major sources of analysis and comparison. each director has different intentions. One film was taken from the landing army's viewpoint, whereas the other film was taken from the defender's viewpoint. As a result, one film emphasized the battle as a spectacle of glorious victory from the landing army's viewpoint, while the other film glorified those soldiers killed in the battle as heroes from the defender's viewpoint.
Through previous studies, it was found that news from legacy media, including television, has an agenda-setting effect and priming effect on the perceptions and attitudes of audiences about politics and war, and that film media also has an agenda-setting effect and political priming effect on war issues. However, it is difficult to find studies on the effects of war-related TV documentaries on media audiences. Therefore, in this study, An experimental study was conducted to investigate whether there is a change in 'recognition of the importance of security', 'will for South-North Unification' and 'will to participate in war in case of emergency' for the audience who watched the KBS special <100 Days of Invasion of Ukraine, Part 1 into the Fire>. As a result of the analysis, it was found that watching a war-related TV documentary reinforced the audience's 'recognition of the importance of security' and 'will for South-North Unification'. However, it was confirmed that watching a war-related TV documentary did not strengthen the audience's will to participate in war in case of emergency.
This paper examines a social and cultural history of horror films through the keyword "technology", focusing on The Spark of Fear: Technology, Society and the Horror Film (2015) written by Brian N. Duchaney. Science fiction film is closely connected with technology in film genres. On the other hand, horror films have been explained in terms of nature/supernatural. In this regard, The Spark of Fear, which accounts for horror film history as (re)actions to the development of technology, is remarkable. Early horror films which were produced under the influence of gothic novels reflected the fear of technology that had been caused by industrial capitalism. For example, in the film Frankenstein (1931), an angry crowd of people lynch the "monster", the creature of technology. This is the action which is aroused by the fear of technology. Furthermore, this mob behavior is suggestive of an uprising of people who have been alienated by industrial capitalism during the Great Depression. In science fiction horror films, which appeared in the post-war boom, the "other" that manifests as aliens is the entity that destroys the value of prosperity during post-war America. While this prosperity is closely related to the life of the middle class in accordance with the suburbanization, the people live conformist lives under the mantle of technologies such as the TV, refrigerator, etc. In the age of the Vietnam War, horror films demonize children, the counter-culture generation against a backdrop of the house that is the place of isolation and confinement. In this place, horror arises from the absolute absence of technology. While media such as videos, internet, and smartphones have reinforced interconnectedness with the outside world since the 1980s, it became another outside influence that we cannot control. "Found-footage" and "torture porn" which were rife in post-9/11 horror films show that the technologies of voyeurism/surveillance and exposure/exhibitionism are near to saturation. In this way, The Spark of Fear provides an opportune insight into the present day in which the expectation and fear of the progress of technology are increasingly becoming inseparable from our daily lives.
Journal of Information Technology Applications and Management
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v.28
no.3
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pp.77-87
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2021
The color gray in the cinema expresses the private or public memory and oblivion in the reminiscence scenes. The aesthetic function and meaning of gray that interacts with other elements in cinematic time and space are expanded in various ways. This study was analyzed the cases in which gray was used as the main visual style by limiting the scope to Korean films. Based on the traditional cultural symbolic meaning of gray, I analyzed how it was applied and transformed in films, and interpreted the cultural-social meaning by the interaction between gray and other elements. In film history starting from monochrome, gray has been used as a visual device suitable for realizing cinematic or imaginary reality. Gray is adopted when dreams or recollections are visualized as imaginary reality, and it is used when dreamy imaginations of daydreaming are demonstrated. Gray, which reproduces the dreamlike reality of imagination, is the concrete and realistic way of expression. First, in Korean films, gray is a flashback visual device that recalls the past, and is an intermediary visual form that materializes the imaginary. In films such as Ode to My Father (2014), DongJu (2015), A Resistance(2019) and The Battle : Roar to Victory (2019), the gray of the past is a visual device for cultural memory that builds the homogeneity and identity of the group. In the era of hyper-visibility, gray in black and white images is intended to be clearly remembered by unfamiliarity rather than blurry oblivion by familiarity. Second, in genre films with disaster materials such as Train To Busan (2016) and Ashfall (2019), the grays of rain, fog, clouds, shadows and smoke highlight other elements, and the gray color causes anxiety and fear. In war films such as TaeGukGi: Brotherhood Of War (2003) and The Front Line (2011), gray shows a more intense brutality than the primary color. In sports films such as 4th Place (2015), Take Off (2009) and Forever The Moment (2007), gray expresses uncertainty and immaturity. Third, gray visualizes the historical memory of A Petal (1996), the oblivion in Oh! My Gran (2020) and Poetry (2010), and the reality of daydreaming Gagman (1988) and Dream (1990). At the boundary between imagination and reality, gray is a visual form of dreams, memories and forgetfulness.
Dir. Go, Yeongnam has made 110 film works during 40 years from the last of 1960's to the first of 2000's. He has the record for the most making films in Korean film world. His first film is melodrama (1964). But he makes literary picture genre film after (1977). He has made various genre film such as 47 melo films, 6 literary pictures, 3 comedy films, 22 action films, 21 anti-communism films, 1 war films, 8 detective films, 2 costume plays. This research discussed on Go, Yeongnam's activity in Korean film world and introduced his all films from the last of 1960's to the first of 2000's. In conclusion I arranged the essay of Go, Yeongnam's film world through analyzing the story of his all films.
Miss Pettigrew Lives for a Day, Winifred Watson's novel of 1938, is a fairytale in novel form. Set in London of 1938, the story revolves around a one-day adventure of an ill-starred but truthful governess who is granted a second chance. This light-hearted comedy of manners was turned into a film by director Bharat Nalluri in 2008. An Anglo-American collaboration, co-scripted by Simon Beaufoy and David McGee, the film converts Watson's quaint novel into an edged heritage piece that encapsulates the 1930s, the problematic decade between the two World Wars. The film, while sustaining the narrative core of Watson's Cinderella story, attempts to place it firmly within a wider current of the novel's setting or London in 1938, tapping into the major concerns of the interwar years that engage with characters in one way or another. Stylistically, the film presents Art Deco as a main visual idiom to convey the prevailing mood of nihilism and decadence of the day. The setting here takes on significance in that it offers a telling counterpoint to the giddy superficial world of the novel. The 1930s was a highly charged decade under the threat of fascism and the Great Depression, fraught with economic and socio-political tensions and apprehensions. The film makes an explicit reference to the dismal context which is suppressed in the original text. The thirties is, therefore, portrayed as a decade of contradiction. It features gay buoyant festivity, rampant consumerism, and shifting morals and attitudes towards love, marriage and sexuality. Yet lurking beneath the surface glamour are the symptoms of crises and the deep-seated anxieties on the eve of World War II. In this way, Watson's novel of manners has been recreated into a defining film on the 1930s with its period feel propped by the atmospheric lighting, the exuberant Jazz score, and the splendid Art Deco costume and production design.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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