• 기록학연구
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• 제52호
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• pp.213-240
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• 2017

카탈로그 레조네(catalogue raisonne)는 한 작가의 주요한 모든 작품를 목록화하여 작품과 관련된 학술적으로 중요한 기록정보를 기술한 예술가의 총체적 작품기록물로 정의 할 수 있다. 이러한 카탈로그 레조네는 전시 기획자 및 연구자들의 연구자료는 물론 작품의 진위여부를 가리는 기초적인 자료로 이용된다. 국내의 카탈로그 레조네의 제작은 시작단계에 있으나 국외의 경우 미술관련 기관과 작가의 재단이 주축이 되어 작가의 카탈로그 레조네의 활발한 제작을 진행해오고 있다. 카탈로그 레조네는 작품과 관련된 정보에 대한 기술이 무엇보다 중요한 요소이다. 이러한 카탈로그 레조네의 기술요소는 작가의 작품 및 작업의 특성에 따라 각양각색으로 나타날 수 밖에 없다. 이에 국외에서 출판된 작가의 카탈로그 레조네의 사례를 분석하여 카탈로그 레조네가 가지는 특성 및 기술요소에 대해 상세히 살펴보고, 이를 국내 작가들의 권위있는 카탈로그 레조네의 활발한 제작에 기여하고자 한다.

• 기록학연구
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• 제55호
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• pp.73-96
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• 2018

본 논문은 앤디 워홀(Andy Warhol, 1928-1987)의 작품 시리즈를 통해 예술가의 개인기록 집적이 갖는 기록학적 특성과 가치에 관한 연구이다. 앤디 워홀의 은 개인의 일상기록인 동시에 예술작품으로도 평가할 수 있어 연구할 가치가 높다. 앤디 워홀은 1974년부터 사망할 때까지 자신이 생산하거나 수집한 물건 대부분을 상자에 넣어 보관하였다. 워홀은 개인적인 기록부터 물건 구매 영수증, 초대장, 메모, 편지, 목소리가 녹음된 테이프, 신문, 잡지, 팬레터, 우편물, 전시 도록 등을 상자에 넣었고, 시간이 지나면 테이프로 봉인한 뒤 날짜를 표기하는 행위를 반복하였다. 앤디 워홀의 수집 행위는 작가의 삶을 관통해 반복적으로 지속되었다. 때로는 기록 생산자로서 자신이 만났던 사람들이나 구입한 책의 목록, 관람한 영화 등 일상에서 무수히 반복되는 행위를 끊임없이 기록하였고, 때로는 아키비스트의 자세로 타인의 기록을 수집하고 정리하는 모습을 보였다. 이처럼 앤디 워홀은 다른 사람에게는 가치가 없는 행위와 정보도 특별히 여겨 자신은 물론 주변을 기록하는 데 집착하고 애정을 드러 내었다. 앤디 워홀이 의도적으로 생산하거나 수집한 기록은 작가 개인뿐 아니라 주변인, 나아가 사회 전반을 파악하는 정보를 지니기에 매우 중요한 정보적, 증거적 가치를 갖고 있으며, 동시에 작품으로 승화되었다. 이처럼 여러 가치를 지닌 기록물은 다층적인 관계를 이해하고 연구할 수 있는 자료가 된다. 또 기록의 행위와 결과가 기록이라는 결과물로만 존재하는 것이 아니라, 예술적 가치를 인정받아 작품으로도 평가받을 수 있다는 점을 잘 보여주는 사례라고 할 수 있다.

• 지역과문화
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• 제6권3호
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• pp.29-53
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• 2019

한국사회에서 여성예술인은 성불평등한 구조와 문화뿐만 아니라 역사적으로 부과된 여성예술가에 대한 왜곡된 대중적 인식이라는 이중고를 겪고 있다. 평상시에는 드러나지 않았던 이러한 인식은 문화예술계의 미투(metoo) 운동에서 성폭력의 피해자를 대하는 이차 가해의 행위를 통해 확인된 바 있다. 특별히 전통예술분야에서의 여성예술인에 대한 인식은 식민지 시대와 해방 이후 근대화 시기를 기점으로 수립된 음악정책의 특성으로 인하여 그 지위가 더 저급화되는 결과를 낳았기 때문이기도 하다. 여악, 여기, 기생 등의 다양한 명칭으로 불렸던 조선시대의 여성 예술인들은 그 시대의 권력이 생산하는 지식의 장에서 그 정체성 및 역할과 기능이 만들어졌는데 다차원적인 담론의 층위 중 섹슈얼리티에 관련되는 부분만이 지속적으로 현재까지 영향을 미치고 있다. 본 논문은 젠더적 분석 없는 전통예술지원정책이 조래할 수 있는 위험(성폭력이 용이한 구조의 지속 등)을 인식하는 가운데 여성예술인이 관련된 정책 담론의 계보를 확인하여 보다 적실성 있는 정책대안을 도출할 수 있는 지식생산을 목적으로 한다. 그 첫 단계로서 여성국악인을 둘러싼 조선시대의 담론을 분석한다. 분석의 결과 여악을 둘러싼 담론은 정치철학적 차원, 음악이론적 차원, 그리고 사회문화적 차원으로 나눌 수 있었다. 이들 중 어떤 차원이 지속성을 유지하게 되는가는 다음 단계의 연구과제로 남겨둔다.

• 한국기록관리학회지
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• 제24권1호
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• pp.231-256
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• 2024

이 연구는 국내 동시대 미술작가들을 대상으로 개인기록의 생산 및 관리 현황을 조사하고 이를 토대로 교육 등 작가들의 작품활동 기록화에 필요한 지원 방안을 제안하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 첫째, 동시대 미술에서 작품활동 기록화의 중요성과 이를 위한 지원 동향을 문헌 연구를 통해 정리하였다. 둘째, 다양한 형식과 매체를 활용하는 동시대 미술작가 6명에 대한 인터뷰를 실시하였다. 인터뷰를 통해 작품활동 과정별로 기록 생산 현황을 조사하였고, 기록유형별로 관리실태를 조사하였다. 셋째, 조사 내용에 대한 분석을 토대로 작가, 미술관, 아키비스트 등이 작품 기록화를 위하여 협력, 지원해야 할 사항을 제안하였다. 지원 영역은 교육프로그램의 제공, 미술관의 작품활동 기록화, 기록화를 위한 도구 개발 및 지원으로 구분하였다.

• 기록학연구
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• 제80호
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• pp.197-232
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• 2024

이 연구는 미술계에 확산하고 있는 아카이브 아트를 이해하고, 이를 통해서 기록을 새롭게 바라보기 위한 것이다. 아카이브 아트는 기록을 표현 매체로 활용해서 이루어지는 미술 창작과 전시 행위를 일컫는다. 아카이브 아트는 동시대 미술의 한 경향을 형성하면서 전시와 작품 창작의 방법으로 주목받고 있다. 아카이브 아트는 개념미술의 대두에서 비롯된 미술 창작 방법의 변화, 사진을 비롯한 미디어의 발전과 디지털 기술의 약진, 푸코와 데리다의 아카이브에 대한 담론의 영향 속에서 태동하였다. 1920년대 사진미학에서 비롯된 아카이브와 미술의 만남은 개념미술과 디지털 기술 그리고 포스트모더니즘의 확산에 힘입어서 1990년대에는 동시대 미술의 아카이브 전환을 불러왔다. 아카이브 아트는 전통적인 미술 창작 방법을 전복하는 것뿐만 아니라, 근대적 아카이브를 비롯한 사회제도에 대한 비판과 해체를 포함하고 있다. 아카이브 아트는 작가의 의도에 따라 기록을 재배열하고, 재구성하고, 심지어 사실이 아닌 허구까지 수용한다. 아카이브 아트에서의 기록의 본질은 과거의 재현이 아니라 현재의 필요에 대한 표현이다. 아카이브 아트의 기록의 활용 방식은 기록학에서의 기록의 개념을 뒤흔들면서, 법적, 행정적 가치뿐만 아니라 미학적 가치를 지닌 대상으로서 기록을 새롭게 바라볼 것을 요구하고 있다.

• 역사민속학
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• 제28호
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• pp.113-142
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• 2008

본고는 옥소 권섭의 문집인 "옥소고"에 실린 몽화와 관련한 자료를 검토함으로써 선행연구의 잘못을 바로잡고 몽화의 제작과 관련된 제반 문제를 이해하는 데에 목적을 두었다. 그 내용을 요약하면 다음과 같다. 먼저 몽화의 현황을 살펴보면 몽화는 옥소의 필사본 문집인 "옥소고" 중 제천본에 56점, 문경본에 47점이 실려 있다. 그리고 몽화에 기록된 꿈은 옥소의 나이 50대 후반부터 70대 사이에 집중되어 있다. 그리고 몽화는 평양 출신의 화가인 조세걸과 권섭의 아우인 권영, 권섭의 손자인 권신응 등 최소 3인 이상이 그린 것으로 보인다. 이중 조세걸은 1695년에 해도별서<(海島別墅)>를 그렸으며, 권영은 1696년의 꿈인 백옥계<(白玉溪)>를 그리는 것으로부터 시작하여 1743년까지 계속하여 몽화를 그렸다. 그리고 권신응은 1743년, 16세의 나이에 몽화를 그리기 시작하였다. 기승첩(奇勝帖), 혹은 몽화첩의 제작은 다음과 같은 방식으로 이루어졌다. 먼저 꿈을 꾼 뒤에는 옥소가 그 꿈을 글이나 시로 기록한다. 그리고 이를 가지고 꿈속에서 같이 놀았던 사람에게 화답시를 얻는다. 마지막으로 화가를 시켜 꿈 속 광경을 그리게 한 뒤, 글과 그림을 엮어 그림첩으로 만든다.

• 헤리티지:역사와 과학
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• 제51권4호
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• pp.4-23
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• 2018

서병오(徐丙五, 1862-1936)는 서구적 '미술' 개념의 도입으로 일본화 내지 서양화로 기울던 일제강점기 시서화일치의 대구 문인화단이 형성되는데 중추적인 역할을 하였다. 그는 1879년 이하응(李昰應, 1820-1898)과의 만남을 계기로 서화계에 입문하였으나, 문인화가로 본격적인 활동을 시작한 것은 1910년 경술국치 이후부터이다. 그의 예술세계는 세 시기로 구분되며, 학습기인 1879년부터 1897년까지는 관직 진출을 목표로 하였던 때문인지 중국 화보를 임모하거나 이하응의 영향 아래 사군자화를 여가에 그리는 정도였다. 발전기는 1898년부터 1920년까지로 그는 애국계몽운동 등 사회적 지도자로 활동하다 1910년 경술국치 이후 삶의 방향을 문인화가로 전환하였다. 그리고 두 번째 중국 여행에서 다시 만난 민영익(閔泳翊, 1860-1914)의 운미란과 포화(蒲華, 1830-1911)의 묵죽법을 근간으로 새로운 화풍을 적극 모색함과 동시에 산수, 화훼, 기명절지 등의 화목도 다루었다. 완숙기인 1921년부터 1936년까지는 대구와 한양을 오가며 근대 한국 화단의 서화가로 왕성하게 활동하였으며, 묵란과 묵죽에서 윤묵의 호방한 필법을 특징으로 하는 개성적 화풍을 완성하였다. 특히 학습기의 경우 관련 기록이나 현전작품이 드물어 서병오의 창작활동이나 화풍 등에 관한 것은 추론의 수준을 벗어나지 못하고 있다. 이와 관련해 본고에서 집중적으로 분석한 서병오의 1889년작 난석죽도 11점은 학습기의 화풍 연원이나 수준을 가늠할 수 있는 중요한 단서라는 점에서 주목된다. 1889년작 난죽석도 가운데 묵란도는, 이하응이 1882년 7월 청군에 의해 체포되기 이전에 그린 초기 군란도와 석란도에서 영향 받았다는 사실을 확인하였다. 묵죽도는 한양에 널리 알려진 양주화파 정섭(鄭燮, 1693-1765)과 김정희의 제자 허련(許鍊, 1809-1892)의 화법을 수용했을 뿐만 아니라 이하응의 석란도 형식을 응용하여 변화를 시도했던 것으로 보인다. 괴석도의 경우 직접적인 관련성은 찾지 못하였으나, 19세기 후반 청나라의 괴석화가 주당(周棠, 1806-1876)과 여항화가 정학교(丁學敎, 1832-1914) 등에게 영향을 받았던 것으로 판단된다. 결론적으로 서병오의 1889년작 난죽석도는 학습기에 그려진 것으로 운현궁을 찾았던 허련과 정학교 같은 동시기 화가들이나, 한양에 작품이 유입되었던 정섭과 주당 등의 중국 작품을 실견하며 이들의 화풍을 수용하였다는 사실을 알려준다.

• 미술이론과 현장
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• 제14호
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• pp.125-158
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• 2012

After liberation from Japanese colonial rule in 1945, there was the three-year period of United States Army Military Government in Korea. In 1948, Democratic People's Republic of Korea, and Republic of Korea were established in the north and south of the Korean Peninsula. The Republic of Korea is now a modern state set in the southern part of the Korean. We usually refer to Koreans as people who belong to the Republic of Korea. Can we say that is true exactly? Why make of this an obsolete question? The period from 1945 when Korea was emancipated from Japanese colonial rule to 1948 when the Republic of Korea was established has not been a focus of modern Korean history. This three years remains empty in Korean history and makes the concept of 'Korean' we usually consider ambiguous, and prompts careful attention to the silence of 'some Koreans' forced to live against their will in the blurred boundaries between nation and people. This dissertation regards 'Koreans' who came to live in the border of nations, especially 'Korean-Japanese third generation women artists'who are marginalized both Japan and Korea. It questions the category of 'Korean women's art' that has so far been considered, based on the concept of territory, and presents a new perspective for viewing 'Korean women's art'. Almost no study on Korean-Japanese women's art has been conducted, based on research on Korean diaspora, and no systematic historical records exist. Even data-collection is limited due to the political situation of South and North in confrontation. Representation of the Mother Country on the Artworks by First and Second-Generation Korean-Japanese(Zainich) Women Artists after Liberation since 1945 was published in 2011 is the only dissertation in which Korean-Japanese women artists, and early artistic activities. That research is based on press releases and interviews obtained through Japan. This thesis concentrates on the world of Korean-Japanese third generation women artists such as Kim Jung-sook, Kim Ae-soon, and Han Sung-nam, permanent residents in Japan who still have Korean nationality. The three Korean-Japanese third generation women artists whose art world is reviewed in this thesis would like to reveal their voices as minorities in Japan and Korea, resisting power and the universal concepts of nation, people and identity. Questioning the general notions of 'Korean women' and 'Korean women's art'considered within the Korean Peninsula, they explore their identity as Korean women outside the Korean territory from a post-territorial perspective and have a new understanding of the minority's diversity and difference through their eyes as marginal women living outside the mainstream of Korean and Japanese society. This is associated with recent post-colonial critical viewpoints reconsidering myths of universalism and transcendental aesthetic measures. In the 1980s and 1990s art museums and galleries in New York tried a critical shift in aesthetic discourse on contemporary art history, analyzed how power relationships among such elements as gender, sexuality, race, nationalism. Ghost of Ethnicity: Rethinking Art Discourses of the 1940s and 1980s by Lisa Bloom is an obvious presentation about the post-colonial discourse. Lisa Bloom rethinks the diversity of race, ethnicity, sexuality, and gender each artist and critic has, she began a new discussion on artists who were anti-establishment artists alienated by mainstream society. As migration rapidly increased through globalism lead by the United States the aspects of diaspora experience emerges as critical issues in interpreting contemporary culture. As a new concept of art with hybrid cultural backgrounds exists, each artist's cultural identity and specificity should be viewed and interpreted in a sociopolitical context. A criticism started considering the distinct characteristics of each individual's historical experience and cultural identity, and paying attention to experience of the third world artist, especially women artists, confronting the power of modernist discourses from a perspective of the white male subject. Considering recent international contemporary art, the Korean-Japanese third generation women artists who clarify their cultural identity as minority living in the border between Korea and Japan may present a new direction for contemporary Korean art. Their art world derives from their diaspora experience on colonial trauma historically. Their works made us to see that it is also associated with postcolonial critical perspective in the recent contemporary art stream. And it reminds us of rethinking the diversity of the minority living outside mainstream society. Thus, this should be considered as one of the features in the context of Korean women's art.

• 대한가정학회지
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• 제40권6호
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• pp.1-19
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• 2002

This study is to observe the meaning, aesthetic formative nature of the human body which has been not only a main issue and discussion object but also socially, culturally connected with clothing by contemplating it in the respect of the trend of art. Additionally, a work of contemplation about human body introduced to fashion design was analyzed to renew the meaning and value of the formative art inside the human body. The way and scope of this study is to contemplate the concept and meaning of human body, based on the documentary records such as art history and clothing history in the West society as a main theme. The results of the analysis were as follows: In the first place, the formative characteristics shown in the modem arts expressing the human body since 1990 which are cubism, futurism, metaphysical painting, dadaism, surrealism, pop art, happening, feminism, body art, and technology art are distortion, exaggeration and dismantling. Second, the aesthetic formative nature and meaning in the human body appear to be different according to the standard of ideal beauty of human body when we examine the expression of it from the aspect of art-history and the meaning of human body implied in it. Besides, human body is being used as a messenger which delivers the message of modem artist to other people. So the changed meaning of human body has affected the clothing and made it possible to manufacture and form new styles of clothing that have never been before. In conclusion, the human body in the modem era plays an important role as a brand-new formative medium of communication in the human society and contributes to the development which applies the aesthetic formative nature of the human body to fashion design.

• 한국지역사회생활과학회지
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• 제15권1호
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• pp.17-26
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• 2004

Not much is known about Korean clothes from past centuries. Fortunately, we are able to make some inferences based on various sources of data other than the actual clothes themselves. Historical records such as Kim Hong-do's Pungsokhwa Pieces, well known to us, vividly depict features of the costume and the lifestyle of his time along with contemporary Korean humor and atmosphere. Kim Hong-do is the artist who, having accomplished pictorial refinement, recognized social change and took this into his artistic world late in the 18th century. The ruling classes, in contrast, tended to adhere to anachronistic medieval philosophies in a gradually changing society. In this study, Kim Hong-do's Pungsokhwachop, Treasure No. 527, preserved in the National Museum of Korea, was viewed from a new perspective, and it was discovered to have assorted the costume and culture of ordinary people according to their life styles. Fourteen of the pieces depicted how common citizens made their living, three described love affairs, five depicted people at play, md the rest showed elements of education, wedding ceremonies, and shamanism, respectively. Various types of clothing were observed reflecting the life styles of ordinary people, and a somewhat bold exposure of body was noticed in women's fashion in the late Chosun Dynasty. They chose clothing as they pleased to fit their jobs and functions, which produced elegant self-regulation and creativity based on practical beauty. A hat - yet to be found as a relic - appeared in Blacksmith's Workshop, and revealed the changing social customs of the late Chosun Dynasty in the 18th century. It is hoped that the results of this study will serve as a valuable reference point for the globalization of Korean clothes.