The paper examined whether the fine arts education needed concept of 'Yu' that was suggested by, 'Soyoyu' of Jangja, a representative philosopher of Doka. At first, the paper defined concept of 'Yu' of Jangja as well as background and needs of the fine arts education, and investigated values of 'Yu' of the Oriental painting in aesthetic way to examine whether today's Yu concept can be applied to modern Oriental fine arts education to express. Chapter 2 examined concept and thought of 'strolling (Yu)', and Chapter 3 did background and needs of the fine arts education. Chapter 4 examined an access to practical technique education of the Oriental painting through 'strolling (Yu)': At first, the chapter investigated 'Heosil' of space concept that was researched at Chapter 2, 'Pilmuk' of expression technique, and 'Saeui' of state of spiritual canvas of painters. The findings were as follow: Firstly, when relation between Yu and Oriental paintings was investigated based on formative idea, 'Heo' reminded appreciators of association of ideas, hint and imagination, etc by, 'Sil' that other objects disclosed intrinsic attributes so that it indicated border of positive forgetfulness expressed by artists to have same border between 'Heo' and 'Yu'. Therefore, both 'Heo' and 'Sil' could build up expression as well as appreciation ability by experiencing formative idea to develop creativity and to build emotion and to cognize needs of the fine arts education. Secondly, the artistic state of 'Shin', 'Ki (Simjae)', 'Jeonshin' and, Saeui', etc could be expressed with strength and weakness of both Yin and Yang of Pilmuk. Therefore, the Pilmuk were linked even with creation of both Hyeongsa and artistic form of Saeui. Therefore, freedom at border of spiritual 'strolling' could produce creative power being expressed by thinking, natural appreciation ability, and education that could judge values of aesthetic culture. Therefore, cultivation of aesthetic eye, development of creativity, build up of formative ability and education of human nature, etc could keep identity of the Oriental fine arts education at various modern fine arts.
The purpose of this study is to analyze the historical background and characteristics of pop art style and motif expressions in the works of artists by analyzing the theoretical study of pop art and analyze how the expression characteristics are applied to ceramic works. As a result of the analysis of the work, various images of everyday objects in popular culture are expressed in various ways such as bright and colorful colors, silk screen, lettering, photo montage, cartoon expression, object, collage, decoupage, It is believed that the art of ceramics will be created as a creative work that reinterprets the artistic value rather than reproducing the art based on the technique of pop art. I look forward to the development.
Journal of the Korean Society of Floral Art and Design
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no.44
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pp.101-121
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2021
The flower, a symbol of beauty representing beauty, exists as an aesthetic object throughout the history of mankind, and is one of the motifs most often used in plastic art. In this way, flower art is an art that embodies a form based on the theme of flowers. The flowers played a role in expressing human happiness and love by harmonizing beautifully with each other in shape and color. The flower pattern containing this symbolism is beautiful and excellent in decoration, and is applied not only to household goods, but also to art and fashion. The flower pattern is the most preferred pattern among patterns, and it is widely used regardless of the four seasons by changing the color according to the color and flowering time, and it is effective in stimulating the symbolism and psychological sense of humans, so it is used in design in various fields. In this study, the flower pattern, which is a symbol of beauty representing beauty and the motif of art, has been traditionally used in Korea, and is still loved in fashion and art even in modern times. We hoped to be active, and through this study, we tried to develop our own unique flower pattern and lay the groundwork for it to be commercialized.
Eclecticism, fusing and mixing heterogeneous and contrasting elements to create a new awareness of beauty, is based on diversity and pluralism, and as such fits well with the demand of the contemporaries who pursue individualization and diversification, which explains the current vogue for Eclecticism. As a precondition to grasp eclectic styles that are expressed in modern textile design, this study looks into the characteristics of eclecticism in modern art and applies the insight so gained to textile design in an attempt to understand transformations of modern textile design by considering the aesthetic effects and plastic characteristics suggested by the new trend. The result of our research indicates that the trends that characterize modern textile design can be divided into three categories as follows: 1) Mixing of high culture and low culture through cultural fusion, 2) Fusion of differing sensitivities through blending of times, 3) Blending of regional characteristics through geographical mixing. Characteristics of textile designs as influenced by these trends can be summarized as: 1) a conversion in the way textile designs are viewed, 2) increasing emphasis on the playfulness of representation and 3) multi-cultural expressions. In short, eclecticism of textile design represents a phase of modern society that is increasingly oriented toward multifacetedness and points to a direction for a new possibility of future textile designs, necessitating a continuous research along this line.
The politics penetrating through the contemporary art since modernism to postmodernism is to accomplish the 'Non-representation' in the artworks. This study argues that postmodernism did not put an end to the formalistic feature of modernism but intended to accomplish it. Modernist art aimed at purity, i.e. self-referential and self-definition art advocated by Clement Greenberg, and it carne to the end by accomplishing flatness and materiality. It was an 'evasion to the matter' which allocated the object from visuality of outer object to the psychic image of the subject. It failed being 'non-representational' as what it really achieved was transition of object. Jean Baudrillard's theory tried to overcome the representational quality by 'being simulacre'. In the representative artworks of the past, the meaning of artworks was reverted under the outer context or object. The meaning again failed being 'Non-representational' as it was restored to the psychic image of the subject in modernist artworks where the definite illusion was demolished Meanwhile, artwork advocating simulacre acquired Non-representational quality by liberating from both models. It did not deconstruct the self-referential tendency of modernism but maximized the Non-representational modernistic principle. After creating 'Non-representation' through simulacre, the existential status and function of an artwork is the inclination and moral of contemporary art as 'Non-representation'. The image theory of Henri Bergson sets the existential status of 'image' as it does not belong to either subject nor object. It provides significant foundation for arguing the existential status of simulacre. Moreover, though an artwork as a fragment forming a movement image in the world cannot represent the object, it can however sustain certain kind of fractal resemblance with the world by letting the two parties communicate. The theory of sense by Gilles Deleuze is of profound significance as it specifically indicated way how the stage of absorption through the unity of subject and object is realized in forms of artworks, and configured the latent and invisible energy.
Discovered as designer of own ski loths by American potographer Toni Frissell, !n 1947; designed ski wear for Lord '||'&'||' Taylor store in New York follewing year. He opened a shop on Capri in 1949 and in 1950 he founded "Emilio", his couture house. His fortune was simple silk jersey chemises and very strong prints using bold colour in abstract patterns. A pucci print was immediately recognizable and, although often based on medieval heraldic banners of the sort waved at the "Siena Palio", so utterly of the moment that it could be taken as a classic symbol of the late 1950s and early 1960s. He was a brilliant colourist and his colours became the colours of the decade: hot pink, lime blue, purple. He seemed able to capture the sun and fun of Italy in his print and, along with Galitzine, he can take the credit for creating the concept of relaxed, informal elegance in Italian faslion.ian faslion.
The purpose of the present study is to explore the possibility of computer graphics as a new expression tool for high-grade elementary students' poster making by suggesting specific teaching-learning methods focused on expression using computer graphics to make posters in Unit 9 'Designing Notices' for 6th-grade elementary students. Through this study, we confirmed various possibilities of computer graphics as a new medium for art education and particularly its possibility for children's creative expression activities in expressing images hard to express with paper and brush and applying desired colors to the picture. The use of computer graphics as a new paradigm of art education in the 21st century is expected to contribute to the improvement of diversified visual literacy. Thus, art class in school education needs to take an active attitude in intrdoducing various multimedia.
The purpose of this thesis is to study about destructive method in late twentieth Century Paintings. To do this we will consider the examples of Frank Stella and Anselm Kiefer's expressive methods. And this thesis is designed to investigate the change of the two Modes. The centering change is in the destructive manner of them, and they are traced systematically. In these chapters we will study the procedure of the destruction and specification of the Modes; the subject which contains the special element, the relation between it and the artist's willful meaning, morphological specification, symbol system formative language, subject, material and coloring way. etc. The origin of the methodology is systematically studied and the procedures of the content applicated are considered. In the special characteristics of the methodology, the special feactures it contains will be considered. The basis of the deconstructive idea from Nietsche, Derrida, Saussire, Andrew Benjamin and others will be applied to understand the two Modes of artistic methodology, and whether or not they can be tools of explaining the methodology of our time is distinguished. Next, the methodologically founded contents and concepts from Chapter#2 are related and intertwined together. The outer destructive aspect and inner destructive specification are centrally uncovered by the Interpretation. The resulting background of the Mode, the factor of destruction and central concept, along with the works, applied ideas, and pre-scholar's writings, are conjoined and explained. The characteristics of S Mode are revealed as being similar to those of Vandalic Destruction and Baroque formalistic Style, while K Mode is closely related to Iconoclastic Destruction and Neoclassical Antiformal Style.
The purpose of this study is to review the influence of 3D printing technology on the formability and artistic value of ceramic works through a theoretical review of 3D printing technology and a case study of ceramic works that incorporate them creatively. Thus, the following conclusions were drawn from the analysis of the ceramic works of seven artists and two design teams. First, digital production that incorporates 3D printing technology into works can be applied to data applications and changes, unlike the existing manual methods, and the artist's unique creative artwork is possible. Second, a new paradigm has emerged that expresses the new material, method, advanced digital technology, and more stereoscopic and colorful sculptures out of the traditional ceramic concepts. In the future, I hope to find new methodology that meets the developing digital technology through continuous research and utilization of 3D printing and realizing new value of ceramic design.
Das ursprngliche menshiche Verlangen nach Erotik hatte trotz der Unterdruckung und des Verbots seit der Anfang der Zeit bis heute stets das menschliche Interesse auf sich gezogen. Diese Erotik drckte nicht nur die knstlerische Handlung aus, sondern sie hat auch eine enge Beziehung zur kubischen Darstellung von Mode. Sie beschreibt die innere menschliche Welt und ist der Motor der individuellen Mode. Die Erotik entsteht wesentlich aus der Tiefe der menschlichen Psyche, ist sowohl erzeugende und starke schpferische Krfte als auch der Antrieb zur Annhrung der unsterblichen Welt. Darberhinaus ist sie auch der Wunsch jedes Individums, sich selbst zu entdecken. Diese Erotik beruht sich in unserem Unterbewutsein und Sie bricht nur dann aus, wenn der Mensch von der rtselhaften Leidenschaft beherrscht wird. Dardurch werden gewisse Krfte frei und sie motivieren den Menschen durch verschieden knstlerische Darstellung diese Erotik auszudrcken. Dieser ganz natrliche Ausdruck menschlicher Begierde wurde durch Kleidung nach Auen signalisiert. Damit drckte der Mensch seine Individualitt aus, und versuchte sich den anderen gegenber so reizvoll wie mglich zu zeigen und wirkte sehr anziehend. Schlilich hat er sich als Sex-Appeal zur Schau gestellt. Solches menschliche Sehnsucht nach Erotik wurde seit dem Altertum bis heute durch verschiedene erotische Kieidungen zum Ausdruck gerbracht.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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