Since the early 20th century photo based art and effort to creative experiment, to pursue the essence of creation to escape from stereotypes between form and media, expression and technology, has been continued persistently. Photomontage was born as an artistic attempt for the new representation. Basically photomontage is configured to visually emphasize the message as a work to produce new meaning by combining the various images that are intentionally selected. The photomontage as a visual art, dialectic of text and image that is to pursue a new format to be out the concept already existing, have been developed, the concept is similar to the modern multiple art. The value of photo montage is to explore of the photo, not limited to describe or reproduce as a deformation, the new possibilities for creative expression and the experience of the day-to-day operation for the implementation of the scheme.
A semiotic approach to modem visual arts has emerged since French post-structuralism was introduced to Anglo -American academics by "deconstruction" or "postmodemi sm." It views a work of art as a sign, which is its math odical assumption and, at the same time, makes its appli cation more accessible. In the milieu of modem visual arts' effort to be intimate with general audience, modem art photography is now fared with the request to be a familar and universal domain, instead of being left only in photo books as artistic and academic achievements. More specifically, various photo images puter graphics to such megaexhibitions as "Gwangju Biennale,. "Media City Seo ul," and "Pusan International Art Festival," are main objects of study. A coherent and scientific analysis of visual semitotics is still on the way, however, it is an urgent task how to read and interpret a photo image with multiple meanings. This study argues that visual seniotics can be a powerful tool to enhance the understanding of art photography. After all, seniotics is a product of age; we live in the age of legibility, that is, of reading the work of art well as the social events and phenomena. art well as the social events and phenomena.
산업 전반에 걸친 활발한 디지털로의 진전은 영상산업의 전통적인 방법을 변화시키며 새로운 형태로 발전하고 있다. 이러한 영상산업의 발전 중에서도 모션그래픽(Motion graphic)의 활용도와 중요성은 비약적으로 발전하고 있다. 컴퓨터 그래픽은 그 짧은 기간의 역사에도 불구하고 다른 예술분야의 특성을 차용하여 예술의 한 장르로 빠르게 진화하고 있다. 특히 빠른 시간 발전하는 국내의 미디어 환경 속에서 모션그래픽은 전통적인 디자인 영역과 새로운 영역의 디자인에서도 모두 관심을 모으는 부분일 것이다. 짧은 시간 동안 모션그래픽은 영화, 광고, 뮤직비디오, TV, web 등의 모든 분야에서 활용되는 매체로 성장하였다. 그러나 이러한 장르로서의 모션그래픽이 등장한 시점은 얼마 되지 않았으며, 디자이너들이 이러한 영상에 자유로운 기법이나 실험성을 가지게 된 것도 극히 최근의 일이다. 이에 본 논문의 목적은 이러한 발전하는 디지털기반의 영상 제작 환경에서 영상의 한 요소로써의 모션 그래픽의 기본적 요소를 고찰함으로, 이 개념을 정립하려고 한다. 그 요소로는 공간, 모션 그래픽의 객체들의 시간개념과 움직임, 색체와 사운드를 규정하고, 이를 여러 디지털적인 환경에서 규정한다.
This study attempted to analyze the effect of the color series of artworks installed as environmental stimuli in commercial spaces on the satisfaction of visitors and the moderating effect of the relationship. To this end, based on the SOR model of Stimulate-Organism-Response applied to burial environment research in the field of environmental psychology, and the preceding research using the SOR model, artwork color series(S)-mood and spaace amenity(O)-A research framework for satisfaction(R) was developed. In the experiment, an online questionnaire was conducted for domestic college students and graduate students by producing images with two conditions depending on the case where warm colors and cold colors were installed for the color series of artworks. As a result of verifying the difference in satisfaction of respondents corresponding to the two conditions through regression analysis, it was found that the warm color(vs. cold color) of the artwork color series induces higher visitor satisfaction. In addition, as a result of verifying the controlling factors of mood and space amenity variables in this relationship of influence, a significant moderating effect was found when the positive mood of warm colors(vs. cold colors) in the artwork color series was felt higher than the average. And, of the four types of space amenity, it was found that a significant moderating effect appeared when only comfort and aesthetics were measured as moderating variables. The result of this study proves that the warm color series of artworks that stimulate the physical environment of commercial spaces has a more positive effect on the satisfaction of visitors than the cold color series, and this is reinforced by positive mood, comfort, and aesthetics. It adds understanding and provides useful implications for marketing strategies for building an effective spatial image.
This study, which works to develop a method of focusing on A Quiet Dream by Zhang Lu, explored the structural differences of films and the changes in Zhang Lu's aim and perspective as noted in films, by a review to grasp his internal changes in texts and contextual factors. In A Quiet Dream, Zhang Lu made a filmic attempt that had never been made in the world of films prior to that date. He tried an aesthetic experiment on how films could reorganize the world, by using the effect of obscuring the boundary between reality and dream in films and generating a new narrative regarding filmic reality, actual reality, and the life and artistic truth of the Diaspora. Generally speaking, the changes in the narrative in A Quiet Dream seem to be his resistance against himself and the Diaspora. Thus, in the discussion about A Quiet Dream, relying on the external factors intervening in the relationship between the subject of creation and films is not a useful endeavor at this time. Consequently, it is noted that after settling down in Korea, Zhang Lu could directly approach the changes in the cultural position of films in multilayered ways, where films were the most dynamic part of his life. Due to the changes in the Diaspora, he could obscure the boundary for the first time in the world of films and experiment with how films could escape develop an interesting perspective that deviated from reality, and made a new goal to show new ideas regarding the individual's awareness of the world.
The purpose of this thesis is to look through the political and social background of China preparing for a new era after getting out of the Communist Party of Mao Zedong, rapid inflow of the Western modernism and the avant-garde art arising in China with the focus of art works of Xu Bing, which contributed to the expansion of printmaking of China. Particularly, 85 New Wave Movement arose by young artists since 1985 and the China/Avant-Garde Exhibition held in Beijing in 1989 are the two important issues which reflect a new change from the traditional Chinese art. The artists of 85 New Wave Movement, who pursued a historical revolution and novelty, worked very actively by leading private exhibitions. Since the Cultural Revolution, the government owned the National Museum of Fine Art Beijing had exhibitions on a large scale displaying various visual arts such as performing art, installation, painting, sculpture but the Chinese government interrupted exhibitions two time due to bold performing art and unconcealed installation. Some artists were even taken to the police when performing art. Under these circumstances, Xu Bing, who majored printmaking, produced one of his major works, Books from the sky(1988), while he was working on various experiments focusing on the production process of printmaking and its repetitiveness. Xu Bing devised letters, carved them in trees and finally created approximately 2000 characters. Going further he displayed it as installation work, which means the developed characters go beyond a printed form, for audiences. This made him earn favorable reviews since it was a form of western art coupled with Chinese contents 'Chinese character'. After he received unfavorable reviews, however, he went to America leaving his last work in China, Ghost Pounding the Wall, in 1990, which was not able to exhibited. In those days, China society was going through a chaotic era thanks to the extinction of the Cultural Revolution and Deng Xiaoping's(1904-1997) reformation after the debacle of Tiananmen Massacre. This study looks into Xu Bing's artworks from his initial print works until he went to the US in 1991 and examines how he performed experiments utilizing reproductivity and plurality of prints tinged with Chinese traditional elements, and ultimately became one of the avant-garde artists representing the period.
The aim of this study is to shed light on essentials of Suprematist artists focusing on Malevich and their works in relation to modem design, and to examine their roles in the modem design industry compared to those of modem designers. The study obtains the following result on Suprematist artists and their works in Russian avant-garde in terms of modem design. Firstly, Suprematist artists had a great deal of interest in practical design although it seemed Suprematist were replaced by utilitarianism in avant-garde during the Russian revolution. Secondly, Suprematist artists were the first artists to bring the birth of modem design trends by applying their art in geometric forms to clothing and fabric design as well as ornaments and handicraft. Thirdly, the artists' attempt to work with needle workers made it possible to set achievements in design and modem decorative art exhibitions in various fields of art-life. As for the role of modem designers, Suprematist artists including Malevich have significant meanings as follows: Firstly, Malevich was a creative, future-oriented artistic designer who realized zaum of painting on the stage and created suprematistic mode in a cosmic point of view in order to agree with the environment. Secondly, Suprematist artists knew the importance of works that were produced by craftsmen and worked together with them. Therefore, the designers could maintain fabric decoration in difficult conditions knowing the importance of the high value-added industry. Thirdly, they were artists in real life who embodied the ideas and theories of Suprematist in sample works by recognizing the need of changes in life environment: they planned to set a new visual world in art but did not confine the idea only to painting.
This paper historically sheds the new lights on the artistic worth and achievement of abstract animation in the animation genre, and presents the contemporary significance and importance of abstract animation through the study on the avant-garde characteristic and the works of abstract animation artist, including Mirai Mizue. Though abstract animation which is artists' experimental work dealing with speed and movement of image has an essential role for the development of modern visual culture and animation, it is losing meaning and value because of the commercialism and capitalism of digital contents industry. Therefore, this paper first presents that the study of experimental animation like abstract animation contributes to the diversification and improvement of digital contents industry then it discusses the effect on the contemporary digital contents industries, next analyze the historical development and comtemporary evolution of abstract animation, which is diversified from modernism to contemporary art, and finally discuss the experimental feature and expression of abstract animation.
Hyeongrae Cho;Ilsik Chang;Hyunseok Kang;Youngchan Go;Gooman Park
Journal of Broadcast Engineering
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v.28
no.1
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pp.109-123
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2023
Deep learning has made rapid progress in recent years and is affecting various fields and industries. The art field cannot be an exception, and in this paper, we would like to explore and experiment and analyze research fields that creatively generate 2D images in 3D from a visual arts and engineering perspective. To this end, the original image of the domestic artist is learned through GAN or Diffusion Models, and then converted into 3D using 3D conversion software and deep learning. And we compare the results with prior algorithms. After that, we will analyze the problems and improvements of 2D to 3D creative generation.
In this thesis, the movie with mise-en-scene established was compared with the peculiarity of the play that is the etymological source of the term to identify the peculiarity of mise-en-scene which was substituted into animation to find the peculiarity of mise-en-scene in animation. To emphasize the direct connection between the frame's visual peculiarity and the director's opinions, the mise-en-scene of director centered animation created under a restricted environment was reviewed. Mise-en-scene which started from movie critics theory does not simply mean the arrangement of images in a frame. Mise-en-scene emphasizes the exposure of the work's motive by the visual components. The animation's assuming the middle point of environmental share possessed by play and movie when schematizing the genre peculiarity of animation, play and movie was a noteworthy result. It can be said that the cause is that the animation's peculiarity yield different results depending on the making methods; we verified that this is a key factor in the analysis of animation's mise-en-scene. I emphasized that the peculiarity of animation mise-en-scene is in its making method and material and suggested identifying the work's making methods and analyzing the work's aesthetic results derived in this way. The russian animation which was perceived as peripheral arts was relatively free from the burden of censorship while receiving support from the Soviet as a media for propaganda. The russian animation's mise-en-scene which found the material for its works in the country's folklore was metaphorical, focused on new expression forms and achieved experimental elements. Russian animation pursues a unique aesthetic world through space expression based on the forms of opera or ballet and heavy motions formed static inbetweens.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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