This study examines the concepts and characteristics of Interculturalism and extracts artistic expressions of intercultural characteristics shown in Nouvelle Danse and Non-Danse, which were the birthplace of the contemporary dance flow in Europe. The discussion and composition of these dances will be analyzed from an intercultural perspective by selecting three works by each choreographer representing Nouvelle Danse and Non- Danse. In doing so, we would like to examine what creative acceptance was achieved based on the values and understanding in the clash and encounter between different cultures in art. Dance and interculturalism emphasize exchanges and encounters between one's own culture and other cultures. In addition, it has the potential to contribute to dance studies through the humanistic perspective of dance, as it also contains issues about diversity and identity due to exchange between cultures at the center of globalization. Therefore, the purpose of the study is to read the artistic expressions of choreographers in Nouvelle d'Anse and Non-d'Anse through intercultural understanding with an in-depth understanding and to interpret them by adding multi-layered time to the study.
The core of Laban Movement Analysis, which is used for academic research purposes, is that the individual's psychological or emotional state through movement is expressed in external motion by internal intention, which is symbolic of internal emotions. In addition, the Laban motion analysis focuses on analyzing the structure of the object of movement and its structure comparatively and analytically with the past or other structures, and the analyzed grammars of the dance ultimately influence each other in psychological, social and cultural aspects 'Relationality' provides clues to be found. It also provides a resource of records in terms of the system implied from the 'momentary nature' of dance, which has educational value as a multidisciplinary research material.
Dancing along with mankind has existed in various ways form old age to the present. This dancing combined with artistic meaning is called the art of dancing. This study is mainly about the functions decorations and expressions of dancing costume and the claracteristics of the costumes by the 20th century designers Leon bakst Oskar Schlemer Pablo Picasso. The dancing costume were not so much different from those of the public from old age to middle age. In 18th and 19th centuries the length of the cotstumes become short from the knee to the thigh. The functions have much to do with the development of dancing for example the appearance of toeshoes. The costumes are designed not to prevent the movements of dancers smooth line in old age and ladylike vend high-blown line in the 18th and 19th centuries. Cotton and hemp textiles are turning into the transparent forms such as lace and gauge. The personal ornaments earings and necklaces have change into the pattern with wings and tassels. The dancing costumes of Leon Bakst Oskar Schlemer and Pablo Picasso are designed after the due consideration of body shape. Bakst focused on the beauty of smooth lines with splendid colors and decorations. Schlemer analyzed the body abstractly and metaphysically and expressed it with detaile and simple lines. Picasso emphasized cubic forms with cubism and expressed the characteristics of costumes with clear colors and smooth curved line. Bakst Schlemer and Picasso made the early 20th century the age of functional dancing costumes putting a light on the concept of space and foundation for the modern dancing costumes.
The theme of this research is the music visualization on stage. As the collaborated work, combining the dance, images with the Isang Yun's music, is showing the staged music, which is expressing the music not only through the sound but also the visualization. In the process of visualizing the music through the body and images on the stage, Isang Yun's musics are recreated in the hand of today's artists. The study found that the recreated work from the new point of view, like Interview with Isang Yun can be the bridge between the composer and today's artists and we can see the future through it. Even though, this paper analyzed the work through the aspects of dance and images, the main theme of the work is focusing how can we deliver the music in the new representative form through formative visualization on the stage.
As dance performances in the theater space are centered on text, they have plots and make characters stand out. They also emphasize expressivity and technique, and their recognition of space is very modern and typical of dichotomous Cartesian thinking. The museum space has many similarities with the theater space in that it is a result of modernity and granted authority to present arts. The performances in museums place value more on the presence than on the representation. For this reason, works in museums, which are frequently presented in recent years, are mainly works of site-specific or performative concepts. Now, rather than being able to obtain from aesthetics defined as works, the museum is assured its own aesthetic production and justification, paying attention to the performance as an event occurring now and here.
The Journal of the Convergence on Culture Technology
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v.9
no.5
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pp.831-835
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2023
In contrast to the global public's interest in the Korean Wave, which has persisted since the early 2000s, our efforts and knowledge on business studies that combine art and technology are limited. This study utilizes a case study methodology to select and analyze notable examples of the integration of various technologies into the performing arts for the growth of Korean performing arts and the continued growth of the Korean Wave. In particular, cases of performing arts utilizing Metaverse have been presented recently, but there is a lack of consideration from the stakeholders' perspective. This study aims to suggest implications for the revitalization of performing arts through the integration of various technologies through case study analysis from these perspectives.
Journal of the Korea Academia-Industrial cooperation Society
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v.19
no.2
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pp.508-515
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2018
This study aims to analyze trends in domestic research concerning career guidance for college students majoring in arts, and to provide implications for future research. To this end, a total of 74 papers including journal articles, master's theses, and doctoral dissertations published from 2006-2016 were analyzed in terms of research period, research topic, research methods, study subjects' gender, years in college, and field of study in the arts. Research topics were analyzed according to six criteria, and results showed that there were 24 studies concerning topics related to adaptation/ behaviors/ experiences, including career-related stress, career maturity, anxiety, preparation and development competences, accounting for 32.5% of the total. In terms of gender, 96% of research included both male and female students, and three were conducted only for female students. In terms of year of study, 49 studies examined students in all years of study considered students in all years, accounting for 66% of the sample. Trends in research methods were characterized by the quantitative method applied in the study. Regarding the field of study in the arts, 54 studies were conducted in the field of dance (ballet, Korean dance, and contemporary dance), accounting for 73% of the total. In addition, topics in the field of dance were evenly covered by these studies. Most studies concerning career guidance in art colleges were difficult to categorize due to the small number of studies conducted in the sample. It is suggested that future research reflects various perspectives, social issues, students' majors, year of study, and gender using various research methods.
Grotesque, which has often emerged as a breakthrough in Western art to protest rational and classical pure beauty, is often seen in modern art. Grotesque, along with the concept of pendulum, appears in infinitely expanded forms across cultures, arts, and society. In particular, transformed body images through deformatization and deformatization of the body are interpreted as strong rejections that seek to break away from formalized beauty. The main purpose of this study is how the body reproduced through body deformation, distortion, and bonding in Dimitris Papaioannou's work can be interpreted within the grotesque category. To this end, he examines the Grotesque discourse and modern meaning underlying the interpretation of the work and identifies how the fragmented and expanding body, which is currently actively discussed in the dance world, has an interaction with Grotesque. It selects , , , and , which are the main attributes of the grotesque, focus on conflicting familiarity, life, hatred, and beauty. Based on this, we would like to confirm that in contemporary dance, the reconstructed body reveals concealed things rather than expressing an unrealistic fictional world, and seeks new possibilities beyond boundaries as well as reconsider existing aesthetic views.
Journal of Korea Entertainment Industry Association
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v.13
no.8
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pp.243-253
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2019
Geyonggi-geommu have developed based on the long history of Korean sword dance. Han Sung-joon, the great master of modern music and dance of Korea during the Japanese colonial period, collected and reconstructed folk dances that had disappeared or were cut off due to the policy to obliterate Korean culture through Chosun Music Dance Research Society. Since then, it has been passed down to Kang Sun-young and Kim Geun-hee that has designated as the Intangible Cultural Property No. 53. of Geyonggi-do in 2011. This study focuses on highlighting the uniqueness of Geyonggi-geommu for proper modeling and transmission of Geyonggi-geommu with historical significance so as to understand and preserve the Intangible Cultural Heritage. This study examines the transmission system of Geyonggi-geommu, followed by Kang Sun-young and Kim Geun-hee, originated by the master Han Sung-Joon of Geyonggi-geommu. Geyonggi-geommu has its uniqueness of using the pure Korean dance terminology established by the holder Kim Geun-hee at the time of designation of intangible cultural properties in Gyeonggi-do. The unique features of Geyonggi-geommu are performed and transmitted in two forms, Daemu(Group dance) and Holchum(Solo dance) which are not currently found in other regions. This is meaningful to passed down according to the original form of Geommu(Sword dance). In particular, the Holchum(Solo dance) is a form of artistic dance, showing the beauty of the sword dance during the Chosun Dynasty. In short, Gyeonggi-geommu can be described as an artistic dance with a soft and strong temperament considering its unique features.
Traditional Performing Arts is a key element of national competitiveness that represents the identity of a country. Preserving traditional performing arts such as traditional culture overall aggregate such as literature, art, music, dance, theater and enable it to meet future national culture is to secure a competitive brand. Meanwhile, it shrouded in advance global success of K-pop and TV content, such as our popular culture, but our traditional performing arts sector, there has been a steady effort to receive the attention of the world and expanding capacity and performance. Now, this point will be a new policy approach needed to expand more popular in both domestic and world demand in traditional performing arts. In this study, we propose a strategic plan to raise the popularization and industrialization of our own needs and unique traditional performing arts opportunities for successful overseas expansion and promotion of the content of traditional performing arts.With the help of information technology.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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