The distinguishing feature of 3D animation is a reproduction of a reality. It is able to make the images that would be impossible with the conventional creative methods, and create the great fantasy. The development of creative image put great emphasis on importance of subject matter. Chris Landreth produces the unique 3D animation that has creative subject matter with great techniques. His work, Bingo(1998) describes social problem of mass-media and human being's agony in expression of theatre of the absurd. It is possible to have common interests in a matter with today's artists. The purpose of this study is to investigate how to express the theatre of the absurd in Chris Landreth's animation. A phase of social life is not only revealed with 3D features and his own techniques but communication capacity of 3D animation is also shown.
Peter Brook has been often referred to as the most important contemporary theater director in the West. The fact that he has directed many plays without being tied to a single theatrical theory occasionally makes people think he is a eclectic imitator. But when you carefully observe his work, you can understand that his openness is nothing else but the pursuit and examination of theatrical communication. In this context, Brook's idea reminds us of Bricolage. Bricolage has been widely known after the publication of "The Savage Minds". L$\acute{e}$vy-Strauss used the word to describe characteristic patterns of mythological thought in compared with modern scientific thought and regarded it as a system of thought that we need to restore. Director Peter Brook have sought effective ways to fill the empty space with his broad view of theatre and life. His consistent attempt reveals positive theatrical idea with the expansive possibilities of Bricolage thought.
In essence, Musical theatre is a multimedia show, so when you listen to musical numbers, you will experience it through multiple senses. Therefore, in order to analyze musical numbers, emphasis should be placed on its interaction with various media such as lyrics, dance, and theatre, which have a direct association with the music. Through the Conceptual Blending Theory, which can comprehensively consider the combination of text and music, the combination of movement and music, and the combination of visual elements and music, this study analyzes the music of Musical . By exploring the result of interaction between lyrics and music, the interaction between choreography and music, and the interaction between stage and music, the artistry and intrinsic value of the work can be proved. In addition, we can discover the process and system of integrated interpretation through music analysis applying Conceptual Blending Theory. Therefore, Conceptual Blending Theory has sufficient utility as a methodology for music analysis of musical theatre.
Ostermeier's Hamlet has no particular contemporary reinterpretation. Alternately devoting to show retrospect in illusion and existence through revenging actions. However, Shakespeare's metaphorical and implicative language is dissipated and the style of the play is not an illusive space-time, but a tragic theatrical production that uses rough language to express the depth of the story. The Perfomance of Hamlet is a sensuous jumble up of a diverse range of mass media. The double roles that the actors carry out give an affect of isolation between the audience and the play itself showing both empathy and liberty. Ostermeier's Hamlet distinctively shows a post-modern performance through the prominent elements of dirt, the use of mixed genre, theatric emphasis, making an image and the fulfillment of acting. Nonetheless, Ostermeier's performance stays off the point on the breakup strategy of the post-modern drama without suspending the narrative of Shakespeare's Hamlet. Besides aiming to show a performance centered by the imagery of physical expression, his performance shows New Realism in the 1960's, showing everyday life. Ostermeier thinks, that theatre helps give contemporary people an accurate reality check in the constant unstable periods of time. Therefore, Hamlet shows post-modern physical expression and outspoken dramaturgy using the effects of mass media in New Realism without breaking up realistic narration. With being the aberration of the Castle Helsingor, the main character Hamlet, expresses lunacy and can be considered as metaphor for young adults whom are broken down and isolated from the economic system. He is a substitute for those who experience agony, anger, torment, etc. and other suppressed emotions in everyday life. With the method of direction in the portrayal of Hamlet show signs of succession in the abundant popularization of the classics by communicating with the audience by following the trend of modern mass media and audio-visual perception; emphasizing the point of the philosophical topic 'life and death,' 'life and theatre,' and 'illusion and reality.'
Site-specific performance is always the real on-site work taking place at the site. Hence, it deals with the reality, in other words, the time of creation and formation. And it creates value and meaning through the interaction and continuous direct communication process between the performers, audience and the local residents. In this performance, the audience's status as the passive observer changes. They become the co-agent who actively lead and complete the performance through their own experience. We have examined the The Working Methods of Site-specific Performance and Aesthetics of Effect through four Korean performances ; Marie, An aesthetic experiment of site as the storyteller; Heterotopia and Urban Movement Research or Play: We Will Move Your Sofa, as performances which have Revealed history, politics, institution engraved in the site ; A Song of Mandala and Miracle, as a ritualistic site-specific performance at the historic site. Some remarks on Site-specific performance ; First, In Site-specific performance, the habitus peculiar to the stage art and the mode of reception are changed. Second, a new mode of theatrical communication requires creator and audience to have a sharp aesthetic sensibility and to change one's perceptual habit. Third, Site-specific performance can act as a demonstration for the viewpoints of political activism through what could be called a dramatic close-up effect. Fourth, Site-specific performance also has the risk of merely becoming an unfocused and scattered performance or degenerating into a pseudo-sightseeing. To avoid this, an in-depth study of the site and its socio-cultural context, and the clear motivation with which one is trying to reveal and tell from the site must be indispensable. As the co-agent, the audience should also be aware and think about what the given performance signifies today.
This paper deals with the tradition and identity of physical expression(${\bar{a}}{\dot{n}}gika$ abhinaya) system in Indian traditional theatre and dance. The ${\bar{a}}{\dot{n}}gika$ abhinaya of Indian dance and theatre has been stylized through long terms and thereby defines their identity and peculiarity by its highly stylized expression techniques while following dramatic way($n{\bar{a}}tya$-dharmi). The ${\bar{a}}{\dot{n}}gika$ abhinaya is said to had been derived from the ritualistic practice of ancient Vedic period(B.C. 15th-B.C. 5th c.), which is most clearly exemplified in hand gesture(hasta mudra). In $N{\bar{a}}tya$${\acute{S}}astra$, ${\bar{a}}{\dot{n}}gika$ abhinaya is explained in detail. It is classified broadly into facial expression(mukhaja abhinaya), gesture expression(śārīra abhinaya), movement expression($cest{\bar{a}}krita$ abhinaya). Further, $N{\bar{a}}tya$${\acute{S}}astra$ divides their various usages by parts which include head, glance, eyes, nose, eyelid, cheek, lower lip, chin, mouth, hand, chest, waist, belly, hip. thigh, claf, foot. Besides, it explains diverse ways of foot movement($c{\bar{a}}ri$), standing poses(sthana), gait(gati) and their combined movements(mandala). Many forms of Indian traditional theatre and dance basically follows the rule of ${\bar{a}}{\dot{n}}gika$ abhinaya proposed in $N{\bar{a}}tya$${\acute{S}}astra$, which identifies their unique characteristics.
International Journal of Advanced Culture Technology
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v.9
no.1
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pp.58-63
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2021
This research aims to reconsider the necessity of an alternative way(s) for contemporary actor training and acting in discussing and articulating Diderot and Suzuki's concepts and approaches for acting/training. First of all, the physical body, assumed and conceptualized by Diderot is beyond our control by means of a type of radical body/mind dualism, and is based on the concept that body and mind are separate. In contrast, Suzuki's notion of acting/training is raised by his concern about the role of an actor's body in the constitution of an actor's bodily experience against the imitation of the West-oriented theatre/acting/training. The descriptions of the two theatre artists' notion of acting/training gives us insight into the place and role of contemporary theatre as a practical root to encounter and communicate between a doer and a spectator where an actor's body must appropriately be attuned and cultivated towards the cultivation of bodily attributes which are foundation but usually neglected by actors/directors/practitioners particularly in Korea. Especially, misunderstanding of a specific training sources/approaches, namely 'scientific system' and the 'method' have taken us away from the potential possibilities of the lived oneness. Here, the 'possibility' refers to the primary bodily functions within a specific context or being in the here and now rather than attempting to copying, imitating and/or adapting a specific cultural source(s)/approaches/techniques as we have faced with through the previous century. We reconsider and argue that a potential way to correspond the nature of theatre/acting/training is that how to meet the demand of contemporary spectators which in turn intensifies an actor's stability, sustainability and hopefully professional identity in this contemporary era.
Journal of Korea Entertainment Industry Association
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v.14
no.3
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pp.307-322
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2020
The acting of physical action of the director Kang Yang Won's plays is mostly simple and repetitive. This acting induces the audience to sensuous perception and certain corporal emotions. In addition to semiotic meaning of dialogue a stimulus is given directly to sense of the audience. Therefore, the audience participate in creating a performative space with assistance of atmosphere. So, the feedback-loop of autopoiesis is made and the emergence of meaning is experienced due to felt perception. This emergent meaning springs unexpectedly by imagination, remembrance, and association etc. and is not produced on purpose. In addition, the audience participates in the performance together by the intersection of the perception for representation and perception for presence, and is especially affected by the presence of acting of physical action. In this paper, the study of four major performances of the theatre troupe Dong performed since the 2010s confirmed not only the individuality of each performance, but also the commonality that encompasses the entire performances. This led to discovering the discrimination power of the aesthetics of theater of the director Kang Yang Won and the theatre troupe Dong.
This study examines the concept and characteristics of immersive theatres through previous studies. Immersive Theatres can be understood as a form of performance that breaks the boundaries between the stage and the auditorium in various spaces so that the audience can actively participate in the performance or immerse themselves sensibly. However, since it absorbs various art forms and continues to change and develop, it is important to recognize the concept by grasping its characteristics as an immersive experience rather than defining it as one. Based on the theoretical background of the concept and characteristics of the theatrical producers and immersive theatres, the producing immersive theatre < The Great Gatsby> is analyzed to derive differences between the immersive theatre and the general performances. In conclusion, it is important to recognize that immersive theatres have audiences at the center of all aesthetic performance environments. The role and position of the audience as a "passive consumer" change to an "active and creative consumer" in immersive theatres where the audience-centered immersive environment and experience are the key, and it was found that not only producers but also the creatives should change their perception of the audience and reflect it in the producing.
In Christopher Marlowe's Cambridge days in the 1580s, the British forward wits were engaged in the curious pursuit of magic and occult philosophy in order to discover the mystery of things. Magic, together with judiciary astronomy, astrology, mathematics, and logic, was one of the most practical disciplines. Marlowe, Shakespeare, and Jonson demonstrate their deep interest in magic and its language of spell and charms in the light of their analogical application to the alchemical theatre. As Shakespeare says that the poet, the lover, and the madman are of the same because they give forms to airy nothing, a magical illusion is, for the three playwrights, similar to the theatrical illusion in that both magic and theatre work in and by a language and both give us sportive pleasures through the deceptio visus. However, while Jonson is rather puritanically antagonistic to the illusive language of alchemy and magic, Marlowe and Shakespeare are attracted to the rapturous nature of the absolute language of magic. Doctor Faustus' indulgence in magic stands for the Marlovian aspiration for the absolute language which allows no discrepancy between thinking and willing, conceiving and actualizing. His uses of spells, charms, anagrams, and magic books are transformed and translated in the play into an alchemical theatre. Faustus is dependant on and bound by his books of magic, as is the actor on the stage. Faustus is the poet condemned from the beginning. Though he is mistakenly thinking that it is he himself that manipulates Mephostophilis the magical agent, it is otherwise. Faustus is a shadow or an actor in the Elizabethan language. He remains a farcical figure during the twenty-four years which are given to him for his sensual dalliance. Marlowe never forgets through his farcical clowning to satirize such Catholic rituals as exorcism and benediction for their illusive theatricalism. The sports of Faustus' playacting and play-directing rise at the last hour to the height of a tragedy. Ironically Marlowe the playwright succeeds as a tragedian at the point where Faustus fails as a magician.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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