Keats is a poet who was in pursuit of 'the beautiful'. He tried to show various structures in his poetry to search for 'eternal pleasure'. These are explained in terms of 'metamorphosis', 'travel structure' and 'metamorphosis patterns', but put together, these can be expressed as simple terms of a dramatic structure. Especially We can assume this dramatic structure is the key to access his poetry on the basis of the fact that Keats always admired the world of drama and respected Shakespeare most. We can see Keats' dramatic structure in his poetry Ode to a Nightingale, Ode on a Grecian Urn. To Autumn and so on, and in these three poems, he was very successful in achieving unique poetic expression by inducing tension structure' through the dramatic structure of Introduction - development - crisis - climax - ending. In conclusion, his poetry achieved success in that he made clear his central theme, the pursuit of a beautiful and happy life through the application of a dramatic structure.
Robert Lowell is one of the major poets in the modern American poetic world. His major work, Life Studies, is a representative of confessional poetry. It presented American spiritual civilization and universality for life from the late 1950s to 1960s. It dealt with the subject of the poet's private life under the psychological pressure. Lowell described his distinctive vision of the relationship of painful world and suffering self in his poetry. An important feature of his confessional poems was the criticism on modern civilization by means of characterization. Life Studies was written as a kind of therapy to overcome his early trauma, as well as the social problems of contemporary Americans which Lowell was confronted with. Through his personal experiences, Lowell exposed and judged the collapse of traditional value and moral confusion in the society. Therefore, he is a poet who opened his own world of poetry with his poetic achievements.
In light of Korean inclusion of its diaspora as part of the nation, a "creolized" approach that brings together constructions of the bad subject of Asian American studies with conceptions of the Korean minjung grounds an analysis of two poets as they might be considered from a bi-national, Korean and U.S. American, perspective. The poets Ed Bok Lee and Jason Koo show different ways of being the bad subject. Lee is clearly a bad American subject, resisting American white racial hegemony, and his poetry often addresses a kind of American minjung multiculturalism, as is shown in poems from his first two books Real Karaoke People and Whorled. He challenges some aspects of contemporary Korea, and might be a kind of Korean bad subject in those challenges. Koo, on the other hand, resists the call to bad subjectivity, so that his poetry may not fit the preferred paradigm of Asian American studies, as he recognizes. As he resists that paradigm, he also gives little attention to his Korean heritage, so his not-bad American subjectivity becomes bad Korea subjectivity. He recovers some measure of badness in the final poem of Man on Extremely Small Island when he connects briefly to his Korean heritage and his Asian American present. The creolized juxtaposition of the bad subject with the minjung suggests the use of these poems in considering both American and Korean society.
Florence Nightingale is best remembered today as the Lady with the Lamp, but modern research on the English nurse primarily addresses her popular iconography as a historical misrepresentation of her character and career. This scholarly reluctance to analyze critically Nightingalean iconography, however, has obscured important cultural work performed by the popular tropes. This article argues that the proliferation of Nightingale's iconic image as a symbol of Christian womanhood in transatlantic periodical poetry, when examined separately from biographical considerations, reveals important insights into the complex relationship between form and affect in mid-nineteenth periodicals. Popular representations of Nightingale give form to the disorienting effects produced on newspaper readers by the nascent field of international journalism and reflect a key generic paradox at the heart of the Victorian periodical: the simultaneous aim to report news objectively and to move readers affectively in response to events beyond national contexts and interests. Focusing on Lewis Carroll's "The Path of Roses" and Henry Wadsworth Longfellow's "Santa Filomena," this article contends that Nightingalean periodical poetry mirrors back to readers their own affective response to modern media and functions as a new technology for managing an increasingly acute awareness of events and ethical responsibilities beyond the nation.
Near / Miss, Charles Bernstein's poetry collection, is replete with poems of distinctive styles and pluralistic forms in his idiosyncratic and artistic cosmos. With poetic antics, queerness, sarcasm, irony, and humor, the book showcases the motif of loss, chaos and trauma in postmodern America and the world. The multiplicity and multi-dimensional $M{\ddot{o}}bius$ effect in Near / Miss echo earlier Bernstein's poems, as well as poems by ancient and contemporary poets, with visual artists and musicians, and rabbis and Jewish philosophers. I argue that Near / Miss offers an apotheosis of echopoetics, which has been launched in his previous book Pitch of Poetry. Poems in the book reveal the dark and thick "pitch," namely the queer, the uncanny, the invisible, the disabled, the dispossessed, and the silenced poetic Other and make it explicit. The estrangement and alienation of $clich{\acute{e}}$ through diverse malaprops, mondegreens, non-sequiturs and fragmentations in Near / Miss aim at deconstructing the fixation of language so as to display the poetic Other. The motif of "nothingness" in echopoetics significantly multiplies its meanings. Nothingness mainly refers to the loss of origin, the defiance of tyranny, and the sublimity of the universe and the poetic Other. Melding his personal loss and misfortune, the current political discontent and the postmodern chaos in America and the world, nothingness in echopoetics resonates with American literary tradition and Zen with a healing and transforming power.
Lee Chan's early poems were defined as the world of romance. His second-term poems were defined as proletarian poetry and poems written in prison when he made the romance as the core point through longing and desire for lost world. Maximizing the romance was proletarian poetry. His third-term poems were feelings of the northern countries called the spirit of Lee Chan's poems. He recognized the emotion of diaspora as the tragedy in these poems. It was remarkable time that the poet's tragedy observing and expressing the reality of colony. Afterward he wrote poems related inside withdrawal and war cooperation, finally he wrote poem after defecting to North Korea. Lee Chan showed the romance of desire in early poems and proletarian poems. Then he indicated acute scenery of the tragedy in the late 1930s' poems. In heavy situation, he moved from pro-Japanese literature to North Korean literature. However he didn't throw introspected self-reflection language to himself each his changing. But through several form of garden, he clearly showed consistent of maximizing his utopia sense. The time Lee Chan experienced was an icon which intensively indicated several features of deformed modern Korean poetic history. He was a unique poet who expressed various traces of modern Korean poetry in short time step by step. His path informed that he was a special poet who stepped the trace of many modern Korean poetry's extremes such as romantic poetry, proletarian poetry, prison poetry, pro-Japanese poetry and North Korean poetry. Likewise we can call his life as a grudge return. Because he left hometown, experienced the light and darkness of modern times and returned his hometown.
This essay explores the theories of Italian poet and filmmaker Pier Paolo Pasolini on the language of cinema. In essays such as "The Cinema of Poetry" and "The Written Language of Reality" composed during the 1960s, Pasolini argues for the special status of film language as "pre-grammatical" and links it to visual signifying processes such as dreams and memories. He also views cinema as the inroads towards a general semiotics of reality since, for him, the basic unit of film language is not the shot but those objects of reality that constitute the mise-en-scene of the shot, hence cinema is posited as the written language of reality whose minimal units of articulation are the very objects of reality itself. Accused by semioticians such as Umberto Eco of semiotic ingenuousness in trying to reduce the facts of culture to nature, Pasolini responded by arguing that he was trying to do the opposite, that is to say, to culturalize nature by examining it as a language. Against the constructed naturalism of both commercial and neorealist films, Pasolini argued for the creation of a poetic cinema able to exploit its constitutional pre grammatical, oneiric and sacred relationship with the world. The essay concludes with an analysis of the film Medea in which Pasolini′s attempt to restore a sacred vision of reality merges with his concerns over the cultural genocide of traditional and emarginated peoples at the hands of neocapitalist homologation.
When Hart Crane′s poem cycle The Bridge was published in 1930, a group of influential reviewers accused Crane of immaturity, sentimentality, and lack of focus. They condemned crane′s wayward, fuzzy mysticism as backwards-looking and self-defeating. Even sympathetic critics, such as Harold Bloom, have consistently portrayed Crane′s poetry as the pyrotechnic final fizzle of late romanticism. These persistent, public reservations, however, have not prevented an impressive proliferation in secondary literature concerning Crane since the late 1960s. His promiscuity, alcoholism, erratic behavior, relative poverty, tragic death, and total commitment to art have since earned him the labels of New World Rimbaud and proto-Beat. His colorful career thus explains in part his retrospective fame. Nevertheless, living hard and dying young do not guarantee artistic immortality. This article poses questions as to why Crane has mattered so much to subsequent generations of U.S. readers and what these readers find so compelling in his poetry. The answer, I would argue, lies in Crane′s idiosyncratic use of language. Far from striving for transparency, he writes in an inimitably obstructive, artificial manner. There is something seductive and absurd in his wild use of words here, I would further argue, we discover the reason behind both Crane′s enduring appeal and his supposed inadequacy as a writer. Crane did "torture" syntax, semantics, and conventional associations, not because he saw his unusual language as an eccentric mannerism but because he saw it as a tool in the service of constructing a "myth of America" and reintegrating the human and divine. Understanding thy he considered this to be the case clarifies Crane′s achievement and illuminates why his work still seems so relevant today.
This study explored pre-service English teachers' participation in the development of a rubric and examined evaluation of their own English poetry. The current study would investigate: 1) the pre-service English teachers' perception as a rubric developer and self-evaluator, 2) the number of analytic area that the participants included in their rubrics and the scoring scheme that they designed in their rubrics, and 3) the inter-rater differences between self-assessemnt and expert-assessment across analytic areas. Twenty-four EFL learners participated in the current study. The researchers analyzed the learners' own English poetry, their field notes which contained the process of their writing, their rubrics, scores of self-assessment, and expert raters' scores. The results revealed that learners showed positive responses on learner-directed assessment, that 'content' is the most important area, and that inter-rater difference is small across all analytic areas.
avant garde poet Yi Sang wrote his poetry with architectural and artistic inspirations. his artistic creativity was exploded by typographic expression. he lirerated the !iterated word into visible language also. he played with his-own-created-signs. fighted against the reality, traditions and cliches. his typographic characteristic poetry is an evidence for the lengthening the history of korean modern typography as a pioneer. because his experimental works is the great evident. so we evaluated the worth of it.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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