This article explores the complex modes of experiencing the modern city that are engaging and disengaging by nature, which thus negates any simple ways of understanding what it means by 'the urban' in a Manichean comparison. What follows is an in-depth case study of Gordon Matta-Clark's 1976 film titled City Slivers. Influenced by the countercultural practices prevalent in the 1960s and 1970s, Matta-Clark produced a number of works roughly grouped together under the rubric of "building cuts." Among many others, City Slivers is distinctive among Matta-Clark's extensive cutting projects, in the sense that he actively utilizes film as a primary expressive medium and poetically reassembles fragmentary images of cityscape in order to bring forth an alternative urban scenario where the tension between institution-bound urbanization and dispersed daily urban practices is highlighted. Instead of simply being critical against the changing urban conditions of Manhattan in the 1970s, Matta-Clark aims to actively grasp ambivalent instances of urban life that are at once attractive and alienating, thereby excavating the subconscious terrain of contemporary urbanism that is prevalent but often dismissed over glamorous urban projects.
Journal of Korea Entertainment Industry Association
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v.13
no.2
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pp.1-12
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2019
Based on the capabilities of smartphone cameras which have developed rapidly in recent decades, coupled with and the global market penetration rate, it will study the possibility of various international exchanges through smartphone filmmaking. This aims to achieve a civilian-oriented cultural exchange, instead of simply providing capital-oriented exchanges and film production education. The Smartphone Film Workshop was held as an auxiliary event of the Korea-Vietnam Film Festival, which ran from November 17 to 22, 2017. The three-day workshop, which took place within the festival period, drew attention for its international collaboration project between Korean film directors and Vietnamese film students. The researcher conducted practical-based research while participating as a mentor at this workshop. A step-by-step approach to the entire process of production and post-production was administered, including workshop team composition, scenario, and pre-production in Korea such as shooting equipment, schedule, completion of local works, and screening. Through an analysis of exchange cases at international workshops, we will use trial and error as ways to improve and consider the results of cultural exchanges and the effects of future expectations. Taking this empirical case study into account, we anticipate more active international exchanges through the smartphone workshops.
The film director is the responsible for artistic quality of the film. In Hollywood, the director considered as a technician only visualizes the given scenario. In the 1950s, young critics of the Cahiers du cinéma, who were at the center of Nouvelle Vague, re-qualified some Hollywood directors, for example Alfred Hitchcock, Howard Hawks and John Ford. They are considered "auteurs(authors)" because their films have their own styles. In France, the word "auteur-directoir" is often used in the film production. It refers to the person who writes the original screenplay of a movie. Auteur's legal definition of copyright is set out in Article L.111-1 of the Intellectual Property Code: "the auteur of a work of the mind enjoys the work by reason only of its creation, of an exclusive intangible property right and opposable to all. On the other hand, in the definition of producer, it is the natural or legal person who takes the initiative and responsibility for the realization of the work according to Article L. 132-23 of the same code. We study here the competence and responsibility of the French director as an "auteur" by consulting the two types of contract: director-technician and author-director. We rant to offer a reflection on the position of the film director and the relationship between the director and the producer.
Choi Dong-hoon's films tend to have not been well treated academically in Korea. But from the point of view that his works have succeeded in box office and survived in the market for some reason, there seems to be new possibilities to treat them. In this paper, the two movies with ten million audiences, and that are Choi's original scenario and caper film genre are tried to examine the success factors in box office on "making well made story". Often, well-made films have both genre-customary and creative aspects. Choi Dong-hoon's movies are the same. and faithfully follow the rules of caper film genre. At the same time, these two films have complex adaptive systematic creativity, in which multiple characters are self-organizing with their story patterns actively. And since there is a proper coexistence of customary and original aspects in the and , these two films are seemed to be at the edge of the chaos, which is the most market adaptable.
The study focused on Jean-Luc Godard's about the relationship between visual effects and psychoanalysis of the film. Godar set up an interpreter for communication between the scenario adaptors and producers, producers and directors, producers and interpreters, and assistants in However, the role of an interpreter is based on the premise that although there is an interpreter, accurate communication is impossible. Such a break in communication is used as a strategy to clearly clarify Godar's own direction while revealing the difficulties of filmmaking as the gap between the two sides in filmmaking becomes clear. Based on Freud's theory of psychoanalysis, the meaning of the study is to analyze Jean-Luc Godard's relationship with filmmakers, directors, writers, actors and how the director visually reproduces the conflict among the invisible participants in the film.
Journal of the Institute of Electronics and Information Engineers
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v.52
no.4
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pp.164-174
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2015
In a real scenario, radiometric change has frequently occurred in the stereo image acquisition process using multiple cameras with geometric characteristics or moving a single camera because it has different camera parameters and illumination change. Conventional stereo matching algorithms have a difficulty in finding correct corresponding points because it is assumed that corresponding pixels have similar color values. In this paper, we present a new method based on the local descriptor reflecting intensity, gradient and texture information. Furthermore, an adaptive weight for local descriptor based on the entropy is applied to estimate correct corresponding points under radiometric variation. The proposed method is tested on Middlebury datasets with radiometric changes, and compared with state-of-the-art algorithms. Experimental result shows that the proposed scheme outperforms other comparison algorithms around 5% less matching error on average.
We introduce an introductory engineering education course for engineering majors and non-engineering majors. This course does not require any previous knowledge and experience on engineering. It requires strong curiosities and imaginations on current and future society we live in, where technology is inseparable ingredient. Course encourages attendees to explore fundamental issues of engineering: what is proper technology and what are proper ways of exercising engineering, issues dealt in soft engineering. Since course topics cover many aspects of technology, traditional learning methods fail to be successful and efficient. Various efficient learning methods have been proposed and implemented. We utilize various interactive tangible media, which include simulated thought experiments and physical media experiences. About 20 episodes in short film format are produced based on scenario written according to related issues selected. Physical media like interactive robots are introduced for attendees' stimulated experiences. We summarize our exciting experiments on interactive teaching experiences at Pusan National University which include on/off-line interactions, assignments, projects, and evaluations.
The purpose of this study is to pay attention to the expression of good and evil which has Been significantly developed out of the existing dichotomous good and evil in animation films and to identify for them. Even though 3D animation films provides us with a sense of realistic existence due to surprising technical powers, the stories contained in such films tend to remain in the limit of family films. However, recently, some films have been presented beyond such limit with a scenario that makes people introspect their inner side. Among them, this study considered the expression of good and evil of , which extended the meaning of didactic morality into the dimension of 'Philosophy of Dionysian yes', as significant for research purpose. More specifically, this study looked at and discussed this film in more details in the aspect of focusing on the value of good and evil for eliminating the boundary of the existing perspective and pursuing positive overcoming. The frame of the concept for discussion used the philosophical statements of Kant and Hegel as well as Nietzsche who explained the meaning of good and evil with Dionysian view. As to the method of research, this study attempted to understand the theoretically related concepts and discuss the meaning, along with the presentation of examples, by inputting such meaning into the expression of good and evil presented in the film. This study has the implication in identifying that an animation film, as a virtual world, plays a role of opening a new prospect for conversion of thought in our real world and expecting a future progress.
Purpose - The movie market has the characteristics of being a perfectly competitive market as well as a pure monopolistic market at the same time. This is because there are competitors in the industry but prices, although not fixed, have not changed a lot. Price competition may not have spread, but the competition is focused on artistic value, and the degree of box office success is most important. The artistic value is determined in the course of the production process. However, the degree of box office success is dependent upon the marketing manager. The marketing strategy represents the difference in the standard or quality of the movie. Inherently, the marketing manager adopts the entertainment strategy based on the quality of the foundation of the completed movie. At this time, the marketing manager knows the pertinent information (high quality/low quality) regarding the movie. This research study tries to reveal what should be the reasonable movie marketing expense, dependent on the quality of the movie. Research design, data, and methodology - Using a game scenario with different market players, the goal of the research analysis is to find out the following. First, the marketing expense is determined to maximize the profits after film production. Second, after the production costs are already committed, the manufacturer gets to choose the marketing level. At this time, there will be a profit maximization point, considering the competition. The premise of the research is as follows: if it is a good movie of quality, positive word of mouth increasing the audience continuously slows down the speed of the demand curve. If the movie quality is bad, the negative word of mouth decreasing the audience gradually hastens the speed of the demand curve. On the marketing side, when the manufacturer invests heavily in the marketing expense of the movie, consumer expectations increase to drive up the audience numbers. On the other hand, it is difficult to improve the profits excessively. When the manufacturer invests in marketing a little bit, the marketing expense is only relatively committed, therefore a lot of demand cannot be gained. Results - If a fixed market share is in a competitive situation, a low quality manufacturer expends relatively more marketing expense. If the situation assumes two manufacturers spend the same for the cost of production, the high quality manufacturer takes more profit. If the manufacturer expends less marketing budget to save costs, the optimum profit cannot be achieved since the other party (opponent) grabs the initial market share. Conclusions - In conclusion, investment is essential for market share to increase. We must refrain from a zero-sum game and have models where the game participants pursue the creative profits together. In the current film industry, there is the dominating logic of winner and loser but we have to create a film industry environment where the participants can be altogether satisfied and live together.
Journal of Korea Entertainment Industry Association
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v.14
no.7
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pp.319-331
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2020
This study investigated the meaning of absolute music of the first movement of Brahms' symphony No. 1, which was used as film music in the films "Tetro" and "Savages" and interpreted the meaning of this music used in these two films. Therefore, the purpose of this study is to explore the characteristics that classical music can be interpreted ambiguously in films. In particular, it was examined whether film music could be interpreted in a new meaning rather than a program music. The first movement of Brahms' symphony No. 1 is in a sonata form and has the characteristics of a chromatic grammar of the romanticism. In "Tetro", the irony about the value connection between this music and the characters of the film, the composition process of this music and the historicity that appeared in the character story of the film presented important. On the other hand, in "Savages", the chromatic grammar of this music expresses the emotional meaning of the characters in the film and the atmosphere of the event. This can be said to be the role of program music. In particular, the scene in which this music is used at the end of "Tetro" shows an ambiguous characteristic that can interpret a piece of music in different meanings depending on which of the two characters appearing in the film interprets the music from the perspective of the character. And the fact that Brahms spent 21 years to complete this music and that Tetro, the main character of the film, spent about 10 years before going through theatrical scenario and submitting it to the festival in the film, coincide with each other in terms of historicality. This gives the meaning of understanding film music from a new point of view, not from the point of view of absolute music or program music. In addition, this musical setting made the music recognized as an essential element of the film and as an irreplaceable auditory theme. When classical music meets other art such as film, this ambiguity Characteristics of music will have a great influence on the new perception of classical music.
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