Journal of the Korean Society of Clothing and Textiles
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v.40
no.6
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pp.1085-1099
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2016
This article is designed to establish fundamental design criterion for theme park cast costumes in accordance with play type and space. There is an understanding that theme parks act as a play space that is designed to meet diverse playing desires. To analyze cast costumes, the theme park - 'Everland' in South Korea as an example, area was divided into attraction space and non-attraction space. Attraction space is mainly for full-scale play content areas and the non-attraction space is to enforce the attraction space experience. Roger Caillois's play theory states that there are 4 play types; Illinx, Mimicry, $Ag{\hat{o}}n$, and Alea. All 4 play types were shown through attraction and Mimicry at non-attraction. Each cast costume was analyzed in terms of apparel design elements - silhouette, textile, color, detail, and props - related to play type facility and cast role. Criteria for theme park cast costume designs were suggested based on the results. Illinx cast members who fulfill a safety-checking role wear high chroma warm color costumes with the accent on details in bodice cutting lines, collar edges, pockets, buttons and decorative ornaments. A complementary contrast is also used. The guidance cast in Illinx may wear a suit in bright/vivid color. Mimicry guidance cast costumes show meticulous perfection in imitation with the figure in its space. From head to toe, color, textile, and silhouette - every detail and even props should match the character. $Ag{\hat{o}}n$ cast costumes are strictly limited in detail and decorative ornament usage as well as in color, since they are in charge of the management and operation of a competition. Alea cast's role is a self-demonstrator. Alea cast members should be a real tarot card reader. However, a manual should control their costumes. A total of 10 cast roles at a non-attraction space should be designed to show job patterns clearly in accordance with the whole theme at the park.
This study analyzes the garment decorations in the history of western costume based on their kinds and techniques, and consider the beginning and the development of costume decoration. The purpose is to promote a historical understanding of modern ornamentation. Based on the theoretical background concerning the origin and purpose of costume decoration, its symbolism and its relationship with images, this study classified the techniques and kinds of ornament and considered each costumes by their decoration. 1. The ornament was originated from the primitive custom of coloring the skin for the purpose of protecting the body, symbolizing the tribe, indicating the class, and threatening the enemies. As this custom changed into the decoration on the body as a form of tattoos or physical transformations, the practice of ornament seems to begin as a display of one's authority and wealth as well as a human instinct to decorate oneself beautifully. 2. The basic purpose of ornament is to look attractive by decorating oneself with ornaments. Addition of decorative design to the garment tends to complement the practical aspects of the whole clothing, and elevate its value and originality. 3. From the past, ornament has been used as a symbol of wealth and status. Originated from the desire to display one´s authority and power and to receive respect from others, the people's interest in ornament have rising. 4. The kinds and techniques of ornament can be classified into the structural and applied decorations. The former is decorating a part of a garment, such as the neckline, cellar, cuffs, or pockets. The latter includes braids, laces and embroideries. These ornament are diverse in their details and techniques, and should consider both functional aspects of clothing and its decorative functions emphasizing the aesthetic expressions. In the above considerations, we can see that costume ornament was most splendid in the premodern times and it was the simplest in the ancient times. And we also saw the possibility that decorative techniques could be created almost limitlessly.
Journal of the Korean Society of Clothing and Textiles
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v.22
no.8
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pp.1001-1010
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1998
The purpose of this study was to investigate the images and characteristic formative elements of Korean traditional patterns. The Korean pattern image could be interpreted into visual elements of design based on the images, the characteristic formative elements of Korean traditional patterns, and their relationships. Fourteen patterns selected from 5 groups of Korean patterns were used as stimuli. An image evaluation using a 2-point sementica scale of 19 bipolar adjectives, and an impression evaluation of which results were presented by visual drawing using lines and shapes were carried out. The data were analyzed by correspondence analysis and cluster analysis. The major findings are as follows; 1. Fourteen patterns and 19 adjectives were marked on a perception map composed of two (x and y-) axes. The bipoles of x- and y axes were soft-hard and splendid-artless, respectively. 2. Four clusters semerged to account for the dimensional sturucture of 14 patterns and 19 adjectives. These were splendid image, soft image, individualistic image, and sophisticated image. However there was no pattern which belonged to the cluster, sophisticated image. The Korean pattern image was founded to be better related to the kind of patterns than the type of patterns. 3. The characteristic formative elements obtained from the impression test were contour of motif, repeated line or shape, various curved lines, and decorative elements. 4. The splendid image was related to Bongwhang patterns and detailed line and complexity. The individualistic image was related to the abstractive form of Bongwhang pattern and the decorative form of Cloud pattern both of which have the characteristics of point-symmetry and abstraction, and Turtle-back pattern. In this case, the related charac-teristic formative element was identified to be repeated lines. The soft image was related to Moran, Cloud, and Taegeuk patterns. The related characteristic elements were various types of curved lines, decorative elements, and rounded contours.
False sleeves are 'the sleeves that are attached to clothes but exist just as a part without any function to put arms in them.' They are different from sleeves to put arms in them and are to follow the trend or a way of wearing clothes. They are mostly found in medieval Europe's decorative sleeves named 'Hanging sleeves', but they are also found in Eastern region, too. They are found in sleeves that attached women's headgear in East and Middle Asia, and also in high-class male caftan in Ottoman Turk in the 16th and 17th century. False sleeves can be divided into two kinds by shapes. The first ones are the decorative sleeves of which trunk-shaped sleeves hang around the whole or part of the arm hole but have no function to put arms in them; this is called as 'sleeve-shaped False sleeves'. These sleeves are found in women's headgear in medieval Europe, Ottoman Turk, and East and Middle Asia. False sleeves in Europe and Ottoman Turk played a role in showing wealth and power while those in East and Middle Asia had a great role in highlighting the costume's decorative effect. The second ones are the sleeves hanging down from the arms by attaching long cloth to the arm hole, in design; these are named as 'cape-shaped False sleeves.' This style is found only in medieval Europe, and presumably, these cape-shaped false sleeves may have played a role in boasting of one's wealth and power.
Architectural utility in Richard Neutra's early twentieth century modern school design was paramount in progressively shaping salience of academic institutions, in part to move beyond neoclassical traditions in style based design. The intention being to address school and community through modern architectural solutions. Expanding on Neutra's practice, the planning and design of new public schools in Los Angeles, are advocating the integration of institutional and public spaces. This research will document through qualitative analysis of institutional design within transitioning neighborhoods, a utilitarian approach that has become foundational for positive urban change. The focus of this research will reflect upon contemporary schools designed by DalyGenik Architecture, Coop Himmelblau and Michael Maltzen Architecture. Comparing with Neutra's early modernist approach, the selected case studies will address material and spatial applications having redefined functional relationships of interior space, architectural envelope and an interconnected public realm. A dynamic peripheral condition in new school design has emerged with the elimination of decorative adornment, clarifying utilitarian intentions of institutional service to and the rejuvenation of public realms and community spaces.
Postmodern designers freely used historical motifs as symbolic expressions or ornamentations. Historical references often became a key to express their ideal against modern standardization. Among the historical references, Art Deco style was frequently appreciated by postmodern furniture designers from the 1960s throughout postmodern era. This study is Intended to explore the way of incorporating Art Deco in postmodern furniture design. Rational Italian designers in Anti-design Movement began to adapt historical motifs and Pop, and this spread out throughout to other Postmodern designers. The research explored how Art Deco and postmodern design are related and what the examples of Art Deco revival in the postmodern era we. In this sense the research mainly covered from the exhibition catalogs from the 1960s to 1990s. As a result of stylistic, symbolic, methodological analysis, Art Deco revival in postmodern era was an essential method to express anti-modern characteristics of postmodernism. In postmodern design, Art Deco was one of historical styles that surpass the limitation o( modernism, at the same time decorative style that express the postmodern ideal.
The purpose of this study was to analyze the preference of traditional lacquered furniture and to suggest furniture design guideline. Subjects consisted of 336 residents aged up 20 years old in Seoul and Kyung-ki. area. The data were analyzed using the SPSS statistical package. The results of descriptive statistics, factor analysis, t-test and ANOVA are presented. The result of this study showed that the traditional and environmental values of the traditional lacquered furniture were highly appraised. With a furniture plan, modernized and stylelike design was desired and the table type furniture were wanted. And preference of traditional lacquered furniture was distinct by sex and age groups. Women and older age group wanted more decorative and luxury design than other groups. These results provide a practical guideline for the development of the traditional lacquered furniture design for users.
The researches on modern fashion design have more specific and multifactorial, and expressional approaches of designers become more deeverse too. And, at the present point time when the design itself extends actively throughout the world, there should be may studies that focus on the development of CAD system. This study research that computer adied design used in developing various design and variety training. Development of fashion design by using computers could contribute to the rapid composition of deverse researches on it. It is to be classified into three items, diagram, illustration, transformation in computer adied fashion design. The illustration could be color variation by using CAD system, and express correct form, adjustment, complement. It must be development as an expression of propaganda, having a artistic value of ganre. At the present point of time when the fashion design itself it needed development, there should be may studies that focus on development of fashion design by using computer. This study present diagram for practical side, and illustration for decorative side by using CAD system.
Origami’s formative characteristics have been used in modern fashion design usefully. This article categorized origami expression methods by making technique as three category; producing methods, organized principles and expressive characteristics. And then, this article argued characteristics of fashion design used origami expression methods. Fashion design using origami expression methods had three characteristics; basic tailoring, decorative surface, fluidity & rhythm. The proceeding article on paper folding argued formative aspects of paper folding widely, while this study focused on origami’s basic expression methods in detail and clarified characteristics of fashion design used origami. This article’s originality existed in that point. And also a result of this study would be regarded as a important sources in design processing of fashion design.
The purpose of this study was to investigate the characteristic and composition factor of Japanese costume design. The stimulus were 25 contemporary costume design which represented the traditional image of Japanese. The main survey of questionary consisted of their evaluation of the Japanese costume image by 26 semantic differential bipolar scales and the subjects were 99 female students majoring in clothing and textiles. The data were analyzed by Factor analysis, Multidimensional Scaling Method and Regression Analysis. The major findings were as follows. As a result of design analysis, contemporary Japanese costume design which represented the traditional image had traditional form, color, texture, pattern, etc. Through factor analysis about Japanese costume image 7 factors were identified; Attractiveness, Attention, Cool and warm, Neatness, Activeness, Maturity, Classics. According to image positioning, Japanese costume design was classified by simple-decorative, soft-hard. As the result of regression analysis, The preference of Japanese costume image was related to attractive factor.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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