Until recently, various studies for the production of high-acidity vinegar have been conducted, but there have been few studies on the concentration process of vinegar. In this study, the possibility of introducing freeze-concentration method was investigated for the production of high-quality, high-acidity vinegar. Acidity, pH, specific gravity, and glucose concentration were measured for frozen concentrated vinegar fractions obtained by freezing and thawing three types of Rubus coreanus vinegar with different acidy (7.53, 5.43, and 3.72). Acidity, specific gravity, and glucose concentration were all highest when 15% of the original vinegar was thawed. pH was the lowest when 15% of the original vinegar was melted. As a result of the measurement of cumulative acidity, when 20% of the original vinegar was melted, it was the highest at 9.32, which was 3.89 higher than that of the original vinegar. In this study, it was confirmed that vinegar can be effectively concentrated using the freeze concentration method and at the same time, the thawing ratio can be controlled to effectively obtain vinegar with the desired acidity. However, it is considered that studies such as organic acid and amino acid analysis are needed to determine whether the freeze-concentration method is introduced into the high-acidity concentrated vinegar manufacturing process.
Journal of Korea Entertainment Industry Association
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v.14
no.3
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pp.295-306
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2020
In 21st century, theater evolves into a complex aspects. Advanced visual media, such as photography and movies has brought crisis to theater's position, and that crisis led contemporary theater seek for distinctive strategy by repeatedly pondering over the format in which it can be more competitive than other arts. And postdramatic theatre is one of distinctive characteristics of this trend in contemporary theater. Among these flows, The aim of thesis is to study the phenomenon of postdramatic theatre and its practical application in the recently performed (2019) by Theater Group "Mul-Kyul". (2019) puts the body at the front, one of the features of the postdramatic theatre. When creating stage, or developing narratives, the process of characterization, or even highlighting dramatic themes, non-verbal focused theatrical expressions hold a dominant position over verbal expressions. Also, by combining various non-verbal elements like object, with body language, it builds a complex Scenography and creates a metaphorical expression. In this regards, I would like to classify the postdramatic theatre phenomenon shown in the (2019) into 'Disorganization of text through Scenography' and 'Collage of Body Language and Object' and consider its characteristics and meanings.
International Journal of Computer Science & Network Security
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v.22
no.9
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pp.251-257
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2022
Nowadays, the issues of comprehensive formation of a person capable of self-education, self-development and creative self-realization in the conditions of distance education are relevant. There is a need to solve this problem, which is due to social, cultural, and pedagogical factors. This makes it necessary to find effective means of personality formation. In this matter, great importance is attached to the modern method of forming a creative personality - art therapy. Various approaches to the definition of art therapy have been clarified. They consider various forms of art therapy when working with children, adolescents and adults in the context of distance education. The most relevant are the two main forms of work - individual and group art therapy. Art therapy develops the individual's creativity. Therefore, during art therapy, attention is focused on the inner world, experiences, and feelings. Therefore, we believe that in the context of distance education, art therapy has everything for the powerful potential of personality formation. Scientists consider this therapy as therapy by means of art, which is based on experiences, conflicts that can be expressed in the visual arts and music. Art therapy helps to get rid of conflicts and experiences. This happens in the context of distance education through the development of attention to feelings, strengthening one's own personal value and increasing artistic competence. The article describes the signs that characterize art therapy. Art-therapeutic technologies in the context of distance education, which are now actively used by psychologists, teachers and art therapists themselves, are highlighted. The advantages of distance learning are considered. The characteristic features of distance learning and features of the use of art therapy by means of distance education in the process of professional training of specialists are determined.
The Journal of the Convergence on Culture Technology
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v.8
no.3
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pp.399-404
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2022
Céline Sciamma is a leading female director of her time. She is constantly making works on the subject of women. It can be said that it has pioneered a 'female narrative'. In particular, it shows a unique perspective in dealing with the complexities surrounding the formation of a girl's sexual identity and the influence of peer culture on individuals. In Portrait of a Lady on Fire, 'The Handmaiden', 'The Painter', and 'The Maid' show the solidarity of women without hierarchies in a liberated space where the patriarch is absent, showing a feminist interpretation of classics and a self-reflecting consciousness of women's historical records. Based on the setting of drawing, this film explores the genderization of gaze, gaze and objectification, issues of seeing and power, etc. constructed throughout the history of visual arts. The portrait work of Heloise and Marianne in the film deconstructs the formula of 'a male painter as a viewer and a female model who gazes at herself through the male gaze' and turns the gaze into an interactive process of giving and receiving. The process of exchanging gazes is sealed with a nude painting in which Marianne's face is superimposed on Heloise's body. This overturns the nude painting as the dominant form of engraving the male audience's position in the image through the stylization of the viewing method in the history of Western painting with the erotic gaze of a lesbian in an instant.
Journal of Korea Entertainment Industry Association
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v.10
no.4
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pp.77-92
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2016
In this study, the relationship of images and sounds of the animations "Dots" and "Loops" which Norman McLaren animated with his Animated sound technique when he worked at Guggenheim museum at New York, are analyzed through the audiovisual analysis theory by Michel Chion, and through the theory of synchronism/asynchronism and parallelism/counterpoint by Siegfried Kracauer. For the results of the analysis, there are a few difference between "Dots" and "Loops" regarding the aspect of sound arrangement and expressive aspect of abstract animation. However, there are being of two main elements of sound, composing with monophony sound, making musical structure with sound effects, and the emphasizing of parallelism with synchronization bewteen images and sounds in common with both "Dots" and "Loops". In "Dots" and "Loops", there are close correlations between pitch of sound and arrangement/shape of image, between loudness of sound and size of image, and between length of sound and length/shape of image. The image and sound of "Dots" and "Loops" have equal relationship each other, rather than subordinate relationship according as image become sound and the sound become new image with the animated sound technique. "Dots" and "Loops" show tendency of minimal art and music video. Since these two films, and remind about the new approach to sound creation in today's animation production.
The Journal of the Convergence on Culture Technology
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v.9
no.5
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pp.809-814
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2023
Currently, there is a lack of research that directly applies and integrates science and technology in the field of dance and translates it into creative work. In this study, the researcher applied motion capture to creative dance performance 'Youth' and described the process of incorporating motion capture into scenes for the performance. The research method involved utilizing practice-based research, which derives new knowledge and meaning from creative outcomes through the analysis of phenomena and experiences generated on-site. The creative ballet performance "<Youth>" consists of a total of 4 scenes, and the motion-captured video in these scenes serves as the highlight moments. It visually represents the image of a past ballerina while embodying the meaning of a scene that is both the 'past me' and the 'dream of the present.' The use of motion capture enhances the visual representation of the scenes and plays a role in increasing the audience's immersion. The dance field needs to become familiar with collaborating with scientific and technological advancements like motion capture to digitize intangible assets. It is essential to engage in experimental endeavors and continue training for such collaborations. Furthermore, through collaboration, the ongoing research should extend the scope of movement through digitized processes, performances, and performance records. This will continually confer value and meaning to the field of dance
From the end of the 18th century to the end of the 19th century, the late 19th century was a genre of a new art that was in contrast to the distribution between social class and low class, and it was also a popular culture that attempted to transform the late Joseon Dynasty's social class. It is no exaggeration to say that it is the origin of the Korean folk art, started as popular art concepts, use colorful techniques and decorations which doesn't yield to ordinary iconography. But, because of the attempt of this technique was used by lower class, the meaning of the idea was lowered from iconography to secular picture. Ethics character picture, passed on to the present from going through the upheaval cultural time, was started from secular picture and transformed into hyukpil time illustration, and it represented popular arts until now. This thesis aims to reflect the meaning, various visual expressions and the lifestyle of Ethics Character Picture of filial piety and brotherly love, which is a unique genre of popular arts. Also, propose to suggest about the kinetic typography using video media, and how the traditional ethics character picture, which are combined with video technology, effects to the advertisements. These kind of attempts will show the world about the korea's traditional contents, and through the various media information it can be recreated as national symbolic key words. Furthermore, its meaningful to pass down the noble and cultural Ethics Character Picture of filial piety and brotherly love to younger generations. And by realigning to modern expression, it is predicted that it will be significantly meaningful to pass down and make the younger generations to understand to spirit of the ancestors. This will allow various attempts to reconstruct various items of contents from Korea's traditional contents to new media content that merged with video media.
시각이 아닌 오감체계에 관계하는 때문에 현대미술은 외관만으로 이루어지지 않는다. 곧 예술 작품들은 하나의 장소를 관객에게 제공하여, 심리적, 물리적, 또는 예술이 존재여부에 관한 갖가지 질문들을 제기한다. 모든 예술 작품은 메시지를 담고 있다. 이러한 관점에서 개념 또는 아이디어에 우선하는 현대미술은 그들의 메시지를 전달하기 위해 우리의 사회적 배경과 보편성을 간과할 수 없다. 우리의 물체 인식은 결국 우리의 경험체계를 통해서 이루어진다고 간주하면, 현대미술의 새로운 형태는 보편적 특질들이 그 특질들 이상의 상태로 보여지도록 유도한다. 이러한 창조 행위의 시작은 현대인간의 문화 읽기이며 문화는 인간과 자연의 긴밀한 관계 속에서 이루어진다. 역사는 지나간 시간을 기록한 것이며, 이 또한 우리의 지식과 정보 체계에 속한다. 회화가 평면에 입체감을 표현하는 것과는 달리 조각은 자연 속, 즉 실재공간 속에 있는 모든 것을 표현하기 때문에 시각(visible) 이외에도 촉각(tangible)이 관여하게 된다. 조각의 특수성은 촉각(tangible)이 우선하는 것이다. 그러나 시각과 촉각은 매우 적극적으로 미학적 경험에 참여하는 감각으로 이들을 서로 분리하여 생각하기가 무척 힘들다. 왜냐하면 어떤 경험에 있어서 기억연합 또는 감각 연합에 의해 하나의 감각이 다른 여러 감각을 촉발하여 연쇄반응 혹은 '형태 Gestalt'를 이루기 때문이다. 대부분의 근대 조각 작품들은 조각대 위에 고정되어 있는 구상 형태를 지녔기 때문에 조각작품 자체가 지닌 외적 형태와 그 자체내의 공간이 더욱 중요한 역할을 하게 된다. 말하자면 미로의 비너스 조각은 대리석과 비너스 형태의 결합이다. 때문에 관객은 그 주변을 돌면서 우리 신체의 내적 공간과 시각에 의존하면서 그 작품의 중량감, 양감, 형태 등의 특질과 만나게 된다. 그러나 현대 추상조각과 개념조각은 이보다 좀 더 확장된 공간을 제시한다. 이것은 현대조각이 건축개념을 수용한 때문이며, 그것이 때로는 안 쪽에서 때로는 바깥 쪽에서 그 형태를 결정하며, 보고 듣고 느끼고 만져지고 왕래하는 등의 인식 영역인 관객의 오감체계에 직접적으로 관계하기 때문이다. 우리는 건축 공간에서, 시각 외에도 청각이나 촉각을 통해 지각한다. 대강 요약하자면 공간은 객관적 상태이기보다는 인식영역의 주관성을 통해 받아들여진 우리가 지나쳐온 것들이나 체험된 공간이다. 여기서 '받아들여지는' 일은 과거 경험들의 주체들, 언어와 문화에 의해서 이루어져야 한다. 건물, 즉 둘러싸고 있는 공간은 중앙이 아니다. 중앙은 바로 나, 둘러싸여진 나이다 나는 나의 동작에 따라 그 공간의 시스템을 변화시킬 수 있는 유동적인 중심이다 (이때의 나는 위치의 축을 변화시키는 것이 아니라, 그들을 탐색하는 것이다). 작품이 대형화되면서 이러한 건축공간개념이 현대 조각가들의 작품개념에 이용되었다고 본다. 현대미술에서 In situ작업과 특정한 장소를 위한 기획되어진 최근의 프로젝트 작업들은 대형화되어있으며, 건축에서처럼 특정한 장소를 만들어낸다. 로잘린드 크라우스(Rosalind Krauss)는 또한 '조각영역의 확장 (La sculpture dans le champ elargi)'에서 현대조각이 건축과 환경의 영역을 침범하고 있음을 지적한다. 그녀에 의하면, 1960년대 이후의 현대조각은 이러한 탈 귀속성과 조각의 자율성을 획득함으로써 조각은 건축물이 아니면서 건축물 주변에 위치하거나 풍경이 아니면서 풍경 안에 자리잡게 되었다. 이와 같이 현대의 대형조각 작품들 - 예를 들어 대형화된 미니별 조각이나 개념미술, 또는 대지예술 등 -은 풍경의 실재가 아니기 때문에 환경으로부터 구분된다고 언급하고 있다. 이들 조각은 더 이상 만져지는 실체이거나 점유하는 공간의 상징언어를 지닌 조각의 범주에 한정되지 않게 된다. 조각과 건축의 공간인식을 인체의 크기와 관련하여 보면, 메를로 퐁티(Merleau-Ponty)의 '지각의 현상학' 은 우리가 논하는 작품의 공간체계를 분석하는데 지침표가 되어준다. 메를로 퐁티가 말하는 지각은 정신에 의해서만 이루어지는 것이 아니며, 몸과 함께 이루어지는 현상이다. 지각은 우리가 부단히 눈을 움직이고 만지고 냄새를 맡고 주변을 돌아 다니면서 세계와의 직접적인 접촉을 통해 이루어 진다. 몸의 움직임을 통하여 나타나는 신체적 표현은 몸 자체가 원천적으로 지향적 활동의 주체로서 파악되는 한 이미 항상(恒常, constant) 의미 현상을 지니다. 우리의 지각이 움직이는 몸의 지향 활동을 통해 이루어진다는 것은 우리의 몸의 지향활동이 의식에 선행함을 의미한다. 몸의 움직임은 의식의 의도를 표현할 때에만 의미를 나타내는 기호가 되는 것이 아니라, 이미 그 자체가 살아있는 표현이다. 우리의 몸짓, 표정은 우리 의식이 의도하기 전에 이미 의미가 담겨있다. 몸은 그 자체가 기호(Signe)적이다. 결국. 메를로 퐁티에게서 세상(le monde entier)은 그 자신이 주체가 되어 인식한다, 그리고 이 인식 구조에는 우리의 몸이 구심점(le point centripete)이 된다. 만약 우리가 이러한 메를로 퐁티의 개념을 염두에 둔다면, 예술작품의 특성에 매우 중요한 역할을 하고 있는 재료와 크기를 이해할 수 있을 것이다.
The paintings of the Eight Drunken Immortals refer to the paintings based on an influential poem called "The Song of the Eight Drunken Immortals" by Du Fu, a Chinese poet from the Tang Dynasty. This poem is about the eccentricity of the Eight Immortals known for their love of drinking. The Eight Drunken Immortals have been widely appreciated among East Asian intellectuals, and their stories have also been translated into paintings. Greatly influenced by Li Gonglin's Painting of the Eight Drunken Immortals, people in China have the tendency to create similar scroll paintings, using contour drawing tools. Meanwhile, in Korea, the paintings of the Eight Drunken Immortals have been widely appreciated both as a type of visual art embodying the Drunken Immortals' taste for the arts and as a meaningful object conveying the people's wish for longevity and eternal friendship. According to historical records, the paintings of the Eight Drunken Immortals from the Ming Dynasty were drawn on eight-fold folding screens using a sophisticated ink wash painting technique. In the meantime, the Painting of the Eight Drunken Immortals appreciated by King Jeongjo from the Joseon Dynasty was a colored landscape painting with small human figures on an eight-fold folding screen. Since the recent discovery of Yi Han-cheol's Painting of the Eight Drunken Immortals on an eight-fold folding screen, it has now become possible to imagine how renowned artists such as Kim Hong-do and Kim Yang-gi would have made the narrative figure paintings. In particular, the story of Li Bai, one of the Eight Immortals, was the most famous one often told in the paintings. After the 19th century, there was even an entire panel of narrative folding screen made about Li Bai. As painting manuals and outline drawings were pervasively used, the narrative paintings on Li Bai were mass-produced among commoners. As you can see from this, the Eight Drunken Immortals have been visually represented as thirsty souls who are not disconnected from the world, as honest men of refined taste for the arts, and as protagonists of an object that conveys the people's wish for longevity and eternal friendship. In other words, the paintings of the Eight Drunken Immortals embody multiple undertones: as paintings based on Du Fu's poems and as narrative paintings on the Eight Immortals.
In this thesis, the movie with mise-en-scene established was compared with the peculiarity of the play that is the etymological source of the term to identify the peculiarity of mise-en-scene which was substituted into animation to find the peculiarity of mise-en-scene in animation. To emphasize the direct connection between the frame's visual peculiarity and the director's opinions, the mise-en-scene of director centered animation created under a restricted environment was reviewed. Mise-en-scene which started from movie critics theory does not simply mean the arrangement of images in a frame. Mise-en-scene emphasizes the exposure of the work's motive by the visual components. The animation's assuming the middle point of environmental share possessed by play and movie when schematizing the genre peculiarity of animation, play and movie was a noteworthy result. It can be said that the cause is that the animation's peculiarity yield different results depending on the making methods; we verified that this is a key factor in the analysis of animation's mise-en-scene. I emphasized that the peculiarity of animation mise-en-scene is in its making method and material and suggested identifying the work's making methods and analyzing the work's aesthetic results derived in this way. The russian animation which was perceived as peripheral arts was relatively free from the burden of censorship while receiving support from the Soviet as a media for propaganda. The russian animation's mise-en-scene which found the material for its works in the country's folklore was metaphorical, focused on new expression forms and achieved experimental elements. Russian animation pursues a unique aesthetic world through space expression based on the forms of opera or ballet and heavy motions formed static inbetweens.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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