본 연구는 아날로그 연필, 펜 등과 같은 필기구를 사용하여 패턴을 그리는 젠탱글 아트(zentangle art) 제작 과정 중, 디지털 아트의 효과적인 융복합을 통해서 보다 창의적인 젠텡글 아트 작품을 제작하기 위한 방법론과 활용 가능성에 대한 연구이다. 특히 디지털 아트의 저작도구를 활용한 제작 방식과 한국 전통문양의 형태별 분류인 식물문(食物紋)의 상징성(symbol)을 응용하여 전통문양과 젠탱글 아트가 융합된 디자인을 연구하고 기호학의 관점에서 연구 및 분석했으며 그에 따른 새로운 방향성을 제시한다. 향후에는 제작자를 중심으로 젠탱글 아트 작품 제작 시 발생하는 특유의 몰입감과 심리적 현상을 연구할 예정이다. 추후, 지속적인 연구를 통해서 젠텡글 아티스트 및 연구자들에게 콘텐츠 제작의 새로운 확장성과 산업적 가치를 제시할 계획이다.
현재 시판되고 있는 국산 Polar Zoom Lens 80~200mm(1:3.9) 와 일산 (日産)Nikkor Zoom Lens 80~200mm(1:4)를 실사(室寫)에 의한 화질을 비교하였으며 화질검사 방법은 日本千葉大學 다무라미노루(田村 稔)의 hawlet chart를 이용하였다. Polar Lens나 Nikkor Lens가 모두 평균화질이 6.9였으나 양상 화질 면적은Polar Lens는 86% 이고 Nikkor Lens는 92%가 나왔다. 이것은 국산 Lens의 수준이 국제수준에 도달하였음을 알 수 있었다.
International Journal of Advanced Culture Technology
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제12권1호
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pp.100-107
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2024
Addressing challenges posed by an aging society, this study explores inclusive design orientations for digital medical interfaces catering to the elderly. The aim is to enhance inclusiveness and optimize interactive experiences within the medical system for senior users. Employing inclusive design concepts, the study analyzes characteristics through literature, focusing on functional purpose, interactive behavior, and emotional expression in digital medical interface design for the elderly. User research methods, including in-depth interviews and field research, generate user personas and behavioral analysis diagrams, organizing and categorizing pain points for elderly patients with chronic diseases. The study proposes principles for improving service touchpoints based on inclusiveness, optimizing pain point types and design processes in age-friendly services. These enhancements aim to help the elderly adapt to and integrate into a digital lifestyle.Incorporating inclusive design principles enhances the inclusiveness of service design, improving the service experience for the elderly. Age-friendly service design with inclusiveness serves as a valuable entry point for research targeting elderly populations and provides practical strategies for age-friendly medical service process design.
The purpose of this study is to examine how fine art is received in fashion, and to contribute to the development of a creative fashion culture. In order to do this examination, this study focuses on the formative ideas of De Stijl which appeared in the early 20th century. In addition, this study presents examples of today's fashion that still reflects the formative ideas of De Stijl. The De stijl movement did not last for a long time, but it has had significant influence on modern art, and has been a source of inspiration to fashion designers since the Mondrian look was presented by Yves Saint Laurent in 1965. The study on the basis of De Stijl such as Neo-Plasticism of Piet Mondrian and Elementalism of Theo van Doesburg, has been conducted in this study. As a result, this study presents formative characteristics of the De Stijl group in fashion as follows: First, contemporary fashion designers have searched for proportion and thickness of lines and the side split using lines, a stylistic trait of an artist in the De Stijl group. Second, color scheme defined by the De Stijl group has been applied with modification to contemporary fashion. Modification and selective choice of the limited colors are for a contemporaneous style. Third, formative ideas of De Stijl, which strives to achieve the vision of Utopia, has turned up in contemporary fashion as a simple and minimal silhouette. Contemporary fashion has enhanced their aesthetic value by deriving not only a superficial expression but also plastic principle and philosophy from De stijl. It can be regarded as the fashion's ideal way to embrace style of art and it might be so described as a key to edifying artistic and creative attributes of fashion.
This study explored the characteristics of contemporary furniture called New Design furniture design in terms of aesthetics of communication in the postmodern era. Qualitative conceptural analysis as the principal methodology was used to explore the characteristics of New Design furniture, which is accessible to the broadest possible public. Thereby, the communicative elements of symbol, metaphor, narrative, animation, imagination, humor, and/or wit expressed in New Design furniture were analyzed according to the designers'concept and work. As a result the postmodern aesthetics of communication made New Design furniture accessible to the largest number of People through cultural considerations in New Design furniture as it influences designers 'concept and work. However, it showed problems of New Design furniture in connection with postmodern aesthetics affecting mass production. Therefore, the designers have begun rethinking, redefining, and redesigning their furniture aesthetically, functionally, economically, and ecologically.
The most remarkable and characteristic problem of design is that of creativity of design. Originality is a part of creativity. In the process of designing, we used to handle design thoughts that shows some patte군 of divergent and productive thoughts. During design thinking, for example 'Idea sketch', We also are under Pattern Recognition and Gestalt principles organization. In this study, it is reorganized that the 'Originality Test of Line Drawing(OTLD)'is a measurement system for personal originality. There is a regression on two tests of OTLD, which has 1 Semester Interval. From the regression data, Test2 = 7.763 + 0.643Test1, F value : 55.219, Prob : 0.0001. We would suggest a measurement system for an ability of originality in design fields, but we couldn't find any reliability and validity for Fine Art fields. In this point, OTLD could be a development tool for design creativity.
본 연구는 형태와 색채의 상관관계를 중요시한 칸딘스키(W. Kandinsky)의 작품을 미술치료의 관점에서 분석하였다. 작품분석과 관련된 대부분의 논문들은 미학적 접근에서 연구되고 있으며, 미술치료관점에서의 분석은 이루어지고 있지 않은 실정이다. 본 연구는 이제까지 행해져 온 미술치료의 연구에 하나의 새로운 방향을 제시하고자 하며, 그 가능성에 대하여 연구하고자 한다. 시각언어를 표현하는 색채, 형태와 인간의 심리적인 상호관계를 분석하여 이를 바탕으로 색채심리 및 Gestalt이론, 지각심리학적 접근을 통한 미술치료방법의 가능성을 제시하고자 한다. 인간의 색채심리와 형태심리에 근거하여 어린이의 건강한 정서적 성장을 위한 일러스트레이션의 개발과 아동교육프로그램 및 놀이교구개발 등에 응용하는 것이 본 연구의 최종목적이다. 그 선행연구로 미술치료모델로서 칸딘스키의 작품 '원 속의 원(CERCLES DANS CERCLE)'을 칸딘스키의 이론적 입장과 미술치료입장에서 분석해 보았다. 이를 통하여 인간정서에 긍정적인 역할과 정서순화를 목적으로 하는 하나의 새로운 미술 치료모델자료로서 활용하고자 한다.
As designs that simulate man's five wits are important, all five senses used are complex. Tactil value by Bernard Berenson means that the object in fine art makes the spectator feel like his or her finger is touching something, although the spectator is distant from the art piece. Especially as costumes have a relationship with the flexible skin and moving body, tactile modality and tactile value is more important. In order to analyze how Madeleine Vionnet realized a new femininity through the application of the principal of tactile value to dress design and in order to define tactile value in the field of fashion, this study examines the theory of tactile value, sculpture, painting, contemporary art, and product design as well as the design of Madeleine Vionnet from 1925 to 1937 because she was in the fashion business enlarging dress shops in New york during this period. The shape of Madeleine Vionnet's dresses made the concealed body alive through organic curves pressed against the body from cuts and dissections based on the anatomy of a supple body with curves and movement. In the garments, soft physical characteristics or the glossy touch of silk or pile textile imitated smooth skin while colors similar to a woman's eye, hair, and skin color continue the impression of the dress extending to the body through these design elements, Madeleine Vionnet's dresses reinforce the will to touch female body hidden under the dress by tactile values, not by the body's modification or visual exposure.
In the 20th century, The artistic world was constantly producing new ideas and movements and the world of fashion responded to and reflected them all in greater of lesser degree. Dress designers have always been aware of what is happening In the arts and have always been able to use the discoveries and ideas of the artist to help them solve design problems and create fashion which are new, inventive and reflective of thier time. Up to the present, other researchers have investigated the connections between the fine arts and the Modern Fashion. In this respect, the objective of this research was to clarify the characteristics of painting of the Impressionism on the Modern Fashion. In order to investigate the relationship between the trend of painting and Modern Fashion. Especially, Impressionism's light and color affected both 20th's painting and other sorts of art. That is, the trend of the modern painting, Fauvism, Cubism, Surrealism, Abstract art, Abstract Expressionism, was influenced by Impressionism painting. Similarly, in the sihouette, line, color, fabric pattern of the Modem Fashion was represented characteristics of the Impressionism Painting. The fashion's Fauve, Paul Poiret was excited by the power of color in the same intense way as the 'wild beasts' of art. The color of his clothes during that period was bold and brilliant. Gabrielle Chanel simplified the shape of women's clothes to a square cardigan and rectangular skirt. This was a cubist concept. Art and fashion probably held hands closest in the 1930s, when Elsa Schiaparelli was creating clothes directly influenced by the Surrealist thinking of Salvador Dali. And she burst upon the fashion world with a sweater that had a trompe I'oeil bow. Soma Delaunay was one of great pioneers of Abstract in. She proceeded to mix strong and bright colors into her art and created the geometric and abstract patterns of the clothes and fabrics with her strong color. The influence of Abstract Expressionism was expressed the fabrics of the Modern Fashion. Some fabrics used in Modern Fashion are printed in a dripping pouring and splashing style. For the future, some futher research to investigate the art-fashion connection might involve establishing systematic classifications for silhouette, line, texture, color of the fashion. Moreover, in order to study the influence of fine art on the fashion, a broader approach might wish to analyze the relationship between painting and other plastic arts.
The present research has created and evaluated contents capable of work appreciation visitors changing their viewpoints on their will by introducing mobile exhibition exposition devices (iPad) for large exhibition museum. Various exposition contents of usually invisible parts or those provided in accordance with user positions drew visitors' attentions and improved museum experience satisfaction. Utilization of digitalized exhibition information generated activeness in viewing and new communication between exhibition and a visitor instead of the conventional exhibition exposition.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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