인터넷이나 소셜 네트워크 서비스 등의 매체가 발달함에 따라 아티스트는 자신의 개성을 확립하기 위해 예전보다 보다 많은 노력을 해야 하는 시대가 되었다. 과거의 아티스트가 가창력이나 무대 매너 등 표면적으로 드러나는 요소만으로도 충분했다면, 최근에는 음악성, 삶의 철학, 사회 참여 등 자신의 정체성과 관련된 많은 분야에도 세심한 주의가 필요하다. 이러한 관점에서 1990년대 발라드를 대표하는 아티스트중 하나인 이승환을 주목하고자 한다. 그의 음악에서 나타나는 특징은 록 사운드를 기반으로 한 다양한 악기를 활용, 월드뮤직 사운드, 대규모 합창, 새로운 스타일에 대한 도전, 삶이 담겨있는 가사 등 크게 다섯 가지로 나눌 수 있다. 이승환은 싱어 송 라이터로서 수많은 앨범을 자신만의 색으로 채우며 한 시대를 풍미했으며, 지금도 활발하게 활동하고 있는 현재 진행형 아티스트이다.
Mona Hatoum and community make unlikely bedfellows. From her beginnings as a teenage exile to her maturity as an internationally celebrated artistic nomad, Hatoum defies classification within any single geographical or cultural community. Attempting, however, to locate specific points of contact between her and certain communities in terms of artist-in-residence projects in which she participated might be a particularly fruitful way of circumventing her notorious critical resistance to identity and her refusal of homogeneity. This paper starts with Miwon Kwon's critique of contemporary practices in community-based art, which locate an essentialising force that isolates a single point of commonality and overlooks authentic differences. It then turns to Jean-Luc Nancy's reconceptualization of community as 'unworked' and 'being-in-common' to provide analytical tools for avoiding the dangers of essentialism. By examining the three residencies that Hatoum accepted in the mid-1990s in the light of Nancy's observations and theories, and by bringing the idea of artistic nomadism and that of community into juxtaposition, we hope to show that Hatoum succeeds in finding an equilibrium between art and community, and that this sheds new light on the issues raised in recent discussions on such relationship.
본 연구는 최근 영화제작인력의 탈현장 현상에 주목하면서, 영화제작인력의 이직의도에 유의미한 영향을 미칠 수 있는 결정요인들을 실증연구를 통해 규명하고 양질의 영화제작인력의 손실을 예방하기 위한 방안을 모색하였다. 본 연구는 다양한 직종에서 활동하고 있는 다양한 직급의 영화제작인력들(402명)을 대상으로 설문조사를 실시하여 얻은 자료를 분석하였다. 이직의도 관련요인을 파악하기 위한 자료분석은 STATA를 사용하여 순서형 로짓분석방법을 이용하였다. 자료 분석결과, 영화제작인력의 이직의도에 유의미한 효과를 미치는 결정요인들은 '예술가 정체성'(odds, .7596), '직급'(odds. 1.536), '경력장애'(odds, 1.6107), '직업만족도'(.5731) 등으로 밝혀졌다. 이직의도가 높은 위험군의 특성은 직급이 낮고, 경력장애 문제가 많고, 전반적인 직업만족 수준이 낮고, 예술가로서의 정체성은 낮고 근로자의 정체성이 강하다는 결론을 내릴 수 있다. 본 연구에서 밝혀진 주요 사실들을 토대로 실천적, 정책적 함의를 모색하였다.
This Study is a research on symbolic meaning and artist's will of Vivienne Westwood's works which provide a new vision on woman's body and clothes. For the literary research, this study investigates theories of human's body which are phenomenal body of Merleau-Ponty's, the relations between power and body of M. Foucault's, cultural and social body of E. Goffman's and habitus of p, Bourdieu's. For the case research, Vivienne Westwood's collections are classified into each item which exaggerating and distorting woman's body such as Mini-Crini, corset, bustle cushion, bum-pad, farthingale and tailoring suits. Also she puts man's clothes item such as codpiece into woman's body. Through all of these design, she wants to reinterpret the woman's body and self-identity. Vivienne Westwood dose not leave the past just as a historic trace but recreates with her way of creation. Westwood has presented the satire which leads the parody of past in her unique ways of thinking and interpretation which mix the ideology of the past and the presents. Those make her look back the history and culture and express her esteem for self-identity of woman. Vivienne Westwood's works express woman's power and freedom in modem society.
After liberation from Japanese colonial rule in 1945, there was the three-year period of United States Army Military Government in Korea. In 1948, Democratic People's Republic of Korea, and Republic of Korea were established in the north and south of the Korean Peninsula. The Republic of Korea is now a modern state set in the southern part of the Korean. We usually refer to Koreans as people who belong to the Republic of Korea. Can we say that is true exactly? Why make of this an obsolete question? The period from 1945 when Korea was emancipated from Japanese colonial rule to 1948 when the Republic of Korea was established has not been a focus of modern Korean history. This three years remains empty in Korean history and makes the concept of 'Korean' we usually consider ambiguous, and prompts careful attention to the silence of 'some Koreans' forced to live against their will in the blurred boundaries between nation and people. This dissertation regards 'Koreans' who came to live in the border of nations, especially 'Korean-Japanese third generation women artists'who are marginalized both Japan and Korea. It questions the category of 'Korean women's art' that has so far been considered, based on the concept of territory, and presents a new perspective for viewing 'Korean women's art'. Almost no study on Korean-Japanese women's art has been conducted, based on research on Korean diaspora, and no systematic historical records exist. Even data-collection is limited due to the political situation of South and North in confrontation. Representation of the Mother Country on the Artworks by First and Second-Generation Korean-Japanese(Zainich) Women Artists after Liberation since 1945 was published in 2011 is the only dissertation in which Korean-Japanese women artists, and early artistic activities. That research is based on press releases and interviews obtained through Japan. This thesis concentrates on the world of Korean-Japanese third generation women artists such as Kim Jung-sook, Kim Ae-soon, and Han Sung-nam, permanent residents in Japan who still have Korean nationality. The three Korean-Japanese third generation women artists whose art world is reviewed in this thesis would like to reveal their voices as minorities in Japan and Korea, resisting power and the universal concepts of nation, people and identity. Questioning the general notions of 'Korean women' and 'Korean women's art'considered within the Korean Peninsula, they explore their identity as Korean women outside the Korean territory from a post-territorial perspective and have a new understanding of the minority's diversity and difference through their eyes as marginal women living outside the mainstream of Korean and Japanese society. This is associated with recent post-colonial critical viewpoints reconsidering myths of universalism and transcendental aesthetic measures. In the 1980s and 1990s art museums and galleries in New York tried a critical shift in aesthetic discourse on contemporary art history, analyzed how power relationships among such elements as gender, sexuality, race, nationalism. Ghost of Ethnicity: Rethinking Art Discourses of the 1940s and 1980s by Lisa Bloom is an obvious presentation about the post-colonial discourse. Lisa Bloom rethinks the diversity of race, ethnicity, sexuality, and gender each artist and critic has, she began a new discussion on artists who were anti-establishment artists alienated by mainstream society. As migration rapidly increased through globalism lead by the United States the aspects of diaspora experience emerges as critical issues in interpreting contemporary culture. As a new concept of art with hybrid cultural backgrounds exists, each artist's cultural identity and specificity should be viewed and interpreted in a sociopolitical context. A criticism started considering the distinct characteristics of each individual's historical experience and cultural identity, and paying attention to experience of the third world artist, especially women artists, confronting the power of modernist discourses from a perspective of the white male subject. Considering recent international contemporary art, the Korean-Japanese third generation women artists who clarify their cultural identity as minority living in the border between Korea and Japan may present a new direction for contemporary Korean art. Their art world derives from their diaspora experience on colonial trauma historically. Their works made us to see that it is also associated with postcolonial critical perspective in the recent contemporary art stream. And it reminds us of rethinking the diversity of the minority living outside mainstream society. Thus, this should be considered as one of the features in the context of Korean women's art.
The purpose of this research is to analyze the relationship between the inspirations and designs of Dries Van Noten's Men's collections from 1992 S/S to 2014 F/W. The specific questions of this research are as follows: what are the important design features of the Dries Van Noten's Mixed collections from 1985 S/S to 1991 F/W? What are 'the roots of inspiration' of Dries Van Noten's Men's collections from 1992 S/S to 2014 F/W, and what are the aesthetic criterions of Noten's works? How can the roots of inspiration be categorized and what are its features? How did these roots of inspiration influence the Noten's designs? The paper is a reference of how ideas turn to practical works, and what the relationship between inspiration and design. Researchers utilized a qualitative research method providing a systematic review of the previous studies by analyzing the content. To conclude, roots of inspiration of Dries Van Noten's Men's collections can be classified into nine categories: 'Interpretation', 'Ethnic', 'Multiple Contents', 'Subculture', 'Region', 'Artist', 'Fashion Item', 'Sports', and 'New Trend'. Through the roots of inspiration, sensibility of Belgium, England, Italy, French chic, inquiry of ethnic, artist, sports, the neuter gender image, 1950's, 1960's & 1970's trend & style of street fashion, elegance for men, romanticism, zoot, rock 'n' roll, teddy boy, mods, punk, new romantic and 19th century's Anglo-Saxon style are extracted and applied to the designs through cross impact. The identity of Dries Van Noten's Men's collections are cross culture contents and harmony of the old generation and new generation.
This paper examines the characteristics of post-modern self-portrait photography. Characteristics of postmodernism associated with the "loss of centeredness," such as the death of the author, interdisciplinarity, and intertextuality, brought about a number of changes within the self-portrait. The distinction between post-modern and modern self-portraiture can be characterized by the following qualities: appropriation, the use of photography, and the utilization of the human body as an art. The characteristics of post-modern self-portrait photography can be represented through the works of Cindy Sherman, Orlan, and Morimura Yasumasa. By presenting prototypical women in her works, Cindy Sherman not only represents images of those women, but also exposes her fictitious role in the work. She creates a distance between herself in the works and herself in reality and discloses a paternalistic gaze. Meanwhile, Orlan transforms her face into a distorted image and presents it as an alternative identity that is representative of postmodernism. She corrodes the standard concept of identity through plastic surgery and treats the face not as a place where the identity stays, but as a simple body part or fragment of skin. Orlan's post-human face is malleable according to the artist's desire to raise the issue of what the human face is, and opposes the structure of modernism. Morimura Yasumasa also appropriates images from masterpieces and presents a hybrid identity between Eastern and Western, male and female, original and replica, and subject and object. In order to dissect social prejudice, he puts forth every single structural dichotomy that coexists in his self-portrait and suppresses a strong ego. He also studies the relationship between 'seeing' and being 'seen' by trading the painter's role from that of the subject to that of the object.
예술가에게 있어 저작권은 자신의 창작성을 공식적·법률적으로 확정하는 것과 창작에 대한 경제적 가치를 담보하는 제도로서의 유용성이 있다. 그러나 예술 개념의 불확정성은 저작권의 법률로서의 안정성을 취약하게 만드는 원인이 된다. 본 논문은 저작권이 순수예술분야, 특히 현대 시각예술의 분야에 적용될 때 어떤 한계가 있는가를 이론적으로 분석한다. 저작권법의 한계는 근본적으로는 예술 정의의 불확정성에 있는데 다음과 같은 두 개의 차원에서 문제가 된다. 첫 번째는 예술의 정의와 저작권법의 정의에 있어서 공히 문제가 되는 표현과 아이디어의 이분법이다. 표현과 아이디어의 개념적 구분이 실제로 가능한가의 문제를 예술철학의 차원에서 고찰해본다. 두번째는 예술에 대한 새로운 정의가 문제가 될 때이다. 개념예술은 표현와 아이디어의 이분법이 불가능하다는 연장 선상에서 발생하는 것으로서 개념이 예술이 될 때 발생하는 문제를 지적한다. 공공예술이나 참여예술은 예술창작의 결과물보다는 창작의 과정에서 발생하는 예술작품에 대한 관점과 태도를 변화가 초래하는 저작권의 문제를 제기한다. 이러한 분석은 예술가의 경제적 권리확보 수단으로서의 저작권의 불완전성을 성찰하고 이를 보완하기 위한 제도적 방안을 탐색하는 근거가 된다는 점을 제시한다.
Today, the art and the architecture face up to the problem of loss of direction. So, the derection of post have been lost. This phenomina cause the second loss of direction, because the mode of pre-modernism is underestimated. After all, the mode and philosophy of after-modernism face up to the new crisis of derection. Present artists, archtectures and designers have to acnieve new trial and study for estimation of aestetics and directions. Ultimately, constant exercise and study of philosophy, morpholophy, morphology, current mode and new materials is necessary to search a methodology. This all have to be accomplished by the clear philosophy. The original identity is formed in environmental basis. So, first, architectures, designers, and artist understand native identity, second, we sho have acadenical and practical faculties impose significance. In case of Europe, the change of mode have led paradigm of culture. The great change of social culture have come out the wave of revolution that cross in design, architecture and art. 1920's of modernism evolve 1960's completion. In the change of life style, functionalism have evolved postmodernnism. But, in this change we do not suggest the new derection that form concrete idea and sympathy. This phenomina appear in the end of a centry, and nowaday is that day. This trends effect on artists, architectures, and designers, and design and will be changed. Finally, we need to study of concrete and new direction in this circumstance.
수묵화는 동양뿐만 아니라 우리 미술을 대표하는 중요한 축 가운데 하나로서 한국 미술의 얼굴이자 현대 미술과도 불가분의 관계를 갖고 있다. 그런데 서양 현대 회화의 다양함이나 실험성, 생경함 등에 밀려 구시대적 유물 정도로 인식되고 있는 듯 하며 , 제대로 된 이론적 바탕을 완벽하게 마련하지 못하고 있다. 현대 수묵화는 한국 미술의 여느 분야보다도 훌륭한 한국성과 예술성 및 정신성을 지니고 있으며 미적인 독창성을 구축하기 위해 노력해야 할 것이다. 이를 위해서는 대상에 대한 진지한 관찰, 수묵화의 여러 특성이나 예술성, 한국인의 삶과 현장성, 또는 그림의 양식에서 나타나는 기호적인 선이나 형상을 바탕으로 한 접근 등이 필요할 것이다. 더 나아가 보다 독창적인 한국의 수묵화를 창출하고 미의 상징성을 확보하기 위해서는 우리의 경험과 시각에서 대상의 본질을 파악하는 것이 무엇보다 중요할 것이다. 이처럼 열악한 한국의 현대 수묵화를 보다 세계적인 미술로 승화시키는 것은 한국 미술의 발전을 위해서도 중요한 문제라 할 수 있다. 한국 미술의 Identity를 확립 하는 것은 곧 한국 미술의 발전을 위해서도 중요한 문제가 될 것이다.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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