These days there is a flow of support for returning to design and handcraft, and the arts and crafts ideas of William Morris have an influence until the present over periods. The semanticity and methodology of guild production method supported by William Morris is studied. The foundation that human is in beautiful harmony with nature is on free labor and artistic life. In the organic relationship, the decline of art is understood as general crisis of culture, and human living condition should be changed in order to rouse the human sense of beauty and comprehension of art. Once human labor becomes artistic, the consumption living and local living become artistic as well. And then consumers desire more artistic works, structures, or urban spaces, and the demands for those move artificers to go toward producing more artistic works and structures. That is, the course of succession of art and culture through living is the driving force of social progress. Even if the period when Morris lived and the present are very different, this paper will shows that a large amount of art and culture will be greatly developed in twenty-first century which is 'the period led by cultural consumers', and the people directly creating art works will be also increased at the same time, as Alvin Toffler suggested. Furthermore, we can aware through this paper that such the people will rule the world. Finally it reached the period that we must face to 'making artistic life' as Morris expected a century ago. According to the result of this paper, we realized the study about Morris will contribute greatly to improve the quality of human life.
The Journal of the Convergence on Culture Technology
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v.7
no.3
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pp.95-103
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2021
I began to produce a series of works based upon the plastic element as a visual transmission -such as points, lines, sides, volumes and cubics, movements with in time, and space- which appeared in the optical art, that emerged in the 1950s and the early 1960. My works, which portray the natural scenes such as mountains, trees, and flowers that are commonly seen around us, are completed by drawing, erasing, filling with many points and overlapping. My works also ignore the scenography. All artistic activities must be based upon humanistic values and ultimately need to work for human being. The work with application of opt art did not use the perspective, but diverse colors. The work with application of opt art did not use the perspective, but diverse colors. The work tried to express more diverse impression rather than the emotion from the familiar perspective. We hope, therefore, my works give pleasure and satisfaction to these who come to see them.
In order to deeply understand the significance of death aesthetics in contemporary art, this research first summarizes the development process of death aesthetics in art works with popular perspectives, and then classifies and discusses death aesthetics in modern art works. The results of this study are as follows: First, the aesthetic expressions of death are divided into two types: death reproducibility and death symbolism. Death reproducibility includes reproducibility of real objects and reproducibility of imaginary objects. The symbolism of death can be divided into external and internal manifestations. Secondly, in contemporary art, the reproducibility of death through the description of death scenes has increased the various problems and philosophical significance caused by death. Third, in contemporary art, the symbolism meaning of death is not just something directly related to death, it also shows the various psychological states brought about by death. Subsequent research will promote the artists' visual expression of the aesthetics of death in artworks, and the profound changes in meaning that result from it.
This study was to analyse the meanings of the appropriation inherited in the modern costumes from the latter of the 20th century to the present. According to the dictionary, the meanings of a word. "appropriation" is to steal something, used in order to avoid saying this directly. The sorts of the appropriation represented in the works of Art was as follow : First. the reconstruction by the imitation of the works of a great master or partly induction of the works of a great master Second, the introduction by the history, modern art, the image of popular culture Third, the imitation by the works of photograph, etc The appropriation in the modern costumes could be distinguished as two facts : First, the appropriation of the image of popular culture, 1) the way by the induction of popular factors of the extremely routine, commonplace character 2) the way by the citation of critical sentence of society, complaint message of the situation of times. Second, the reinterpretation of the past works : 1) the way by the reinterpretation of a great artist′s works, or popular works. In accordance with its change of a standard of value of the beauty, the products of modern culture, called the artificial second image, that is, popular factor, ready made factor, a signboard, a trademark etc, was appropriated in modern costumes and was reinterpreted by the works of fashion designer′s empathy. We can say that the modern costumes is not only the products of creative, original action of fashion designers but also the mirror of times, having relationship with society.
This paper briefly charts the history of excrement as part of the late 20th-century art and explores ways in which excrement functions in the realms of 'High' art. From Piero Manzoni's to David Hammons' performance , excrement has taken a small yet distinctively important part in the development of contemporary art. In an attempt to challenge the hegemony of 'high' art, on the one hand, and resist the commercialization and fetishization of art, on the other, Manzoni allegedly offered his own "shit" preserved in a tin can and sold it at the price of gold of the same weight. Andy Warhol took the legendary Abstract-Expressionist painter Jackson Pollock as the object of parody, simulating Pollock's dripping action by pissing onto the canvas that had been primed with copper-based paint. Warhol's urination produced splashes and stains of iridescent colors just as the patterns on ordinary abstract paintings. In contrast to Pollock's masculine action, Warhol's pissing alludes to the artist's homosexuality. Excrements in art also provoked controversies, debates, and even acts of vandalism against the artworks. The works of Andres Serrano and Chris Ofili infuriated many Christians for the blasphemous use of excrement with religious icons. Politicians engaged in the heated debates on the use of public and national funds in support of some of the 'politically incorrect' contemporary art. In the midst of media sensation and criticisms, these works challenged the conventional understanding of artistic beauty. The preexisting artworks were also targeted. African-american artist Hammons assumed the role of spectator in by urinating on Richard Serra's sculpture in the street of New York City. It was an act condemnation levelled at the racist pattern of the way in which large portions of funds and commisions of "public" art tended to promote established 'white' artists, whose work or creative process often failed to reflect the actual public. The use of excrement in art is not unusual in contemporary art practices. With its subversive power, excrement plays an important critical roles in the shaping of contemporary art.
Graffiti has been recognized as an art form since the influence of free, black culture and Neo-Expressionism in the 1980s, though Graffiti remains the subject of controversy both inside and outside the school Modem Art. Jean Michel Basquiat is the most famous Graffiti artist of the '80. He was regarded as the genius and star of American art, leaving a lot of experimental and creative works during his short, 9-year, creative period. In his works, Basquiat well expressed the isolated and dark shadows in the U.S., the pursuit of self identification, the purpose of expression and the epochally social phenomenon. The purpose of this study is to investigate the application of Jean Michel Basquiat's Graffiti to fashion painting. To achieve this purpose, we present a lot of fashion painting works which apply Jean Michel Basquiat's Graffiti by focusing on autographic experience, racialism, cartoon themes, monely value, and anatomical death in the characteristics of Basquiat's works. Through this process, we can express and apply Basquiat's Graffiti to fashion painting by analogizing the themes and modeling the methods of his works, such as childish and simple features, intentionally wrong spellings and sentences, and symbols of death including skeletons, intestines, bones and teeth. In addition, Basquiat's techniques are examined in this study, including the representational handling of a brush, primitive and strong colors, and maximized shape. This study found that fashion painting can juxtaposes art and fashion by expressing Jean Michel Basquiats' Graffiti.
This thesis is a study on Sook-Jae Lim(1899~1937) and Korean modern design. In modern Korea, design like most cultural advances came from western culture, that was introduced via Japan. So Korean design can be betterunderstood from observing Japanese modern design history. The research on Japanese modern design, however, is not being done actively. Sook-Jae Lim was the first Korean to graduate from the Department of Design at Tokyo Fine Arts School (currently the Tokyo National University of Fine Arts and Music). He died at a premature 38 years old, so very little of his works exist. That makes the study about him very difficult. From this perspective, the study aims to examine modern design concepts and styles accepted into Korea from Japan and position Lim as an early design pioneer in Korean design history, by using research of Korean and Japanese design fields in the modern era with focus on Lim and his works. Chapter II researches the process of how the concept of design was formed in modern Japan and how the "Art-Nouveau" style not only represents early modern design but also features Lim's works dominantly. Chapter III looks into the process of how the concept of design was formed and which design styles were introduced and applied in modern Korea. Chapter IV analyzes how Lim's viewpoint on design and his works were developed with observations about the tendency of the Japanese design field and curriculums of the Tokyo Fine Arts School during the period of his college days.
This study explores gender images represented in the works of women artists from the Middle East, where male chauvinism is recognized to be more predominant than elsewhere. The artists included in this study such as Mona Hatoum, Shirin Neshat, Lida Abdul and Sigalit Landau are Post-Feminist generation of artists who were born in the Middle East but spent significant amount of time in the West. In addition, they were trained as artists under the influences of the Western Feminist Art. This particular group of female artists pays much attention to the ontological question of their identities rather than male/female inequality, and each artist represents men and women in the ways that can hardly be found in the works by women artists in the West. These artists not only connect gender identities to the socio-political geography of the Middle East but also deconstruct Western stereotypes of men and women from Arab world. The paper focuses on the way these women artists incorporate male/female vs. culture/nature dichotomies into their works to subvert the premises on which Western Feminism has been based and not only to cast light on women's freedom and their ontological conflicts but also to emphasize social suppression inflicted upon men. In such process, these artists resist stereotypical images of Middle Eastern men and women widely circulated in the mainstream media of the West.
The purpose of this study is to find out what kind of media perception can be experienced by the audience when artificial intelligence technology meets art, where new technologies are invented one after another. Among the artificial intelligence works, I selected works that stand out in relation to perception and investigated what kind of media perception the audience experiences when artificial intelligence technology meets art. By examining the characteristics of machine hallucinations, uncanny, and artificial empathy with the media perception of artificial intelligence art, these perceptions were ultimately identified as aura perception within family resemblance. In the future, artificial intelligence technology will develop further and artists will not stop experimenting with them. It is expected that the works created by artists will expand the audience's perceptual experience while providing new experiences to the audience.
Jean-Charles de Castelbajac is gaining worldwide recognition as a designer who is not conscious of fashion and meet the desire of times. Castelbajac's works can be devided into three periods. 1. Creative challenge period. (1968~78) - His works started from creative challenge against haute-couture attract with practical design and extraordinary textile use. 2. Artistic development period. (1979~88) - He made unique ideas with the four primary colors affected by modern formative art. Pop-art clothes using cartoon or graffito were highlighted. 3. Aesthetic maturity period. (1989-now) - He received chevalier of Arts and the Letters at 1989. He was acquainted with other many designers in the world at 1990s, and his works came to mature. The aesthetic qualities in Castelbajac's works can be identified with the following themes. 1. Geometrical simplicity - Geometrical form without decoration and unnecessary lines used for the most comfortable cloth to wear and act gives an impression of explicitness and intelligence. 2. Humorous decoration - An unique idea having wit and humor shows his philosophy that must be new, vital and delightful. 3. Parody presentation - Pictures or people are reorganized 9Y work philosophy, then that get satirical and comic effects. 4. Pop-art image - Using mass communication media like a cartoon, figures, flag, graffiti, it produces clear and bright image.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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