• International Journal of Internet, Broadcasting and Communication
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• 제15권3호
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• pp.82-87
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• 2023

<Deep Sea> is an 3D animated film that stands out for its exceptional special effects and distinctive artistic style. The film employs a multitude of dazzling and vibrant ink particles, creating a strong sense of three-dimensionality and weightlessness, while simultaneously portraying a dreamlike and elegant representation of a deep sea ink painting. Furthermore, through the utilization of fragmented stream of consciousness narrative technique, the film establishes a unique artistic effect infused with a Chinese atmosphere. This paper by analyzing the unique particle ink art style and color and stream of consciousness narrative methods in film, this paper discusses the innovative art style generated by traditional ink art style combined with three-dimensional technology, and the integration of traditional ink art ideas and artistic conception in animated films. The objective is to cultivate a new ink art style and prove the importance of traditional cultural expression in animated films, while providing new perspectives for the future application of traditional art in animation.

• 복식문화연구
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• 제26권6호
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• pp.888-898
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• 2018

The purpose of this study was to review and establish the two concepts of art film and artistic expression in Prada fashion films, through a literature review of domestic and international case studies, as a form of luxury branded content, Prada fashion films are considered to artistic film genre. For the study, aesthetic expression in art films as discussed in the previous research was divided into four types. The study method was to review fashion / art films from the founding of YouTube, specially, works that used digital images from Thunder Perfect Mind, which was introduced in Prada in 2005, to Nylon Farm in 2018, stylistic features were searched by film. In addition, for this study, fashion film was analyzed based on the typology of art films. The following conclusions regarding artistic expression were drawn from this study : First, the Prada fashion films represent a transition to advanced art through a conceptual approach. Second, the causal relationships personality psychology can be cited through the disturbed and fragmented narrative lines. Third, the films help people identity Prada's aesthetics by humanizing the luxury brand. Fourth, the films are a feature of serialization.

• 한국콘텐츠학회논문지
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• 제10권2호
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• pp.381-393
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• 2010

본 연구의 목적은 영화 흥행 성과 예측 모형을 예술 영화와 상업 영화 각각에 적용하여 영화 유형별 상이한 예측 요인을 비교 분석하는 것이다. 이에 따라 예술 영화와 상업 영화 각각에 대해 영화 흥행 성과 예측 모형을 적용한 결과, 두 회귀식은 구조적으로 다른 것으로 검증되었다. 보다 구체적으로, 두 회귀식의 회귀계수의 차이를 살펴본 결과, 스크린수, 관객 평가, 장르는 예술 영화와 상업 영화 모두에 영향을 미치는 흥행요인으로 나타났다. 그러나 감독 명성, 상영등급, 전문가 평가, 배급사 영향력, 영화 제작국, 그리고 개봉 시기는 예술 영화의 흥행 성과에 대해서만 유의한 예측 변수로 검증되었다.

• International Journal of Advanced Culture Technology
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• 제11권2호
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• pp.64-72
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• 2023

This paper discusses the technical exploration of Ang Lee's cinematic works and the unique visual beauty he presents. Ang Lee has successfully tackled various themes and genres, creating films that harmoniously blend Eastern and Western cultural sensibilities. These films are technologically innovative and show the interaction between technology and art, industry and culture. Therefore, this paper analyses the correlation between film technology and visual beauty in Ang Lee's works, and explores the discourse on how the relationship between film technology and art has changed with the development of film. Furthermore, this paper aims to provide insights into how technological innovation can enhance artistic creativity. The contribution of this study lies in the in-depth exploration of the relationship between film technology and art, with a focus on technological innovation and the visual beauty in Ang Lee's works. The research findings reveal that Ang Lee's films showcase the application of advanced technologies, captivating audiences with their unique visual aesthetics. The utilization of emerging technologies enables his films to possess not only visual impact but also convey profound emotions and themes. We conclude that technological innovation in film not only provides artists with more creative tools and expressive techniques but also, when combined with artistic sensibilities, creates captivating and visually expressive cinematic works. This discovery offers a new perspective for film production and opens up greater possibilities for collaboration between artists and technology experts.

• 만화애니메이션 연구
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• 통권33호
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• pp.343-361
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• 2013

본 논문은 영화와 설치 예술 작품의 상호관계성을 도출하고자 구체적인 사례 분석을 통해 두 장르가 교차되는 지점에 대해서 살펴본다. 영화와 설치 예술의 관계는 회화와 사진의 관계성부터 시작하여 1920년대 무성영화와 예술 작품의 연관성을 살펴보는 작업까지 거슬러 올라가야할 필요가 있다. 이후에는 회화 작품을 넘어 설치 예술 작품과의 관계성 모색을 통해 영화의 미장센, 즉 화면 구성 및 배치 혹은 영화적 이미지를 위해 예술 작품을 영화에 응용하는 사례를 찾을 수 있다. 본 연구는 먼저 2장에서 영화와 예술 작품 사례 분석을 통해 두 장르간의 상호관계성에 대한 근거 사례를 확보한다. 3장에서는 영화 '원더풀 라이프'와 설치 예술 작품 '수공기억'의 두 사례 분석을 통해 구체적으로 교차되는 지점에 대해서 분석한다. '원더풀 라이프'와 '수공기억'은 각각 작품 주제와 개념적 측면에서 '기억'에 대한 표현이라는 점은 유사하지만, 영화와 설치 예술이라는 장르적 차이로 인한 매체 표현 방식의 상이함으로 인해 결과물의 형태는 다르게 나타난다. 그렇다면 본 연구는 영화 사례와 설치 예술 작품 사례의 비교 작업을 통한 상호관계성을 도출하기 위해 두 사례를 각각 분석함으로써 세부적으로 무엇이 다르며 어떠한 점에서 유사성이 있는지 살펴본다.

• 비교문화연구
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• 제34권
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• pp.7-41
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• 2014

This article examines magical realism in contemporary european film, which is considered to be one of the most popular styles in the present culture, with regards to Antonio Negri's theory of art. Magical realism is "alternative approach to reality" (Maggie Ann Bowers, Magic(al) Realism) and defined as "a fictional technique that combines fantasy with raw physical reality or social reality in a search for truth beyond that available from the surface of everyday life" (Joan Mellen, Magic Realism). The term of Magic Realism was coined in 1923 by Franz Roh, German art historian, as the concept for the post-expressionist painting in Germany. It has flourished in the Latin-American literature during the 1950s to 1980s and spread worldwide. Since 1980s magical realism is considered to be a universal artistic mode. Since 1990s magical realism is to find in the various novels, and since 2000 one encounters magical realism in the cinema very often. Antonio Negri writes about the relationship between life, imagination, art and the political in his book Art et Multitude. According to Negri, the hard life of people in the present society liberates the imagination and this creates the art as "the excess of the existence". In this process the aesthetic becomes to the political. Negri calls this space of art as "magical time and space". Claire Denis' film Vendredi Soir is analyzed as a contemporary magic realist text, which realizes Negri's concept of art: vendredi soir (friday night) in Vendredi Soir is the magical time, when the impossible becomes the possible, and paris in the public transportation strike is the magical space, where the individuals meet the other in a new situation. The film analysis associates itself with Negri's theory of art: in Vendredi Soir, it is to see, that the excess of the existence liberates imagination and creates the magic reality both in the movements of things and the human relationship. The phenomenon of magical realism in contemporary culture can be understood as the symptom of the emotional and existential pains of contemporary people in the current world. The contemporaneity of the magical realism can be read in the film as "the metaphor for contemporary thought" (Alain Badiou, Cinema). As Antonio Negri writes, art can become "the aesthetic redemption" (Negri, Art et Multitude) for us. At the same time "(t)his is where aesthetics can be transformed into the political." (Lee, "Communism and the Void")

• 한국실내디자인학회논문집
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• 제24권6호
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• pp.58-67
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• 2015

Expressionism is an art trend that prospered in the early 20th century and was represented in art activities in the diverse fields. As capitalism spread and people underwent wars, people's consciousness became impoverished, and it was created by the artists as a reaction against this, and notable achievements were made in film art and this is called expressive film which still inspires many artists. The modern age is a multicultural age and art is not limited to one area but influences many fields and interchanges and communicates with one another. This study attempts to analyze how an art trend has been passed down and developed and has influenced modern space. The purpose of this study is to derive the keywords of their characteristics through expressive films and to study how expressionism has been transformed and represented by putting them into modern space and to explore new perspectives and directions. First, the theoretical backgrounds of expressionism and expressive films were examined through the analysis of the existing researches, and the types of the characteristics of the space represented in the films were classified. Based on this, the representative expressive films were selected and the keywords of the characteristics of the expressive films were derived. A museum among modern spaces is a space that reflects the art trends and culture of the times and modern spaces are represented best in it. Also, recently the construction of museums has been vitalized and has explosively grown quantitatively and qualitatively, and shows diverse designs to the point that they are called the laboratory of modern architecture, so by analyzing the cases focusing on museums among modern spaces, the conclusion was derived. As a result, it could be seen that the expressive film space is represented diversely in the museums by the architects' inner desire of expression, centering on nonlinear expression, nonobjective form, and representational perception.

• International Journal of Costume and Fashion
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• 제6권1호
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• pp.71-83
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• 2006

This study is about how Art Nouveau and Art Deco clothing are represented in the costume design of film created after those periods and examines the recreation process of visual media. The costume design of The Wings of the Dove tried to reflect the mixture of fashion trends that could be seen during the times. Milly???s clothes seem to focus on recreating the special features of the 1900???s fashion trends more visually while Kate???s clothes are represented in a strong and simple way to emphasize her personality. The costumes in The Great Gatsby, tried to reinvent the 1920???s clothes in a romantic way. Daisy???s and Gatsby???s costumes were based on the aesthetics of the 1920???s clothing. but emphasized the symbolic nature of the characters to give a greater dramatic effect. By analyzing and comparing, it can be seen that, while costume design usually begin with painstaking research into the historical period in which the film is set it is often altered to highlight aspects of the story. such as the theme and the characters, in an effort to create a stronger dramatic effect. Costume design remains one of the most effective means for a director to visually express the personality and desires of a film???s characters. The ideal aim of costume design is to create something new but at the same time, remain true to the period by being grounded in accurate research.

• 한국HCI학회:학술대회논문집
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• 한국HCI학회 2006년도 학술대회 2부
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• pp.442-449
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• 2006

탈 장르화와 영상의 다양화로 예술에서의 표현의 한계는 극대화 되고 있으며, 디지털 매체를 통한 인터랙션 역시 디지털 아트에서의 보편적인 표현 방법으로 전환 되었다. 예술에서의 상호작용은 보여주는 것에서 참여하는 것으로의 전환을 꿰 하고 있고, 디지털을 기반으로 한 다매체, 다중화가 이를 뒷받침 한다. 상호작용을 위한 디지털 아트 작품을 위해서는 센서를 이용한 표현방법들이 있으나, 기타의 센서도구를 사용치 않고, 단지 카메라로부터 입력된 신호만을 기반으로 영상과 관객의 상호작용을 끌어 낼 수 있다. 이를 위해서는 모션트레킹을 위한 알고리즘을 응용함으로써 사물의 밝기 값에 충족한 데이터를 만들어 낼 수 있고 그에 해당하는 밝기의 변환 값을 이용해 미세한 사물의 변화를 감지 할 수 있는 것이다. 이런 일련의 영상작업을 위해서는 사물의 움직임과 반복성을 얼마만큼 인지하고 감지 해내느냐고 관건인데, 다시 말해 한번 측정한 움직임이 있는 사물의 데이터도 프로그램상에서 계속하여 인지가 되어야 하고, 그 데이터 값을 영상으로 반환하여야 하는데, 이는 영상의 지속적인 변화를 가져 올 수 있다는 걸 의미한다. 따라서 본 논문에서는 모션 트래킹의 기본 알고리즘을 제시하고 영상작품과 인턱래션작품의 변환를 위해 사용된, 센서 대체도구인 웹 캠의 데이터 즉, 색상 값과 밝기 값을 적절하게 활용함으로써 표현의 다양성을 이끌어 내고 디지털 인터랙티브 작품으로써의 제작을 꾀하고자 한다.

• 공연문화연구
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• 제25호
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• pp.5-30
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• 2012

한국에 영화가 전래된 시기는 분명치 않으나 1903년 6월로 받아들이고 있다. 또한 한국영화의 효시에 대한 논쟁은 김도산의 연쇄극 <의리적 구토>(1919년)를 영화로 인정하느냐 아니면 연극으로 인정하느냐의 문제이었다. 조선에 연쇄극이 처음 들어 온 것은 일본 세토나이카이 일행의 <선장의 처>로 알려져 있지만 또 다른 설은 1915년 10월 16일 대한매일신문의 연재소설을 무대화한 미쯔노 강게쓰 일행의 <짝사랑>이 부산의 부산좌에서 공연된 것이 처음으로 밝혀졌다. 서울에서는 1917년 3월 14일부터 황금관에서 <운명의 복수>가 무대에 올랐다. 연쇄극은 우리의 독창적인 공연형식이 아니다. 연쇄극이 조선연극계에서 전성을 누렸던 시기는 1919년 10월 27일 단성사에서 공연된 김도산의 <의리적구토>부터 3년 정도에 불과하다. 연쇄극의 공연형식은 연극이 진행 되는 중에 영화를 순차적으로 보여주는 특별한 극형식이다. 연극이 기존의 예술을 종합한 종합예술이라면 연쇄극은 새로운 매체인 영화까지 무대에 도입한 새로운 종합예술(총체예술)로서 확대연극으로 평가할 수 있다. 한마디로 연쇄극의 영상 도입은 영화적 행위의 삽입이며 연극적 표현의 확대기능으로서 새로운 공연예술로서 총체예술의 관점에서 논의되어야 한다. 현재 연쇄극의 학술적 연구가 미미한 상황에서 연극으로서 연쇄극인가 또는 영화로서 연쇄극인가의 개념 정의는 우선 연쇄극의 정체성과 그 미학적 확립이 요구된다. 조선영화 비평가, 임화는 연쇄극 필름을 영화라고 부를 수 없는 것은 활동사진을 영화라고 부르지 못한 것 이상이다. 라고 연쇄극의 정체성에 대해 부정적으로 언급했다. 그는 연쇄극이 활동사진만치 독립된 작품도 아니고 연극의 보조수단에 불과한 영화의 한 태생에 그치는 것이라고 연쇄극을 연극으로 결론 내렸다. 조선영화 초창기의 대표적 감독인 안종화 역시 연쇄극이 무대에서는 도저히 실연할 수 없는 야외활극 같은 것을 촬영해서 연극 장면에 적당히 섞어서 상영하는 것으로 보았다. 당시 연쇄극이란 연극과 활동사진이 결합된 형식의 공연물로 영화는 연극의 보조수단으로 보았다. 공간이 제한된 연극무대로는 표현하기 곤란한 정경이나 극적인 장면들을 야외에서 촬영하였다가 무대공연시 필요한 대목에 극장 내의 불을 끄고 백포장에 영사하다가 다시 불을 켜고 무대공연을 계속하는 식의 공연양식이었다. 연쇄극은 작품에 있어서도 진지한 연구가 없이 일본 연쇄극의 제작방식을 그대로 답습하여 그 내용에서도 신파극의 잔재를 그대로 이어받았다. 당시 일간지 지상에서는 연쇄극이란 개량신파극의 모방이므로 약식있는 연극인들이 가질 무대가 아니라는 혹평을 연일 게재하였다. 본 논문의 연구목적은 연극이냐 영화이냐의 정체성이 불분명한 연쇄극의 형식미학을 논의하고자 한다. 논의 과정으로서 연쇄극의 등장 배경과 공연형식 그리고 새로운 공연 예술로서 연쇄극을 총체예술적 관점에서 고찰한다. 그 결과 연쇄극은 영화가 아닌 확대 연극의 개념으로 규명하고 새로운 공연예술로서 재평가하고자 한다.