Journal of the Korea Academia-Industrial cooperation Society
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v.11
no.6
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pp.1969-1977
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2010
James Cameron's "Avatar" has broken the national record of movie ticket sales, and it caused the boom of 3D and 3D related fields. This research is focused on the appropriate ways to embrace the stereoscopic 3D cinema and the assumable result in Korea. The new stereoscopic 3D is different from the old fashioned analogue 3D, and it has many possibilities that may influence Korean film industry. Since 1990s, the number of Korean film school has increased drastically, and many of those who graduated from the schools would experience fierce job market. 3D converting projects that require a lot of film majored personnels would solve the overly supplied film majored professionals. Through Korea's hundreds of film schools, when they include 3D filmmaking in their curriculum, they can train and educate 3D related staff such as stereographer, convergence puller, and depth continuity artists, and Korea can be an important 3D staff train center in the world. Educating 3D filmmaking can produce a noticeable result in terms of accepting 3D cinema. Stereoscopic 3D cinema has many possibilities in many fields not only in cinema but also almost every fields that related to the imagery. With government's supports, the investments from the 3D related corporations, and 3D education in colleges would be fast and efficient way to embrace and accept stereoscopic 3D cinema in Korea in terms of the size and the profit.
The possibility of interactivity of digital media environment is adopted in human expression system and integrates the dynamic aspect of digital technology with expressive structure, thereby transforming the paradigm of image acceptance as well as image expression range. Virtual reality images have an important meaning in that they are changing the one-way mechanism of production and acceptance of images that lead to producers-video-audiences beyond the problem of verisimilitude such as how vividly they simulate reality. First of all, the virtual reality image is not one-sided but interactive image composed by the user. Viewing a virtual reality image does not just see the camera shine, but it gets the same view as in the real world. Therefore, the image that was controlled through framing changes to be configured positively by the user. This implies a change in the paradigm of image acceptance as well as a change in the existing form of the image itself. In addition, the narrative structure of the image and the subjects that are formed in the process are also required to be discussed. In the virtual reality image, the user 's gaze is a fusion of the gaze inside the image and the gaze outside the image. This is because the position of the user as the subject of the gaze in the virtual reality image is continuously restricted by the device of the discourse such as the editing and the narration of the shot. The significance of the virtual reality image is not aesthetically perfect but it is reconstructed according to the user to reflect the existence of the user positively and engage the user in the image.
Interviews are so important and meaningful that it is the heart of the documentary. In narrative film, it is focused as the story discourse, whereas documentary is strong in disclosure, which consists of narration and interview. In a TV documentary, interviews use conventional shots repeatedly, whereas in a documentary film that targets a relatively large screen, the interviewer's Mise-en-scene should consider the aesthetic depth. , which released in 2017 and used the audience for the third time in documentary film history, tries to make 40% of the volume of the main volume equal to the same angle. In a TV documentary, it is not uncommon for an interview cut to exceed 30 seconds, and if it exceeds 1 minute, immersion is significantly lowered, so the a mount and compression of the interview disclosure is important for both the director and the audience. In the case of the interview sequence of , it was the key to communicate the sub-plot with a relatively focused with long discourse, which is at least 8 minutes and 30 seconds to a maximum of 11 minutes, in a way that allows the audience to communicate. Furthermore, it was produced after the death of the protagonist Roh Moo Hyun, with the limitation that the voice of the protagonist was excluded, and the voice of Roh Moo Hyun was indirectly reproduced through the surrounding characters. In this study, it covers the meaning and scope of interviews in the production of documentary, and the aesthetic applications of the Mise-en-scene.
This study says that giving a life through the mixed power of motions which can not be fixed. It is a fundamental activity of the art of dance. In the fact, the art of dance is defined as the most instinctive and intuitive arts show that dance is a harmony of emotion on the body, thus, this view wants to discuss the relations between "sense and body". This view doesn't focus on the mere motions of dancing form, but characterizes dance as an art of another vitality through the mixture and combination of these motions. In other words, this study emphasizes that dance transcends time and space on stages, and that dance, as an expression of identity, is an art which shows a sense from inside of human. Therefore, when we want to understand the true meaning of the art of dance, we should attend what attributes of dance define it as an art and show its creative. This study, thus, seeing those attributes as the life-giving function of dance, aims to help understand the principle meaning of the art of dance that realizes creation as well as the attitudes of audience who appreciate the art of dance. And by doing so, this study contemplates how we should see the creative idea of choreography, forming sympathy and the art of dance.
Journal of Korea Entertainment Industry Association
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v.13
no.8
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pp.151-156
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2019
In recent years, the Korean realistic theme of the film momentum gradually rising. Realistic films do not stick to the business and market, and do not simply cater to the audience's needs for watching movies. They reflect social violence and cruel reality, allowing the audience to observe the structural contradictions in reality and think about the direction when watching movies. At the recent cannes film festival, "parasite" won the top prize palm in cannes by an overwhelming margin, with the highest score of 3.3 issues. Although this film is positioned as a thriller with comedy elements, it presents the opposite life images of Korean classes to the audience in a parasitic way, which not only expands the possibility and artistry of realistic film aesthetics, but also enhances the appreciation of the film and gives play to its own aesthetic value. Focusing on the technical and literary nature of the film, and having a high degree of attention to real life, it is an excellent work that tells about class opposition and thinking about reality. This paper considers and analyzes the content, form and creation method of parasite, and discusses the continuous exploration and attempt of realistic film to image language under the demand of market and system, evolving into new aesthetic expression.
Although the study of citation patterns is an important theme within the sociology of science, due to the fact that it is intimately related to the production, reproduction, and evaluation of knowledge, only sustained theoretical research outlining the differences of citation patterns between the hard and soft sciences has been conducted, and empirical studies nevertheless remain few and far between. The perspectives of institutionalism and constructivism have to attempted to explain different citation patterns between the hard and soft sciences as a contrast between 'what one says' and 'who one is'. Therefore, against this background this study examines the 'theoretical' controversy empirically by comparing the contrasting citation patterns of physics, as a representative of hard science, and sociology, as a representative of soft science. The results, in brief, are as follows: the citaton patterns in physics, as in sociology, vary according to the author's status within the hierarchical employment structure, i. e. whether s/he is a full-time lecturer or not, but diversity of citation patterns according to Ph. D. diploma area is unique to sociology. These results would suggest that the explanation of constructivism is more relevant in explaining variance according to the author's status in the employment hierarchy, but the approach of institutionalism is more appropriate to understanding variance due to Ph. D. diploma area. Furthermore, this implies the complex diversity of the citation patterns between the hard and soft sciences, pointing us to the more qualified conclusion that rather than having to choose between institutionalism and constructivism according to a mutually exclusive either/or logic, these two approaches can in fact be mutually complementary, and these approaches should also be applied piecemeal to different levels of phenomena. In conclusion, this comparative research enables us to assert the following two claims: firstly that physics, as a 'science in society', produces knowledge dependent on social context, and secondly that it also possesses a characteristic that transcends locality from the view of a sociology of knowledge.
Proceedings of the Korea Contents Association Conference
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2006.05a
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pp.54-58
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2006
As media and product became variety, the propensity of the people are coming to be various. To search for some popularity in this various life, we can find the class called 'the maina.' Todays, worlds are changing so fast that the masses can only have short life but if the Mania takes shape, becomes longer as natural. Also the hundreds of animations are broadcasted in a day, almost of them are forgotten in memories. However, the animations could lasting its value which has the Mania. This thesis is a studies on the constitution of Mania from animation 'Fullmetal Alchemist's Character. We can know the audience were not just like it, but they get crazy for it by comparing Japanese animation industry in those days; before it has been shrinking. Also, various contents of Fullmetal Alchemist means had enough customers.
Recently, by growing of Korean comics/animation markets and number of consumers, the more people have been reproducing culture contents into derived contents. However, user experience of active users who enjoy these cultures have not been accepted well like other local culture festivals in South Korea, though there are high potentials of vitalization comics/animation festivals using the active users. In this study, the experiences of participants of BICOF (Bucheon International Comics Festival) from 2013 to 2014 researched using the method of ethnography, especially using (group) interviews and participant observations. The result from the research indicates that cosplayers have limited range of participation inside of festival. And they have negative experiences during their participation into festivals. Therefore, this study suggests necessity of methodology of continuous reflecting of the user experiences of active users into festival, for the solution of the successful festival, who was objectified in the festival.
The Journal of the Convergence on Culture Technology
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v.4
no.3
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pp.113-125
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2018
In recent years, new media art is developing to play its roles as a means of remediation to overturn, reuse, and alter the old technologies rather than technology-dependent art to accept new technologies and use them as artistic tools. Here, the concept of new should mean looking at the old technologies in an indirect way and finding new meanings in them rather than presenting new technologies. The starting point of this study was the concept of spatialization in which the concept of new media art would externalize games from inside to outside the screen in gamification-applied spaces. Participatory new media art adds a platform for viewer's participation and utilizes the entire space of the exhibition hall instead of allowing for simple viewing at the exhibition hall. The study focused on the changes and phenomena in the process of games belonging to the artistic space through the interactivity of gamification. Here, the premise was that gamification meant the "spatialization of games." The study examined several cases of games being altered in the spatialization process to figure out interactivity for viewers and developmental directions for interface design at a gallery.
The purpose of this study is verifying whether convergence does its role as a transfer medium in dance expression or not, finding the effect of convergence characteristics and confirming whether it would bring change and new creation in performance art or not. This study suggests that studies on convergence in dance are required in accordance with the trend of time. This study believes that convergence is a modern art expression method, which can maximize the artistic expression in dance work and it will play an important role in the advance of dance works. There are ongoing studies on convergence art genre by many creators; however, still academic study this matter is not sufficient. Therefore, it is believed that more studies on convergence genre from the viewpoint of human studies are required. Accordingly, this study took Blush, the dance art works of Wim Vandekeybus, as the subject of study because convergence is clearly visible in these works. It is possible to draw convergence from these works because the works attempt new creation and utilize image by accommodating other genre art in dance art. The convergence in these works maximizes the originality of choreography and expands the time and space of stage through various effects. In other words, it is possible to see that Wim Vandekeybus is doing new attempts in his dance works by experimental elements, which escaped from simple movement, and convergence appears in the works.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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