본 연구는 3D 프린팅 기술에 대한 이론적 고찰과 이를 창의적으로 작품에 접목시킨 도자작품 사례분석을 통하여 3D 프린팅 기술이 도자작품의 조형성과, 예술적 가치에 미치는 영향을 재조명고자 하였다. 이에 작가 7인과 두 디자인팀의 도자작품 사례분석으로 다음과 같은 결론을 도출하였다. 첫째, 3D 프린팅 기술을 작품에 접목시킨 디지털제작은 기존의 수작업 방식과 달리 데이터 응용 및 변경이 가능하여 작가의 개성 있는 창작 예술품이 가능하다. 둘째, 새로운 소재와 방식, 첨단 디지털기술로 기존의 도자개념을 벗어난 보다 입체적이고 다채로운 조형물로 표현의 새로운 패러다임을 만들어 나가고 있었다. 앞으로 3D 프린팅에 대한 계속적인 연구와 활용으로 발전하는 디지털 기술에 부합하는 새로운 방법론을 찾아내고 실현하여, 미적 가치와 아름다움을 가진 도자디자인의 새로운 가치가 재창조되기를 기대해본다.
The purpose of this study was to examine the characteristic expression of Korean traditional costumes shown in the Korean paintings by Kim Hyun-Jung. The study analyzed the paintings by Kim Hyun-Jung to find out the characteristics of the contemporary Korean paintings and the expression of Korean traditional costumes. The characteristics of Kim Hyun-Jung's works are as follows: 1) The paintings are drawn by using Korean traditional painting methods and finished with Korean traditional paper, hanji. Moreover, they show the Korean traditional costume as main subject material. 2) They use modern painting methods, such as collage, and show pop art characters by use of contemporary popular products. 3) The artist communicates with the public through SNS and YouTube, and shows characteristics of popular art through commercial art products and advertisements. The characteristics of the Korean traditional costume in Kim Hyun-Jung's works are as follows. 1) The hanbok shown in the paintings is a traditional style with tight jeogori and wide chima. Chima is drawn in thin coloring with Korean ink and jeogori is expressed with semi-transparent hanji in various patterns and colors, which shows the subject 'coy'. 2) Various kinds of Korean traditional accessories and modernized flower shoes with high heels are shown as subject materials. The art works by contemporary Korean artists are expected to be the route to give valuable information to the public about Korean traditional costumes as well as the trendy Korean culture.
The essay discusses the way in which the aesthetic of Pre-Raphaelites reformulates the habitual system of knowledge in the Victorian age by adapting $Ranci{\acute{e}}re^{\prime}s$ concept of aesthetics. $Ranci{\acute{e}}re$ develops an original theory of aesthetics, a regime of knowledge which enables to perceive and reflect art as such. In this way, aesthetics turns to be the logical system by which the consensus idea of the beautiful comes to exist. For $Ranci{\acute{e}}re$, aesthetics is an agreed system of the sensible and reproduces the habitual knowledge of the world. Therefore, a new aesthetic movement means an attempt to break the given aesthetics and reorients the new distribution of the sensible. The important point of $Ranci{\acute{e}}re^{\prime}s$ argument is that he does not presuppose the dimension beyond the present unlike Frankfurt School. What $Ranci{\acute{e}}re$ claims is that there is no such the aesthetic which can correct the instrumental reason, but rather an indifferent moment in which a worker finds out himself as a creator who can give rise to the new regime of the sensible and feels free from what he must work for. From this perspective, the essay explores the aesthetic of Pre-Raphaelites and its meaning in nineteenth century Britain. Pre-Raphaelites was an artist group who railed against a so-called academic style of paintings and created a new aesthetic criterion to describe the truth of the natural world. The essay examines the interrelationship between Pre-Raphaelites and photography that would enable them to re-distribute the sensible and produce a new way of seeing the order of things. This is related to the birth of a modern gaze as in the case of landscape paintings. What is crucial is that the distribution of the sensible is always-already doubled with the political. In short, Pre-Raphaeltes is not only an aesthetic movement but also a political pursuit to achieve a disenchanted perception of nineteenth century industrial capitalism.
현대의 주거단지는 공원을 비롯해 호수, 산책로 등 가족과 이웃의 다양한 만남과 소통의 장으로 활용되는데, 더불어 주거 공간에 조형물을 전시하는 것이 하나의 구성요소로 조성되고 있다. 연구자는 이러한 시대요구에 맞춰 주거 공간에 전시하는 조형물의 디자인 전개 방법을 연구하는 목적으로 연구를 진행하였다. 작가의 생각과 메시지를 조형물에 넣음과 함께 관람하는 사람들도 공감할 수 있는 조형물디자인 하기 위해 디자인과정에 비유법을 활용한 은유, 유추방법과 작가의 생각이 공유될 수 있도록 동물형상과 단순화된 디자인을 전개하고, 금속과 돌을 사용하여 조형물의 형태로 완성하였다. 이러한 디자인 조형연구를 통해 거주공간이라는 특수한 장소에 작가의 생각과 관람자 모두가 함께 공감할 수 있는 조형물을 완성할 수 있었으며, 조형물이 하나의 예술분야로서 특수한 장소에 다양한 시각적 요인인 비유적 시각화 방법을 통해 형태화할 수 있는 가능성을 알 수 있었으며, 향후 지속적인 연구로서, 다양한 비유의 시각적 조형화에 대한 연구가 요구된다.
Clothing, as a signsystem, implies many different meanings according to different circumstances. Korean fashion designers' designs also imply various meanings. Therefore, the purpose of this study is the exploration of Korean fashion designers' design characteristics through Greimas' Semiotic Square. As sublimity is the most representative characteristic of modern fashion design, this study discusses the in-depth aesthetic meaning innated in Korean fashion design through the semiotic square proposed by Greimas. To fulfill this goal, Korean fashion designers were sought after on the internet; consequently, four Korean designers became subjects for the analysis. Their collections were analyzed according to predefined criteria adopted and modified from previous studies. Sublimity characteristics were applied to Greimas' and Floch's semiotic squares for further interpretation. Results of the study indicate that sublimity, which is typically found in Korean fashion designs, varies depending on different points of view. In terms of culture, this study discovered a relationship of contrariety between sublimity and beauty. This finding opposes the theory of Greimas' semiotic square, in which sublimity stands as a contradictory of the technician. According to the culture industry theory, suggested by Held, the technician is an implication of sublimity. Through a technician, sublimity may pose as a complementarity or implication of beauty. Finally, sublimity might substitute beauty as well; furthermore, it constitutes practical valorization in the semiotic square of Floch. Moreover, the artist present as a ludic valorization stands as a contradictory, while art, serving as a utopian valorization, enacts as a contrary.
Ji-Seon Park;So-Yeon Kim;Yeo-Chan Yoon;Soo Kyun Kim
한국컴퓨터정보학회논문지
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제28권9호
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pp.9-15
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2023
컴퓨터 비전 분류 연구에서 합성곱 신경망 (Convolutional Neural Network)은 탁월한 이미지 분류성능을 보여준다. 이에 영감을 받아 예술 관련 이미지 분류 작업에 대한 적용 가능성을 분석해 본다. 본 논문에서는 예술 작품 아티스트 분류의 정확도를 향상시키기 위해 최적화된 합성곱 신경망 구조를 제안한다. 미세 조정 범위 시나리오와 완전연결층 조정 시나리오를 세운 뒤 그에 따른 예술 작품 아티스트 분류의 정확도를 측정했다. 즉, 학습 컨볼루션 레이어(Convolution layer) 수와 완전연결층 수 등 ResNet50 모델의 구조를 변경하며 예술 작품 아티스트 분류의 정확도가 향상되도록 최적화했다. 본 논문에서 제안하는 합성곱 신경망 구조는 기존 예술 작품 아티스트 분류에서 쓰이던 AlexNet 모델을 1-GPU 버전으로 수정한 CaffeNet 모델보다 더 높은 정확도를 실험결과에서 증명한다.
본고에서는 한국의 여성 화가 천경자(1924-2015)의 여성 회화를 중심으로 작품 속 표현된 메이크업의 양상에 대해서 살펴보았다. 천경자는 한국 근대 전통적인 동양화적 중심의 틀을 벗어나 채색화를 구축시킨 대표적인 여성작가로 자신만의 독창적인 기법으로 여성을 주제로 한 작품세계를 펼친 작가이다. 특유의 특징적인 소재의 여성과 꽃을 통해 화려한 색채를 표현하여 자신의 내면세계와 사회에 전달하고자 하는 의미를 분명하게 표현한 것이 특징이다. 여성 인물화를 통해 작품 속 표현된 메이크업에 대해 알아봄으로 다채롭게 표현되는 여성의 메이크업과 인물화 그림을 통해 연관성을 알아보았다. 작품의 특징적인 메이크업의 양상을 통해 표현된 색채와 회화 속 내포된 의미도 살펴본 것에 의의가 있다.
한국의 대표적 여류시인으로 평가받고 있는 정운(丁芸) 이영도(李永道)가 작품 활동을 시작한 것은 1946년 5월 "죽순" 창간호에 <제야>를 발표하면서부터다. 일찍부터 유교적 가풍과 전통적 가치관을 몸에 익히며 체화된 그의 한국적 정체성은 자신의 문학에 짙게 표출되어, 1976년 그가 타계할 때까지 30여 년에 걸쳐 한국 여류시조 문단에 독보적인 인물로 남게 된다. 그럼에도 불구하고 이영도는 그의 숭고한 작가 정신과 작품이 보여준 우월성이 그의 개인적인 사생활로 인해 작품 평가의 공정성이 약화된 점 또한 부인하기 어렵다. 이런 관점에서 볼 때 이영도의 시조를 텍스트로 하여 그의 시조가 지닌 문학적 역량과 시조미학을 천착해 볼 필요가 있다. 주지하듯 이영도는 한국의 근 현대 시단에서 굳건하게 자리잡은 시인이다. 그의 시 정신과 시 세계에 대해 고찰한 바를 정리하면 다음과 같다. 첫째, 시대적 격랑기를 거쳐 온 이영도 시조의 원천은 조국이었다. 일제 탄압, 8.15 해방, 민족 분단, 6.25전쟁, 4.19 혁명, 5.16 군사 정변 등 그가 겪은 역사적 파고를 볼 때 의식 있는 지식인으로서 그의 시에 시대정신으로서의 조국애가 반영된 것은 우연이 아님을 알 수 있다. 둘째, 이영도는 시대적 아픔을 남달리 고뇌한 시인이다. 일찍부터 형성된 유교적 가치관과 한국적 정체성은 그가 처한 역사적 현실과 맞물려 자신의 시 세계에 짙게 투영된다. 셋째, 정운 이영도는 그리움의 시인이다. 그것은 이영도의 타고난 풍부한 정서위에 유치환 시인과의 만남으로 정한이 깊어진 것으로 보인다. 넷째, 이영도는 시조의 현대화에 새로운 지평을 연 시인이다. 그의 작품에 내포된 투명한 이미지와 살뜰한 언어의 조탁미는 탁월하다. 요컨대 이영도는 조국애의 시인, 시대적 아픔을 고뇌한 시인, 그리움의 시인으로서 근 현대시조단에 확고하게 자리매김한 철저한 예인으로 평가된다.
The purpose of this study was to approach to the internal meanings included in the Happening and the culture of hippies, by analysing the basic mental conditions in the process of the Happening. And this study was composed of the concept and the development of Happening, the characteristics of the hippies that related in the midst of the happening's background, and the formativeness between these factors and hippies'fashion. Since the happening a genre of fine arts expression attended the New School for social research in New York in 1954, Allan Kaprow direct-influenced by John Cage used the word 'Hapening'first, practicing '18 Happenings in 6 parts'at the Rueben gallery in 1959. Kaprow's 18 Happenings was one of the earliest opportunities for a wider public to attend the live events that several artists had performed more privately for various friends. Despite the very different sensibilities and structures of artist's works, artists were all thrown together by the press under the general heading of 'Happening', following Kaprow's 18 Happenings. Being considered as the root of the Happening 'Expression of Sound'of John Cage was the discovery of the exisiting thing- the Happening. Most artists were to be deeply influenced by Cage's theories and attitudes-that is, his sympathy for Zen Buddihism and oriental philosophy-and by reports of the Black Mountain events. These events would directly reflect contemporary painting and stemmed from the Futurists, Dadaists and Surrealists. And Happening's development background was based on the culture of hippies. Swinging London had been under the sway of psychedelic drugs and utopian visions of 'hippie'wave sweeping in from Califonia. This wave, which affected solid middle-class youth first and formost, began in Haight Ashbury in San Francisco. Without dwelling on the hippie movement here, it is worth nothing that it resulted from the convergence of several undercurrents : consciousness-expending drugs, the anti-Vietnam war developments, the impact of English pop groups on American music and the rise of protest songs, and finally the beatnik tradition of non-conformism. Hippie culture and its pursuit of love, peace and psychedelia was the antitheses of 1960s main street fashion. The media gave everyone with long hair the label of 'hippie', but it was always a very loose collage of attitudes and styles. The rejection of sexual taboos was conveyed by the hippie's refusal to wear. Although the bold exposure of body raised controversies because it went against the existing moral values, it has a significant implications. Psychedelics brought mind-expansion and the possibillity that modern technology (light show, synthesized electronic sounds), new fabrics or colors, and LSD could be utilized to provide an escape route from the dreariness of modern life. During the 1960s, traditional costumes, many of which had never been seen outside their native regions, became sought after and adopted in the West, initially by the young, who wanted to demonstrate their solidarity with cultures uncontaminated by mass industry. The most ardent proponents of such folk costumes were the hippies. Hippies dress was sometimes decribed as 'anti-fashion', produced by a patchwork of ragged cast-offs and flamboyant accessories, of outmoded Western dress and time-honored ethnic garments all combined, modified and permutated into variety of personal statements. 'Flower Power'became a reality. From the results of this study, we can see the expanding trend of the influence and the concept of the sew art genre 'Happening'in the formativeness as well as the fine arts field.
이 글은 작년 하반기 아이유 4집 앨범 발매 이후 벌어진 일련의 상황을 사례 삼아 최근 걸 아이돌에 대한 부정적인 대중 감정의 내용과 논리를 드러내고자 했다. 그간 팬덤 연구의 흐름은 스타에 대한 동일시와 그에 기반을 둔 팬덤 커뮤니티 형성에 초점을 맞추었지만 최근 '안티팬덤'이나 연예인에 대한 '악플' 현상은 이들에 대한 적의나 샤덴프로이데(타인의 불행을 기뻐하는 감정)와 같은 부정적 감정을 다루어야 할 필요를 제기한다. 샤덴프로이데는 공적 평등과 사적 소유 간 모순을 특징으로 하는 근대 자유주의에서 배태되어 '능력주의'를 중심으로 이 모순을 극대화하는 신자유주의에서 심화되는 사회적 감정이다. 오늘날 연예인은 종종 샤덴프로이데의 대상이 되는데, 이는 연예인이 본질적인 자질보다 '유명하다는 이유로 유명해지는' 방식으로 존재하게 된 상황과 관련이 있다. 또한 샤덴프로이데는 남녀 연예인에게 다르게 작동한다. 근대에 이르러 존재 자체가 남성의 사적 소유물로 위치되었던 여성의 '성공'은 섹슈얼리티를 이용한 '불공정한 자원 획득'으로 여겨지기 때문이다. 이는 현재 한국 사회에 만연한 '여성혐오' 문화의 배경이기도 한데, 이러한 맥락에서 아이유의 '여동생 아이돌 아티스트'로서의 성공은 젠더화된 샤덴프로이데의 적절한 대상이 된다. '페도필리아(소아성애증)'라는 명명은 작금의 여성주의 성폭력 정치가 직면한 교착상태를 반영하는 측면이 있지만, 아동성폭력/학대의 구조적 원인에 관심을 두게 하기보다 개인의 유명세에 흠집을 내는 추문으로서 작동한다. '아이유 사태'에서 '페도필리아' 규정의 작동 방식을 '성 정치의 샤덴프로이데화'로 본 것은 이 때문이다. 결과적으로 이 용어는 연예인 주가의 상승과 하락을 반복하며 장을 넓혀나가는 연예인 경제 지속에 기여하게 된다.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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