중세 기독교 회화에서 그리스도를 표현하는데 있어 가장 중요시한 문제는 그의 신성과 인성을 동시에 나타내는 것이다. '그리스도의 변형' 도상은 다른 어떤 주제보다 그리스도의 두 가지 속성을 뚜렷하게 보여준다. 본 연구의 목적은 예형론과 기독론을 통해 중세 그리스도 변형 도상의 신체와 복식에 나타난 그리스도의 신성과 인성의 표현을 고찰하는 것이다. 이를 위해 그리스도의 두상표현과 자세, 복식의 종류와 색상, 형태, 재질 및 장식, 조형성을 살펴보았다. 연구 결과 신성은 푸르거나 어두운 색조의 얼굴과 삼위일체와 강복을 상징하는 오른손, 오란스, 공중부양 자세로 나타났고, 인성은 홍조가 도는 따뜻한 색감의 피부를 지닌 장년 남성의 얼굴과 콘트라포스토 자세로 나타났다. 복식에서 흰색, 푸른색, 보라색, 금색 및 탈색효과는 신성을, 붉은색 및 고채도의 색상대비는 인성을 강조하기 위한 표현으로 분석되었다. 또한 비구조적인 주름과 직선적인 드레이퍼리, 목둘레의 장식선 등은 신성의 특징으로, 구조적이며 사실적인 주름의 묘사는 인성의 표현으로 나타났다. 중세 그리스도 도상은 인간의 모습으로 이 땅에 내려온 신의 형상을 구현하기 위해 철저히 계획된 의도의 산물이다. 이는 화가 자신의 신앙의 고백이자 중세 신학의 도그마를 전달하는 수단으로서 중요한 의의가 있으며 추상적인 개념을 시각화하여 전달하는 이미지의 중요성을 시사한다.
Modern footwear is accepted as a fashion accessory that plays the role of a point of style, which reflects trends and makes use of individuality and stylishness, not a practical means itself. This study considers diverse types of western shoes, which had been historically popular from, and about a role in accordance with it, and grasps the occurrence background and the aesthetic characteristics in shoes type, which had initiated fashion in the historically cultural aspect. Thus, the aim is to be conducive to developing design related to modern shoes. As a result of this study, shoe styles have changed in relation to the historical situation throughout every period from medieval times to mid-modern times. Two functions of shoes, practicality and aesthetics, could be observed tendency of leading fashion in the middle of mutual control and supplementation according to social conditions, economic strength in a person of wearing shoes, social standing, and gender. Accordingly, considering that designs related to shoes are influenced by the historical conditions, continuous research on unique designs according to each era is thought to be necessary to develop shoe designs of the future.
Pliny the Elder said that multiple cultures agree that the painting began as a shadow trace. A daughter of Butades, the potter in Corinth, traced an outline around a man's shadow, and it was the very beginning of painting. In this anecdote, the profile, i. e. the portrait substitutes body of the absent lover. It makes the absent body present and replaces his place. In this context Hans Belting put the anthropological value to this visual practice. Human being made images to cope actively with the shock of death and the disappearing of body. With the aid of the representation of the bodily presence, the image struggles to resist the death. This paper is a study on the critical meaning of representation in the context of bodily survival by image. The representation is the paradoxical trick of consciousness, an ability to see something as 'there' and 'not there' at the same time. So the connection between image and the body would be suspicious. Although this relation was tight in the ancient shadow painting and the medieval effigies, the modern visual practice forsakes this connection and exposes the trick of representation. It insists that image was not real and even expels the medieval visual practice from the boundary of fine arts. The genealogy of the portraiture is formed by two different visual practices. The belief and the disbelief in the image are observed in the process of representation and anti-representation, and this ambivalence transforms the ontological meaning of portrait in the visual representation.
Even though Gothic architecture, one of the most technologically complex sophisticated structural systems, has been interpreted by art and architectural historians since the nineteenth century, we still cannot entirely comprehend either the medieval builder's constructional technique and structural knowledge or the meaning of Gothic architectural elements. The major reason is that contemporaneous written documentation concerning design methods and constructional techniques of medieval architecture is lacking. In 1955, the Bibliotheque Nationale in Paris exhibited the sketchbook of the thirteenth century architect Villard do Honnecourt. After the exhibition, analysis on the architectural drawings of Villard's sketchbook had reported widely. Most of analysis on Villard, however, has been on his drawing and artistic style, and there has been very little published analysis of his profession and question on the author of the sketchbook. Thus, the purpose of this study is to investigate the characteristics of the sketchbook and identify the artist who drew it. The sketchbook poses a number of unsolved questions. There is no doubt that several hands have contributed some drawing with appropriate captions, particularly in the section devoted to the application of practical geometry to problems of masonry and carpentry. Scholars have assumed and revealed that it was not made by only one person, and it dealt too many different fields and styles. Through this study, the sketchbook drawings consist of five different styles and person (original painter, master1, master2, master3, and the last owner), and they, not Villard, just redrew the original drawings and bound the sketchbook. Therefore, Villard de Honnecourt was just a mentor of the sketchbook and he did not participate any writing and drawing in the sketchbook.
This study puts emphasis on showing the change of Stripe Pattern, which has been popular for a long period of time in many societies, with change in time, assessing its value as an art. During medieval period, Strife Pattern had a strong negative meaning as a sign of disgrace or inferiority, or had been used as discrimination against a mental or a sinner, who had been rejected or banished from the society. Through French Revolution, Stripe Pattern has become a symbol of liberty and equality, furthermore, the notion of society as well as countries. This event had positively affected on reevaluating its image, from inferior, negative to significant, artistic. Eventually the variety of aesthetic values of Stripe Pattern led its way to the variation of its functional value expanding its use other than fashion industry. It is anticipated that our fashion industry will flourish in creating new, creative design by understanding design and appreciating their aesthetic values with their applications to human sensibility.
This article compares two Iranian towers (burj) of the Saljuq period (c.1037-1194) with two Chinese Pagodas (t'a) of the Song dynasty (c.960-1279) in order to identify common cultural trends in medieval Iranian and Chinese architecture. To this end, the Iranian towers of Tuqrul in Rayy and Chihil Dukhtar in Damghan are compared with their Chinese counterparts of the Iron Pagoda in Kaifeng and the Pizhi Pagoda in Changqing. The two Iranian towers have much simpler architectural decorations compared to the splendid Song pagodas, which are decorated with statues and colorful paintings. The similarities in form, however, suggest common functions provided by the architecture. Both the Saljuq and Song towers had astronomical and military functions, position identification for travelers, and symbolic meanings, as well as their main functions as tombs. By applying comparative studies on the forms and functions of the Tuqrul and Chihil Dukhtar towers on the one hand, and the Iron and Pizhi Pagodas, on the other hand, this article aims to contribute new insights regarding common social trends shared by the medieval Iranian and Chinese and illustrated by their architecture. Extensive and distinguished publications on the general subject of art and architecture during the reign of the two dynasties under discussion already exist, as fully referenced below, but the specific comparative themes regarding the individual sites discussed here are the first in any study of this kind.
The purpose of this study is to offer a new inspiration for fashion design relating the "Romanticism" in art to one in fasion-examining the circumstance expressionad the latest trend which is involved with it. Since. 1990. Romanticism is motivated and represented in the middle of aridity in this age which is going on the end (of age). To say the details Romanticism in fashion is represented modernly in the compound of social grounds cultures and new techniques. Romanticism in fashion is represented modernly in the compound of social grounds cultures and new techniques. Romanticism in fashion is classified in four categories : Retro Avantgarde, Minimal and Ethnic. First Retro mood in Romanticism is represented by reappearing the costumes in medieval Renaissance Baroque Rococo, Romantic era Specially corsets crinolines bustle decorative ribbons frills and Medieval symbols in religion are important factors in intuitional symbolic Romanticism. Second Avantgrde mood in Romanticism is mainly represented in the oriental patterns colors items being motivated by Eastern customs images and cultures. Today they appear in modern concept reinterpreting 'fusion" "hybrid" and "cross-over". Romanticism in fashion is creating new forms and beauties absorbing the past and the present. In addition it is motivated by the nostalgic mood. the expectation for the future and the refineent. Romanticism would be an important fashion theme to offer new inspirations for the fashion in 21th century rather than remain at the reappearance.er than remain at the reappearance.
고대 그리스에서 발현된 수학의 무한 개념은 헤브라이인의 유대교 전통인 카발라의 영향을 받아 중세 기독교 교부 철학자들에 의해 보다 성숙되어져 갔으며, 그 후 기독교의 무한사상이 르네상스 시대에는 화가들에 의해 원근법으로 구체화되었다. 본 논문에서는 그리스 시대부터 발전된 무한 개념의 경로를 살펴보고, 근대와 19세기 이후 무한수학이 발달될 때 당시 미술에서는 무한 개념이 어떻게 표현되었는지 그 시대정신을 고찰한다.
본 연구의 목적은 중세 후기 탁발 수도자들, 도미니칸 수도자들을 중심으로 그들의 삶과 교육목회가 성직자와 평신도들에게 끼친 영향을 탐구하는 것이다. 탁발 수도자들의 사도적 삶과 탁월한 교육목회는 거룩한 진리를 갈망하던 평신도들의 믿음의 성장에 크게 기여하였다. 특별히 도미니칸 수도자들이 가르친 정통 기독교 교리와 논리적 논쟁을 통하여 카타리파와 같은 이단들의 개종에 기여하였다. 또한, 탁발 수도자의 목회는 중세교회의 성직자들로 하여금 교회의 본질에 대한 바른 이해와 사도적 소명의식을 굳게 하였다. 끝으로, 탁발 수도자들의 교육 목회는 중세 교회 성직자들이 설교자, 교사, 영혼의 치유자, 그리고 고해 신부의 역할을 감당하는데 큰 도움이 되었다.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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