This study focuses on visual aesthetic factors in the apparel web site design. 103 undergraduates participated in the evaluation of six internet web sites. The evaluation were recorded and analyzed by using the inspection method and a questionnaire. Findings of this study can be summarized as follows: First, the result of SPSS-factor analysis shows that there are 2 distinct factors; 'classical aesthetics' and 'expressive aesthetics'. 'classical aesthetics' and 'expressive aesthetics' can be described by visual aesthetic design. This conceptual confusion relating to 'visual aesthetic design' can be clarified by these findings. Second, as a result of multiple regression analyses, 'classical aesthetics' and 'expressive aesthetics' have a positive influence on 'interactivity' and 'web site evaluation'. This research clarifies the concepts of 'engagement' of Rosen & Purinton as the 'interactivity' between users and web sites. Finally, this study suggests that 'good design' for internet web sites depends on understanding how to attain the appropriate balance between 'classical aesthetics' and 'expressive aesthetics', based on the target customer.
본 연구는 예웨이쥐가 제기한 '모노노아와레 미학'의 서정적 표현인 '사람에 대한 감동', '세상에 대한 감동', '자연에 대한 감동' 등 3단계를 기준으로 애니메이션 <천년여우>를 분석하였다. 그리고 이를 바탕으로 예웨이쥐의 모노노아와레 미학적 표현의 3단계 구성이 애니메이션 <천년여우>에서 어떻게 표현되었는지를 분석함으로써 일본 고전미학이 현대 일본애니메이션에서 폭넓게 응용되고 있는 것을 알 수 있고 또한 모노노아와레가 향후 일본 애니메이션 발전 방향을 제시하는 창조적 요인으로 작용할 수 있는 근거라고 제시하였다. 일본애니메이션 감독 곤 사토시는 일본 특유의 고전미와 애니메이션 요소를 융합, 일본의 민족적 문화 내용을 표현함으로써 관객들로 하여금 일본애니메이션 특징을 보다 깊이 이해할 수 있도록 하였다. 그리고 그의 대표작 중의 하나인 <천년여우>는 작품 속의 인물, 스토리, 사상내용, 장면 구성 등을 분석한 결과, 예웨이쥐가 제기한 모노노아와레 미학의 3단계를 통해 일본 고전미를 충분히 계승한 애니메이션 작품이다. 이러한 분석을 기반으로 일본의 고전적, 예술적 서정성을 통해 작품 속 농후한 일본 고전 색채와 다채로운 모노노아와레 미학을 확인하였으며 고전 미학적 전통이 현대는 물론 미래의 애니메이션 영화에도 창조적 요인으로 작용할 수 있다는 것을 확인할 수 있었다.
Most research on web site design has focused on technological factors, while visual aesthetic factors have been considered less important. In contrast, this study focuses on visual aesthetic factors in web site design. Findings of this study can be summarized as follows : (1) The result of SPSS-factor analysis shows that there are 3 distinct factors, 'classical aesthetics', 'expressive aesthetics', and 'usability' 'Classical aesthetics' and 'expressive aesthetics' can be described by visual aesthetic design, 'Visual aesthetic design' can be distinguished from 'usability'. This conceptual confusion relating to 'usability' and 'visual aesthetic design' can be clarified by these findings. (2) As a result of multiple regression analyses, 'classical aesthetics', 'expressive aesthetics', and 'usability' have a positive influence on 'interactivity' and 'web site evaluation'. This research clarifies the concepts of 'expectations' of Grier [18] and 'engagement' of Rosen and Purinton [33] as the 'interactivity' between users and web sites. Furthermore, this research suggests a valid model with high $R^2$(interactivity, 48% : web site evaluation, 68%). (3) Empirical tests show that the differences among users in 'entry point' are related to the characteristics of web sites and the personal characteristics of users. The differences among users in terms of 'scanning time' are closely related to the attitudes and evaluation tendencies of users with respect to web sites. These findings could contribute to the 'search phase' of the Faraday model [16], enabling it to be more precise and extensible. The managerial implication of this study is that customers' preferences regarding web site designs are differences, as their preferences are based on their individual characteristics. Therefore, marketing managers should consider promotional tools on web sites that are relevant to the target market. An optimal strategy for web design could be a carefully-selected combination of factors that are relevant to the 'interactivity' and 'evaluation' of web sites. Additionally, if marketing managers want to attract more favorable attitudes and more affirmative evaluations from users, web sites should be designed so that they are understood more quickly by users. finally, this study suggests that 'good design' for web sites depends on understanding how to attain the appropriate balance between 'classical aesthetics' and 'expressive aesthetics', based on the target customer.
This paper analyzes six different ways of articulating the relationship between art and politics. It calls attention to the differences that lurk behind the seemingly simple phrase-everywhere in vogue today-the "politics of aesthetics." Five of these models are drawn from contemporary discussions regarding the politics of art. The last model is the attempt to develop an account of the politics of aesthetics that is faithful to the difficult and ambiguous dimensions of the aesthetic experience that were hinted at by the texts of classical philosophical aesthetics. Most notably, this paper is concerned with the idea that the aesthetic experience can be understood as a form of disinterested contemplation-one that is not reducible to cognitive or moral considerations-and with some of the consequences that this entails. It explores some of the political significance that can be attributed to this idea of disinterested contemplation, arguing that the aesthetic should be understood as a withdrawal from the world's pre-established meanings. Unlike some of the other thinkers discussed in this paper, this author doubts that a single, uniform meaning can be ascribed to the aesthetic experience. I thus argue that we need to approach the aesthetic through the networks of textual significance that have been built up around it. Throughout this paper, I attempt to explain how the efforts to link art and aesthetics to politics simultaneously give rise to ideas about the nature of the human community. In looking at the sixth and final model, what I have called the "anarchical politics of aesthetic ambiguity," I argue that the aesthetic tradition offers a rather unique way of understanding the relationship between the individual and the community. Here, we see that the aesthetic is prone to a number of paradoxes, central among them the one that makes art the bearer of a solipsistic pleasure in which we nevertheless discover our capacity for genuinely communicating with others, outside of cliches and banalities.
In order to identify and describe the central core of fashion desire, the concept of“anti-aesthetics”and“open fashion”were analyzed based on the discourses of postmodernism dis-cussed in the field of sociology, culture, art and philosophy. In this paper, first, the new perspectives of fashion related to modernism and postmodernism were proposed, open concept, anti-aesthet-ics which is ephemerality but eternal ideology. Key principles of postmodernism as anti-aess-thetics mean the philosophy of nihilism proposed by Nietzsche indeterminency, the endd of original art(the death of art), the sublimity provided by Lyotard, and the pluralism to release human from the closed way of thinking, value, ideology. Second, the old and classical definition of fashion,“the differentiation of class”proposed by Veblen and Simmel has been changed into the“differentiation of taste”in postmodern condition. Third, the dichotomous system, that is, ration vs emotion, soul vs body, male vs female, culture vs nature, and so on has been deconstructed and disolved in the postmodern fashion phenomenon using the technique of anti-formalism, such as pastich, parody, bricolage an kitsch for the expression of sublimity and freedom of human.
The target of this research is the analysis about Santiago Calatravas works in harmony with the dynamics of architectural technology and aesthetics in contemporary architecture. His first design process in works starts from the observation about the from of nature. He expresses the dynamics of architecture through using the Curve freely. His works express the dynamic movement, the quality of the unique inspiration and the rhythmical impression. As both scientist and artist, Calatrava could be called a classical architect and a man of his times simultaneously. Consequently, contemporary architectural designs shall be gradually focused in the dynamics of the technology and aesthetics as Calatravas ones.
The visual expression system of space realized in Baroque aesthetics is basically grounded on the philosophical view to the world of the time, that is to say the changes of the thinking system in the Renaissance and ontology based on it. Structural aesthetics in Baroque freed from Plato's system of harmony but grounded on Leibniz's process philosophy formed a crucial background to highlight the formal nature of the whole and build a structure based on the inclusive principle of formativity. Also, to solve problems to realize the order and consistency of forms from the whole, Baroque adopted the nonlinear and nonphysical formative system as the principle of building space in works of art. Combining the order system of nature in the Renaissance with manneristic dynamicity as well as formative principle taking shape geometrically, it did establish a variety of aesthetic concepts based on the results of infiniteness and exaggeration expressed from the two forces, the Renaissance and mannerism. This study has found that such Baroque aesthetics did overcome classical planeness and draw continuous mobility from the structures and forms based on that with the transborder concepts of structures, the components of space, as an ultimate system of formative expression. Moreover, this author has drawn and analyzed with the cases of the 17th-century art and architecture the transborder elements manifesting the nature of diverse formative visual elements produced in artistic expressions with that principle of aesthetics, that is the intangible concept of Baroque. Based on that, this researcher intends to come up with technical solutions to solve a lot of environmental and architectural problems we are severely facing nowadays in terms of environmental, physical, and emotional aspects with the theoretical clues and results acceptable to this contemporary era.
This paper examines the conceptual shift of wilderness and its legacy to the contradictory view of nature in landscape architecture tradition. In hunting and gathering societies, there was no dichotomy between the cultivated environment and wilderness. 'Wilderness' is a word whose first usage marks the transition from a hunting-gathering economy to an agricultural society. We can identify two archetypal responses to wilderness: classical and romantic. In the classical perspective, wilderness is something to be feared-an area of waste and desolation. The conquest of wilderness and the creation of usable places is a mark of civilization. For the romantics, in contrast, untouched wilderness has the greatest significance; it has a purity that human contact tends to sully and degrade. Wilderness for the romantics is a place to revere, a place of deep spiritual significance, and an object of aesthetic experience. In the Western world, the classical position predominated until the last two hundred years when the romantic concept began to gain more ground. The shift was made possible by the change in the way nature is understood. Modernity and modern science objectified nature. The transition of the concept of wilderness exemplifies the objectification and pictorialization of nature. Wilderness in the modern era is not different from the pastoral landscape which can be controlled by landscape architects.
본 논문은 포스트 시네마 시대가 도래함에 따라 영화 매체에 대한 재사유와 동시대 영화들의 특정한 경향들을 포섭할 수 있는 개념이 필요하다는 자각에서 출발했다. 최근, 새롭게 등장한 도전적이면서 변화무쌍한 실험적인 영화들은 고전적인 미장센과 몽타주 분석만으로 접근하기 힘든 미학을 선보인다. 고전적 개념 틀로 분석하기가 곤혹스러운 영화들을 본고에서는 에이드리언 마틴이 제시한 디스포지티프 논의를 수용해서 고찰했다. 디스포지티프적 움직임은 디지털 테크놀로지가 기반이 되는 현대의 미디어 환경 속에서 급격히 늘어나긴 했지만 이 흐름이 어떤 특정한 시대에만 국한된 현상은 아니다. 일부 고전영화에서도 그 움직임이 감지됐으며 1920년대 아방가르드 영화들, 1960년대 모더니즘 영화들 일부에서 디스포지티프 경향은 계속 존재했었다. 영화적 디스포지티프의 명확한 개념화를 위해 본 논문은 오늘날 영화이론에 유입되고 있는 디스포지티프 논의의 근원을 살펴보았다. 하지만 인문학적 차원에서 논의되는 디스포지티프 이론은 분명 영화에서 거론되는 것과는 차이가 있다. 따라서 본고는 마틴의 노고로 가시화된 디스포지티프의 시네마틱한 요소를 부각시키면서 논의를 진행했다. 푸코가 정초한 디스포지티프의 기본적 의미는 이질적인 요소들로 구성된 장치의 배치와 배열이다. 때로는 이질적인 요소들의 앙상블 그 자체를 가리키기도 한다. 디스포지티프 논의를 촉발시켰던 푸코의 개념을 빌어 디스포지티프 영화를 정의한다면, 고전적 영화의 조건들을 구성하는 이질적 요소들의 재(탈)배치와 배열로 이루어진 새로운 '고안물(constraption)'이라고 할 수 있을 것이다. 어떤 것이 새로운 고안물이 되기 위해서는 그것을 이루는 요소들, 즉 힘들의 배열과 배치에 변화가 일어나야 한다. 당연히 그 요소들은 내적인 요소와 외적인 요소들을 아우른다. 내적인 요소는 주로 영화의 컨벤션에 대한 것이며 외적인 요소는 영화를 둘러싼 정치, 문화, 사회적인 조건과 영화를 가능하게 하는 광학적, 물리적 토대 모두를 포함한다. 영화는 어떤 매체보다도 빠른 속도로 다른 매체와 손쉽게 '네트워킹'하며 새롭게 '고안된' 미학 양식을 만들 수 있다. 상호매체성으로 정의되는 디지털 시대의 두드러진 특징을 디스포지티프 개념으로 바라본다면 영화뿐만 아니라 예술 전반에 걸쳐 발생하는 새로운 흐름들을 이해하는 데 도움이 될 것이다.
This study is to analyze fashion phenomenon according to the concept of the characteristics of freewheeling to explain the de-constructive, eclectic, avant-garde tendencies in Contemporary Fashion. This study is to elicit the aesthetic characteristics through 400 pieces of visual data analysis from 2001S/S to 2011F/W that have the characteristics of freewheeling, nontechnical experiments do away with the classical form. The oriental ideas include the thoughts of different tastes that break the stereotypes according to the Western values and the pursuit of unconventional beauty. These also insist that everything in the world including human-being, nature and creation is not divided into two equal parts, and even beauty and ugliness originated from one. This study is to find the possibility of interpreting oriental aesthetics with open concepts that transcends the boundaries of full availability, unlike the Western values that accommodate the relative concept of the pursuit of diversity. Therefore, integrated and systematic approaches of oriental aesthetics that place much value on the coexistence of antithetic concepts are needed to understand the ambiguity of complexity and diversity in Contemporary fashion design.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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