The purposes of this study are to present the criteria for a sensibility rating scale for measuring the general women's perception of museums' spatial environment, through an empirical analysis; and to clarify the characteristics of the presented rating scale in terms of each rating element and factor. For this study, a survey was conducted during August 19 - September 16, 2010, and a total of 342 museum visitors participated in the survey. A sensibility rating scale used for the survey consisted of a total of 32 adjectives selected from a literature review of previous studies. To specify the dimensions of semantic space using the semantic adjectives, words with opposite meanings were analyzed with the semantic differential technique developed by Osgood et al. Using SPSS, a reliability analysis, factor analysis were conducted on the data obtained from the survey. The results of this study can be summarized as follows: According to the women's perception of museums' spatial environment, six factors were found from the 25 semantic ratings of the Museum. The summarized criteria were: 'aesthetic', 'pleasant', 'valuable', 'function', 'affinity', and 'material.' The derived criteria were verified through an empirical test using emotional adjectives. In the coming years, the results of this study will serve as valuable data for constructing a sensibility rating scale for evaluating spatial environments of museums.
Indeterminacy maintains that the simultaneous measurement of object location and speed is theoretically impossible. This study present indeterminacy as a theoretic tool to interpret a variety of expression characteristics that seem disorderly in recent fashion illustrations; in addition, it analyzes the characteristics and meaning of indeterminacy as expressed in fashion illustrations. This study reviews concepts and related theories on indeterminacy to examine characteristics of indeterminacy expressed in the arts and fashion; subsequently, indeterminacy characteristics found in fashion illustrations are analyzed. In expressing the fashion figure, indeterminacy finds expression in a distorted figure transformations that include a hybridized combination of heterogeneous forms that dismantle and reconstruct the human body. The hybridized body of combined machines, animals and plants indicates an indeterminate body endlessly transforming itself. Indeterminate space expression finds expression in space expression by projection with the overlapping and juxtaposition of irrelevant constituent elements as well as a space expression from the insertion of unexpected images. An unclarified inconclusive open space provides space with fluidity, causes space expansion and conveys inconclusive meaning. Indeterminate expressions found in fashion illustrations reveal the ambiguity and complexity of a post-modern society with polysemous aesthetic values and the expanded visual concepts of fashion illustrations.
Journal of the Korea Fashion and Costume Design Association
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v.1
no.1
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pp.91-107
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1999
The primary purpose of this study is to inquire into the characteristic of exposure presented in fashion, identify the correct concept of exposure from an aesthetic perspective, and grasp the contemporary meaning of exposure presented in fashion. As a result of study, the following findings were obtained: First, the surrealist style of fashion exhibited representations such as the relocation of the partial details, the harmonization of the natural and the artificial, the emphasis or expansion of each part of the body, and the like. It used highlighted the genital region with ornamentations or used the technique of paradoxically exposing the part of the body always covered. And it exbibited the paradoxical relationship of exposure and concealment by exposing the concealed part of the human body. Second, the post-modern style showed the complicated phenomenon that the values of several meanings such as the historic, the folk, and the like appeared in its fashion. It shares in spatiotemporal eclecticism, pluralistic characteristics and the like found in the post-modern culture. Third, the deconstructive style gets rid of the distinction between the external space and the private space by translating underwears into outer garments. It destroys clothing by tearing or perforating clothing whereby it represents the poor image. Coupled with women‘s psychology of exposure and the new generation’s way of thinking indifferent to others‘ eyes, this fashion of deconstruction occupies the great current of fashion. Deconstructive fashion gets away with the rule of ‘having to wear clothing to suit TPO(Time, Place and Occasion), the traditional norm of wearing clothing.
In comtemporary interior design, hybrid form causes cognitive turnovers of aesthetics. Especially it offers much possibility to expression techniques in interior design and works as compound system, symbolic aggregate that makes and expands various meanings. The aesthetic ideology of hybrid design can be interpreted through the philosphic concept of art, sublime, reception, representation and explains expression techniques and characteristic in interior design through various transformation and meaning conversion. The expression techinique that is a form of openness, transcendental interpretation that exceed a dupilicate of meaning. can be classified as oxymoron, defamiliarization and interface. The characteristic that is based on those expressions appears as use of complex codes of visual images, decoding strategy, intertextuality of meaning. This research attitude can explain the thinking method of interior design by defining the epistemological scheme that is basically involved in expressional styles with characteristics of hybrid aesthetics. In order to be recognized as the object of aesthetics, hybrid has to be approached by interpretational methods of expression techniques. Consequently the characters of expression techniques in hybrid design can be investigated as one of the methodology in interior design plan.
This study is a review on the relationship between furniture purchasers and producers in the Joseon period. Understanding the relationships in our traditional spirit and the Joseon furniture that reflects a aesthetic sense is a meaningful work. Joseon was to build an ideal country which put emphasis on the order and harmony through Theory of 'Yeak' as the confucianism nation. Human aesthetics, which emphasis on the spiritual value by confirmity to nature and forcus on the relaxed, deficient personality rather than completeness was established as the central formative consciousness of the Joseon Dynasty. The nature of things in the confucian scholar prior to the representations of things is expressed in the form of master craftsman's skill and soul. Formative consciousness of the confucian scholar is to realize ideals by communciation and interchange with master craftsman's soul in the form of the Joseon furniture. The beauty of restraint and brevity in the Joseon Dynasty furniture includes meanings and procedures of art work. It implies an orderer's purpose of production and a producer's products. Understanding the spirit of times in the production becomes the cornerstone capable of getting closer to the furniture ultimate proper function. These problems have a very close relationship with the problems of modern people's commnuication. We expect an even higher growth of the furniture by achieving more improved communication based on the consumer's great insight and the producer's passion.
Today, museum exhibition can be divided into two sub-categories: a. informative exhibition with various useful auxiliary media to convey knowledge and b. appreciative exhibition considering aesthetic conveyance and visual/perceptual environment. In addition to this, the concept of memorial exhibition as a field that tangible and intangible memories are transmitted and reproduced is creating another genre of exhibition. As an example of such a memorial exhibition above, the work of de-constructive architect Daniel Libeskind was selected. Jewish Museum and Imperial War Museum North both of which maximized the exhibition space by grafting architectural language to exhibition narrative were analyzed and compared to see if the same architectural language can be displayed differently in another form of exhibition after being drawn into the exhibition space depending on the changes in time and perspective. Therefore, in the narrative display combining the selection of exhibition contents and storytelling, the formative language of space can confirm that exhibition narrative as an ending structure changed into a retelling story with more extended meanings through interactive factors. Eventually, in this formative narrative, when the display of historical facts and exhibition themes is combined with the architectural language in an exhibition hall according to the approach direction, the memorial exhibition can create a formative language stimulating sensibility in the memories of space and a differentiated formative exhibition space where one is truly moved by oneness of contents.
This study is intended to examine the various kinds of emptiness that are shown in the empty spaces created by Hyo-Sang Seung and Louis I. Kahn. Architecture creates the usefulness of a certain space thanks to its emptiness. The word, 'Emptiness' has the following meanings, 'non-fulfillment', 'non-existence', 'emptiness', 'blankness', 'non-visibility' and 'non-limitation', etc. Such concepts of emptiness can be broadly divided into 'ideological emptiness', 'aesthetic' and 'architectural spatial'. Comparisons regarding such concepts of emptiness as they are expressed in the architectural spaces created by Hyo-sang Seung and Louis I. Kahn shall be identified in this study. Hyo-sang Seung tried to leave numerous open possibilities which can contain everything into a certain space since 'emptiness' is not being used at this moment. Louis I. Kahn tried to contain into a space the essence and silence of that space before something that exists is created. The 'emptiness' created by Hyo-sang Seung and Louis I. Kahn is a specific space which can contain more kinds of non-visible spaces than some visible ones. Thus, such spaces may contain various potentials which are possible because they are empty, because of changes in nature and time, and because of silence and intentions going beyond an artist's original intent.
This study focused on the body modification in fashion illustration based on 'Corps sans Organes' of Deleuze. An argument about the changes of ideal body to define the aesthetic consciousness of times has lasted for a long time. Therefore, analyzing body modification in fashion illustration to express the ideal beauty could be effective motives to understand the changes of ideal bodies related with socio-cultural meanings, and be helpful to understand the overall trends of modern fashion illustration. To classify the types of body modification, the concept of 'Corps sans Organes' of Deleuze was used as an analyzing tool. As the final result, the characteristics of body modification could be divided into three groups; the fragmentation of bodies, the pastiche of bodies, and the abstraction of bodies. First, in the fragmentation of bodies, which is related with flexibility, pluralism, and subjective views on body, the bodies were separated as molecules. Second, the elements of pastiche of bodies could be subdivided into five sub-groups; sex, plants, animals, texts and figure, and machines. The pastiche of bodies was used to extend the limitation of human capabilities and to reinterpret the human identities. Last, the abstraction of bodies based on contingency, indeterminacy, and subjective associations could be related with the nomadic and indefinite body images. The body modification could be considered as the context of nomadism, indeterminacy, and virtuality of modern-times, and it would be the basic data to understand the body modification in fashion illustrations.
The cultural production of meanings is becoming more and laden with the intricacies of signs and symbols in our times. The idea of 'character' is important as an intermediation for information and an essential characteristic of "the object" experienced through the sence of sight. Character is symbolicin its form but also in its iconic markings. Motion Picture Animation makes Character not just an expression of an image but visual communication that expands the action of meaning piled up, sign upon sign. The analysis of 'character' suggests that motion picture animated characters could play an important role as a cultural mode leading to new styles not merely as an aesthetic mechanism. The study there with analyzed animated character systematically to discem where the sign phenomena shows up in social conventions under the semiotic rigor of Peirce's concepts of icon, index, and symbol.
This study aims to figure out any possible expanded expression methods and diverse formative effects in fashion design by recognizing the importance of objects that suggest new paradigms as a means of expressing aesthetic consciousness in contemporary fashion and analogizing the formative characteristics of objects used in fashion and their significance. Accordingly, the study focuses on analyzing and interpreting objects introduced to fashion design with a formative view by substituting the concept of an object that has taken an important position in the contemporary arts for fashion. This study further aims to examine the concept of objects by trend and their characteristics within a syntactical structure and come up with a standard for classification of objects and a framework of analysis from cubism in the early 20th century when the concept of an object began to appear in arts to Dadaism, Surrealism, Pop art, Land art, Environmental art and the present time. Finally, the study aims to examine the status of objects in fashion and the relationships between fashion and objects through analyses on fashion objects and to suggest new perspectives and approaches to interpret the contemporary fashion in the 21st century.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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