The relationships between costumes and literature are the remarkable characteristics in the history of Japanese costumes. Among them, the literary designs which have literary subject matters seem unique to Japan. In Japan, the history of the literary design traces far back and its examples are abundant in various literatures in the Heian era. It is particularly notable that the literary designs take a relatively large part of Kosode pattern in the pre-modern period, the Edo era, which can be cleary seen in Kosodehinagata-bon, a collection of Kosode pattern of those era, in addition to various sources of extant relics or paintings. These literary designs lie the tradition of the literary lyricism as aesthetic sense in the japanese costume history. The literary lyricism means the lyrical mood evoked by literature. The purpose of this study is to examine how the literary lyricism which has supported those literary designs was formed and developed. The literary designs on costumes related with the relationships between literature and formative art, for example painting. Those typical example, which started in the literature tournament, utaawase, was devised for matching up with the character of the assembly. They continued as a sort of the intellectual amusements. In the pre-modern period, the literary designs developed In relation to not only subject matters but those expression. Moreover, it shows the extremely typical example that a series of Kosodehiinagata-bons, consisted solely of literary designs, was enjoyed as a device of reading materials like poem anthology.
$Ren{\acute{e}}$ Char and Yi Yuk-Sa have similarities to be accepted as representative poet of resistance in France and South Korea's history of literature. These similarities lead us to make a comparative study on two poets not having any positive influencing relationship. Their experiences as a independence fighter have a great effect on their whole works. This study applies concept of "Po-ethica" to compare features and values about their works. This concept anticipates ethical and existential throwbacks not an aesthetic throwback. Their poems are remarkable that they not only present a ethical perspectives surpassing the "lettrism" but also show the lyricism in poems of resistance surpassing patriotic and ideological appeal. This lyricism results from the pursuits of a true life not a confidence of the goodness. The similarities and differences in their works can be a clue for rediscovering the meaning and values of poems of resistance. Rilke said, "The Poem is the experience". Char's poems are more experiential than any other poet's poems. His poems of resistance show a personal life than deconstruction of discourse such as nationality and father land. On the other hand, Yuk-Sa's poems show a prospect of nature and the macrocosm. This naturalization of a resistance surpass a pastoral attitude of forgetting their phases of the times and reality. Therefore, their "Po-ethica" of resistance is valid today.
This essay reconsiders the subject of Romantic self-consciousness in a post-de Manian perspective. Self-consciousness is an attribute of Romantic lyricism whereby the poetic speaker I remains conscious of how (s)he feels or lives here and now. This self-reflective feature of Romantic poetry has been controversially interpreted either as self-centered solipsism or as self-expressive objectivism. The question is stirring more disputes among Romantic critics after the advent of New Historicism and Feminism. These two historicistic approaches reprove Romantic poetry for a lack of the sense of history and ascribes it to Romantic self-consciousness. They argue that Romantic poets in general displace historical materiality into an object of internal consciousness, so negating absurd social realities "merely to gain their own immortal soul." This essay targets to overcome this negative stance on Romantic self-consciousness with a "subversive" return to Paul de Man's criticism of Romantic internality.
This paper does not follow the well-known critical practice of Charles Perke, Edward Brandabur and Phillip Herring who, regarding The Dead, James Joyce s earliest masterpiece, as the conclusion of Dubliners, classify Gabriel as one of the dead. Instead it concurs with such critics as William York Tindal, Kenneth Burke and Allen Tate who, interpreting The Dead as a story of Gabriel s spiritual maturation, discuss the famous snow vision at the end of the story as a signifier of his rebirth experience. A new reading of The Dead, which is the aim of this paper, examines the very processes which produce both form and content, thereby demonstrating that The Dead is a story of Gabriel s spiritual growth and that the supreme snow vision is prepared for his spirit which progresses towards a richer synthesis of life and death, a higher altitude of flight and wider horizons.
Colors change in time corresponding with the value system and aesthetic consciousness of the time. The roles that colors play in painting can be divided into the formative role based on the contrast and harmony of color planes and the aesthetic role expressed by colors to represent the objects. The aesthetic consciousness of the orient starts with the Civility(禮) and Pleasure(樂), which is closely related with restrained or tempered human feelings. In the art world of the orient including poem, painting, and music, what are seen and felt from the objects are not represented in all. Added by the sentiment laid background, the beauty of the orient emphasizes the beauty of restraint and temperance, which has long been the essential aesthetic emotion of the orient. From the very inception of oriental painting, colors had become a symbolic system in which the five colors associated with the philosophy of Yin and Yang and Five Forces were symbolically connected with the four sacred animals of Red Peacock, Black Turtle, Blue Dragon, and White Tiger. In this color system the use of colors was not free from ideological matters, and was further constrained by the limited color production and distribution. Therefore, development in color expression seemed to have been very much limited because of the unavailability and unreadiness of various colors. Studies into the flow in oriental painting show that color expression in oriental painting have changed from symbolic color expression to poetic expression, and then to emotional color expression as the mode of painting changes in time. As oriental painting transformed from the art of religious or ceremonial purpose to one of appreciation, the mast visible change in color expression is the one of realism(simulation). Rooted on the naturalistic color expression of the orient where the fundamental properties of objects were considered mast critical, this realistic color expression depicts the genuine color properties that the objects posses, with many examples in the Flower & Bird Painting prior to the North Sung dynasty. This realistic expression of colors changed as poetic sentiments were fused with painting in later years of the North Sung dynasty, in which a conversion to light ink and light coloring in the use of ink and colors was witnessed, and subjective emotion was intervened and represented. This mode of color expression had established as free and creative coloring with vivid expression of individuality. The fusion of coloring and lyricism was borrowed from the trend in painting after the North Sung dynasty which was mentioned earlier, and from the trend in which painting was fused with poetic sentiments to express the emotion of artists, accompanied with such features as light coloring and compositional change. Here, the lyricism refers to the artist's subjective perspective of the world and expression of it in refined words with certain rhythm, the essence of which is the integration of the artist's ego and the world. The poetic ego projects the emotion and sentiment toward the external objects or assimilates them in order to express the emotion and sentiment of one's own ego in depth and most efficiently. This is closely related with the rationale behind the long-standing tradition of continuous representation of same objects in oriental painting from ancient times to contemporary days. According to the thoughts of the orient, nature was not just an object of expression, but recognized as a personified body, to which the artist projects his or her emotions. The result is the rebirth of meaning in painting, completely different from what the same objects previously represented. This process helps achieve the integration and unity between the objects and the ego. Therefore, this paper discussed the lyrical expression of colors in the works of the author, drawing upon the poetic expression method reflected in the traditional Flower and Bird Painting, one of the painting modes mainly depending on color expression. Based on the related discussion and analysis, it was possible to identify the deep thoughts and the distinctive expression methods of the orient and to address the significance to prioritize the issue of transmission and development of these precious traditions, which will constitute the main identity of the author's future work.
본 연구는 16세기 담양 시가문화권의 누정편액에 반영된 자연인식과 서정에 관한 의미론적 고찰이다. 대상지의 현지답사를 통해 누정명 누정기 누정제영시 등을 파악한 후 주변경관을 중심으로 조영 당시 조영자가 향유했을 그 시대인의 미의식과 자연관이 배태된 조영의식에 관해 접근한 바, 구명된 결론은 다음과 같이 집약된다. 1. 누정명은 성현이 남긴 고사에서 유래한 문구의 차용과 주변의 아름다운 자연예찬 및 조영자의 학덕을 제재로써 성리학적 사유를 교직해 넣은 내용들임을 확인하였다. 특히 산수예찬은 누정문학이라는 새로운 장르를 탄생시킨 기폭제로 작용했으며, 연구대상지의 모든 누정에서 발견된 제 1의 보편적 제영요소로 파악되었다. 2. 누정문학에 관한 기록은 아름다운 자연과 인간에 관한 자연합일[물아일체(物我一體) 교융(交融) 합일(合一)]의 이상적인 자연관이었다. 3. 16세기 지식인에게 자연은 생장소멸(生滅消長)의 원리이자 자존적 삶을 위한 궁극적 귀의대상이었으며, 특수한 시대상황과 맞물려 사대부로서 지켜야 할 덕목과 명분을 일깨운 작품들을 탄생시킨 원천으로 작용했다. 4. 누정에서 행한 문학행위 중 선계(仙界)의 도입은 좌절된 자아에 대한 상징적 치유수단이었다. 현실과는 동떨어진 선계를 빌어 자신의 우울한 심정을 가탁했기에, 누정은 현실의 갈등과 울분을 달래는 탈속의 공간임을 함의한다. 5. 16세기의 담양지역 시가문화권의 누정문학은 신분적 기반을 활용하여 향촌생활 중 유흥상경의 흥취를 노래하며, 이상실현의 좌절에서 오는 고민이 동반된 작품들로, 좌절된 자아를 문학을 통해 승화시켰음을 확인하였다. 문사철을 섭렵한 지식인이 낙향해 풍광이 수려한 곳에 누정을 짓고 소요하며 시를 읊는 것은 모범적 지성으로서 사회적 책임을 감수해야만 했던 절대적 부담감에서의 탈출구였다. 연구대상지인 16세기 담양 시가문화권의 누정은 이상화된 관념세계이자 이념과 사유가 반영된 의식의 공간이었다.
시조의 역동성은 한때 그것이 '닫힌 성격'의 장르였음에도 불구하고 오히려 오늘날 바로 그 '닫힌 성격' 덕분에 여러 분야에서 재조명되고 있다. 문학이라는 본래 영역은 물론이거니와 때로는 글쓰기 학습에도 원용되는 사례들도 있었다. 더욱 두드러지는 사례는 시조가 문학치료, 나아가 감성치유의 영역에서 곧잘 언급된다는 것이다. 이 글에서는 이런 재조명 과정의 하나로 감성 발현체로서의 시조의 역동성을 논의하였다. 문학 장르로서의 시조가 가지고 있는 서정성을 넘어 서정이라는 그릇으로서의 시 안에서도 감정이나 정서뿐만 아니라 이성적인 것들 또한 얼마든지 상호 공유될 수 있다는 점을 효과적으로 드러내기 위해서였다. 물론 서정성이라는 개념이 시조의 역동성을 스스로 제한해버리는 한계를 노출시킬 수 있다는 점도 분명하다. 따라서 이 글에서 주로 언급하는 '감성'이라는 키워드 역시 이러한 한계를 극복하고, 시조가 가진 역동성을 최대한 드러내 보이려는 시도에서 사용되었다. 즉 이 글에서는 지금까지 감정 혹은 정서에 치중한 면이 강하다고 평가되었던 시조의 감성적 기질에 더해 그것이 가지고 있던 이성적 면모까지를 함께 살펴봄으로써 시조라는 장르가 인간의 감성을 가장 역동적으로 발현시킬 수 있었음을 밝히고자 하였던 것이다. 물론 이런 감성적 기질과 이성적 면모는 시조의 구조를 재해석하는 과정에서, '(1) 맞서게 하기, (2) 역동적으로 느끼기, (3) 느낌으로 호명하기, (4) 느낌으로 느끼기' 등으로 구조화하여 구체적으로 분석해보기도 하였다.
본 연구는 이준익 감독의 2015년작 <동주>를 통해서 영화에서 시 텍스트가 어떻게 활용되며, 이로써 어떠한 서사적이고도 영상적 효과를 얻어내었는가를 검토한다. 이 영화는 시인 윤동주를 중심인물로 내세우고, 그의 생애를 재구성하는 내용을 선택하고 있다. 영화 <동주>에서는 윤동주의 시를 영화의 서정성을 극대화하는 장치이자, 인물의 운명과 내면의 변화를 암시하는 방식으로 활용하였다. 즉, 영화 <동주>는 윤동주의 시를 활용함으로써, 영화 속 인물의 내적 변화와 감성을 미적으로 수준 높게 형상화 한다. 그리고 이를 통해 시인 윤동주를 평범한 문학청년으로 조명함으로써, 문학책 속에 박제되어 있던 윤동주를 고뇌하는 청춘의 한 표상으로 이미지화한다. 이는 현재의 청년들이 겪고 있는 현실의 무게에 대한 위로이자, 역사를 살아가는 한 개인의 문제를 조망한 것이기도 하다. 이러한 측면에서 영화 <동주>는 영상 매체를 통해 시와 시인의 초상, 그리고 시인의 시대를 다채롭게 그려낸 주요한 텍스트라 할 수 있다. 영상과 함께 전달되는 문자 텍스트로서의 '시'는 영상의 서정성을 더욱 극대화하였으며, 높은 미학적 성취까지로 이어졌다. 시와 시인을 통해 역사와 개인, 문학과 현실이라는 문제에 접근하고 있는 주요한 텍스트라 평가할 수 있다.
In response to increasing preference for tattoos during the 2000s, the demand for Japanesestyle tattoo fashion increased. Ukiyoe, the prototype of Japanese tattoo popular in the Edo period has been preserved traditional expression techniques to the present, It is characterized by the following: first, the tattoos share literary lyricism through plays borrowed from the classics. second, it displays harmony and equivocal expression of heterogeneous elements samurai and kabuki mono. third, humorous images are expressed in picture-in-picture form. And fourth, presence of fixed characters based on the publication culture. Tattoo fashion is characterized by the following: First, eclectic fashion based on pastiche; second, characters emphasizing fun and comicality; third, the adoption of tattoo models for establishing brand images; and fourth, Cultural association for the new composition of culture consumption. Pastiche, harmony of heterogeneous elements, fun and comicality, and fixed characters were found to be common between tattoo ukiyoe and tattoo fashion. That is, it attempted to meet the sensitive consumers' needs to keep up with the trends by adopting tattoo incorporated into the subculture of neo pop. This shows clearly the characteristics of fashion, which creates new trends through interacting with the contemporary culture.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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