• 한국실내디자인학회논문집
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• 제18권1호
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• pp.54-63
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• 2009

The present study is a basic research for promoting the globalization of Korean food, aiming to analyze Japanese restaurants in Hong Kong, an international city successful in globalization, focused on their spatial characteristics and food related characteristics and to use the results as basic materials. The results of this study are as follows. As to the characteristics of indoor spaces and food of Japanese restaurants in Hong Kong, first, the locations of Japanese restaurants were mostly easily accessible luxury hotels, office buildings or shopping malls. They displayed Japanese styles well and used conspicuous signs. Their trade names were given after traditional place names, food names, greetings, etc. Second, the spaces of Japanese restaurants expressed contemporary and, at the same time, traditional styles moderately and elegantly by applying emphatic articles such as traditional furniture, tools and folk paintings to contemporary spaces with traditional air, and by doing so, they showed various possibilities. Third, as to the characteristics of food culture, menus were diversified from traditional menus such as kaiseki to everyday menus such as vinegared rice, ramen, skewered roast meat and fusion dish, and at the same time, differentiated by concept. In addition, some restaurants succeeded in globalization and modernization with chains throughout the world. Furthermore, while table setting, food dishing and tableware image were harmonized with the concept of the restaurant space, if tradition needed to be displayed it was used at a minimum, showing the Japanese aesthetic sense through the restaurant space and food. In globalizing Korean restaurants based on the results of this study, we need to link trade name, facade, sign, menu and space with served food, and to plan a consistent story so that Korean culture and images are expressed. In addition, if a manual is made by benchmarking the Japanese government's support policies and relevant businesses' efforts and ideas and provided to Korean restaurants, it will be helpful for Korean restaurants, which spread Korean food culture, to be more competitive and graceful.

• 조형예술학연구
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• 제6권
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• pp.33-59
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• 2004

The purpose of this study is to analyze the symbolic meaning of the Tiger in Korean Folk Paintings, Minhwa, (hereafter, Minhwa) connected to its social contexts in Joseon period. Thinking of the Tiger Minhwa as a 'visual language' and regard the Tiger as a 'visual signifier' as well as the united-signifiers such as a Korean magpie, pine tree and so on in Minhwa. This research is to analyze these signifieds, 'Signified', what we say in this paper, have composed its symbolic meaning related to the social 'ideological complexes' and collective consciousness during Joseon period. In a word, the characteristic of the Tiger signifier has changed and spread out from the ideal trend to a worldly one. Since the late Joseon period, the change of the social contexts was, because of the civil classes who recognized the limitation of the Sung Confucianism(the doctrines of $Chi-Tz\={u}$), the predominated ideology of that time. To get rid of their uneasiness, they brought the Shamanism, Taoism and Buddhism at the front which were usually the lower class ideology or belief and tried to construct the collective consciousness and safety of their real lives. Therefore, the trend of this 'common conceptualization' show us the positiveness and flexibility to the Tiger signifier through the variation, appropriation and producing signifier. Moreover, even to the same Tiger, there were various meanings and most of them were concentrated in the meanings as follows ; Beoksa(in Korean term is to drive away evil spirits) and Gilsang, which is the good omen of a luck. All these were based on the value of 'this world'. In conclusion, through this research, the concept of the Tiger as a apotheosis has lowered its statutes and being secularized.

• 패션비즈니스
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• 제20권6호
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• pp.79-93
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• 2016

Since the development of patterns using tessellation is applied to a wide range of fields such as clothing, architecture, environment, and products, etc. and its expression principle is also found in various fields such as mathematics and science, etc. However, this pattern is mostly used as a math material with little studies on fashion and culture. In addition, it is thought that Korean traditional culture products need more various and modern design development methods and pattern through preliminary investigation which is simple copy of traditional items, simple copy of Korean Alphabet, Chinese character, and folk paintings. Therefore, it will present the method to make more design cases using Tessellation. Tessellation that combines mathematics and art will be the infinite form of designing of designers as well as creative training way to understand the composition principles of old culture and to raise sense of modern design. Tessellation of regular triangle, regular square, and regular hexagon was performed on the patterns which have meaning of wealth and prosperity of Korean traditional patterns. As the concrete method, first, each side of the regular triangle is developed symmetrically with patterns of fish, turtle, and cicadas. Second, rotational movement after symmetry movement about middle point of one side ${\times}$ 1 symmetry movement about middle point ${\times}$ 1 using crane and cloud, of the regular triangle was performed. Third, the regular square was tessellated parallel movement ${\times}$ 2 with "Da(multi)" and dragon pattern as the source image. Fourth, the sitting tiger was tessellated with symmetry movement about middle point ${\times}$ 2 and parallel movement ${\times}$ 1. Fifth, three bat patterns are tessellated by again rotational movement of two sides after rotational movement of one side and rotational movement of the other side. In addition, It developed traditional culture product design of the scarf, umbrella, aprons, neckties.

• 디자인학연구
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• 제15권2호
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• pp.187-196
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• 2002

한국의 현대 벽화는 한국의 시각적 수위를 드러내는 하나의 지표이다. 본 논문의 첫째 장에서는 한국의 현대 벽화제작 시스템을 분석한 후, 둘째 장에서는 조선시대의 풍속화나 시각상징물을 재현한 벽화를 라캉의 정신분석학적 개념을 빌어 설명했다. 라캉의 연구 중 주종을 이루는 상상계와 상징계의 개념으로 한국적인 소재 재현의 심리적, 정신적 배경을 분석하는 방법을 취했다. 한국의 벽화가 보여주는 시각 현실은 과거조선 시대 공동체와의 상상적 동일시를 피하는 것이라는 논지로 전개되었으며, 이는 서구 중심의 상징계에서 생활하는 주체의 분열상, 허구적 의식을 암시하는 동시에 주체의 시지각에 혼란을 초래하는 요인이 되어 또 다시 상상계적 재현을 되풀이하는 것으로 결론지었다. 결론에서는 이러한 시각 혼란 현상을 극복하고 실재 생활을 표현하는 시각 양식의 개발을 위해서 한국인의 아비투스를 연구해서 그에 맞는 대안이 마련되어야 한다는 후속 연구의 방향을 제시하였다.

• 복식
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• 제55권7호
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• pp.1-21
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• 2005

The purpose of this research was to re-illuminated the artistic value of costumes that had shared identical history with human beings through the formation and the progress of the newly introduced Russian avant-garde an. This resulted from the fact that the Russian avant-garde art changed the human esthetic sense through the style of art that Larionov and Goncharova introduced in the 20th century. The research method defined the formation and the progress of the development of the Rayonism centering the works of art by Larionov and Goncharova. Based on this method, larionov and Goncharova designed the set and the costumes for the Ballets Russes of Serge Diaghilev and studied the molding characteristics of the costumes worn in the performing an. The result were as follows. First of all, Larionov's costumes of art were all manufactured based on the theme of nature and genesis. In other words, Larionov represented the sun as a humanistic god through the white night, the natural weather condition of northern Russia. His costumes also displayed the symbolic meaning of the personification of animals like birds and cats, which emphasized the importance of both nature and tradition. However, he used Rayonism expression when he designed costumes by applying the nature themes. On the other hand, Goncharova applied the Spanish passion, the Russian folk art lubok, and goldern cockerel or religious icon-paintings in her costumes. she pursued straight lines and abstract shapes in her costume design. her design displayed the Rayonism influence through the separation between the lines and the surfaces, whic defined the costumes as a decorative art experiment. Therefore, the study of Larionov and Goncharova had one realize that Rayonism was not only an art form of Avant-garde, but it also became the basis of the molding character of all the artworks. Larionov and Goncharova reflected the miracle of the transformation of the 20th century in their costume designs.

• 한국전통조경학회지
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• 제31권4호
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• pp.1-21
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• 2013

본 연구는 회화자료의 분석을 통해 조선시대 취병의 특성과 제요소를 고찰한 것으로서 다음과 같은 결과를 도출하였다. 첫째, 조선시대 회화자료 25종에 대한 분석 결과, 취병은 주로 사생활 보호를 위한 차폐시설과 부지의 공간을 분할하는 구획시설로 기능하였으나, 내적으로는 정원에 품격과 아취를 부여하는 소품으로 설치되었다. 특히 취병 주변으로 학, 사슴등의 동물상 및 소나무, 파초, 대나무, 오동나무 등의 식물상과 괴석, 연못, 정자 등의 다양한 정원요소들이 나타났는데, 이것들은 이상적인 문인정원에 구비되어야 하는 일련의 조합으로 파악되었다. 둘째, 취병은 중국 고사(古事) 속 문인문화를 표상하는 관념적인 물상으로 인식되었다. 그러한 이미지는 고스란히 정원문화 속에 투영되었는데, '인물고사도 속 원림'을 모방 재현하는데 있어 취병은 중요한 경물로 사용되어 왔다. 셋째, 형태 기능 측면에서, 조선시대 회화 속에 나타난 취병들은 기본적으로 차폐 및 구획의 기능이 주요하였다. 사람 키를 웃도는 담장이나, 심지어 중국 대문 앞뒤에 설치되는 영벽의 높이까지 솟아 있기도 하여 공간적 필요에 따라 다양한 형태의 취병이 설치되었음을 알 수 있다. 넷째, 취병은 특정한 기능이나 입지상황 때문에 설치된 것보다는 당시 국내에 유행한 명대 문인문화의 유행과 밀접한 관련이 있다. 특히 중국에서 전해진 서원아집도 등에 나타난 취병의 도상은 한양을 중심으로 부유층의 저택에서 재현되었는데, 취병을 통해 부귀와 문인의 기상을 표현하려 했던 초기양식이 궁궐 및 상류층의 주택에서나 조성될 수 있는 고급 정원요소로 전화되었다. 또한 19세기 중엽 이후 취병의 활용은 평민의 주거양식으로 확산되는 이른바 저변화의 양상을 보였으며, 이는 취병이 토착화된 전개로 간주된다.

• 조형예술학연구
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• 제8권
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• pp.63-94
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• 2005

ChangSayng-Do in the late Chosun dynasty was a kind of traditional painting which sublimated the philosophy and emotion of everyday life into an aesthetic consciousness through a long history of Korean people . It would represent a human wish and desire to live a long and healthy life, which was implicated by way of Taoism. The major themes of ChangSayng-Do - mountains, the sun, cloud, water, rock, deer, tortoises, cranes, pine trees, bamboos, peaches, and herbs of eternal youth - were all symbols used. to wish for a long-life and immortality in real world. All or some of these items were represented in paintings, which resulted in the various kinds of ChangSayng-Do. The main concern of this thesis will be centered around the naturalistic subjects shown in ChangSayng-Do. This thesis consists of four chapters. The first chapter describes the purpose of and need for the research, and its method and scope. The second chapter deals with the origin and style of ChangSayng-Do, and the background of its formation. It is found out that the formative characteristic of ChangSayng-Do lies in the archetype, the unity of man and nature following the traditional view of nature. It is also found out that ChangSayng-Do implied the notions of Supernatural Being, Yin-Yang and Five Elements, Taoism, and Confucianism as well as Korean shamanism. Third chapter is largely about an analytic investigation into symbolic visualization of ChangSayng-Do. Firstly, the subject matters shown in ChangSayng-Do consist of items of wishful omen for long-life and good luck, and any motif in a picture implies a symbolism of eternal youth and long-life. Secondly, the view of colors shown in ChangSayng-Do is closely connected to Five Elements and Five Direction, a traditional oriental philosophy of universe, and these symbolic colors are based on shamanism and Yin/Yang-Five Elements. According to an iconological analysis, it is confirmed that these viewpoints are consistent with formative principles and expressive methods of ChangSayng-Do to some extent. The fourth chapter is one of the most important elements for visualization of ChangSayng-Do. The symbolic meaning of long life and good luck is the major source of its popularity inside the palace as well as among the people in general. The fact that ChangSayng-Do was used to ornament the palace was documented in $\lceil$UiGuey(documents about Chosun dynasty$\rfloor$. Also during the late period of Chosun dynasty, the appreciators of arts had begun to spread from high level class to lower level class, and many pictures represented in $\lceil$Hanyang-Ga$\rfloor$ were the ones produced and circulated for those increased consumers. As for the folk-artistic characteristics, the anonymity and arbitrary naturalness of ChangSayng-Do demonstrates that the folk-artistic elements were fully soaked into the life styles of people in general. ChangSayng-Do further shows that a human being is located in the center of the universe, and that all the natural phenomena and ecology are observed to happen around human beings, and that the results of those happenings are connected to man's course of life. It is discovered that the subject matters of ChangSayng-Do in the late Chosun dynasty imply another idea inside metaphors and symbols. With regard to the arrangement of time and space, the unity or oneness of oneself with the world is more highly regarded than one's individual subjectivity: there exist multiple times and spaces in a single picture This reveals a wholistic view of oneness which does not permit the division between phenomenon and substance. To conclude, this thesis inquired into ChangSayng-Do in the late Chosun dynasty focusing on the expression of archetype-symbols. And through the analysis and demonstration, this thesis re-established constructional principles and formative characteristics of ChangSayng-Do and then settled a new phase of ChangSayng-Do, with a deep under-standing of fundamental thoughts of Korean people underlying ChangSayng-Do.

• 박물관과 연구
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• 제1권
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• pp.306-329
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• 2024

1909년에 설립된 제실박물관은 한국 박물관의 효시이자 그 컬렉션은 현재 국립중앙박물관의 근간을 이루고 있다. 그런데 제실 박물관이 창경궁에 설립될 때에는 박물관만 설립된 것이 아니라 동물원, 식물원이 함께 설립되었다. 이 세 시설은 1911년 이후 함께 창경원으로 불리기도 했으나, 동물원과 식물원은 1938년에 박물관 소장품이 이전될 때에 창경원에 남게 되었고 이왕가 박물관 소장품 중 일부도 창경원에 남게 되었다. 이때 남겨진 소장품 가운데에는 왕실에서 사용하던 가마나 갑옷 등 민속품도 있었고 조류박제 등도 있었다. 이 조류 박제는 창경원 명정전의 회랑에 전시되기도 하였으며, 명정전 뒤쪽에 있는 표본실에도 전시되었다. 특히 조류 박제는 제실 박물관(이왕가 박물관)의 특성을 재고하게 하는 것이다. 제실 박물관은 설립 초기부터 고려 청자 등 도자기, 불상, 회화의 명품을 주로 수집하여 미술박물관의 성격이 두드러진 것으로 알려져 왔다. 그러나 이러한 성격은 제실 박물관의 특성의 하나에 지나지 않는 것으로 보인다. 제실 박물관은 살아 있는 동물을 수용한 동물원, 열대 식물을 기르는 온실 등을 포함한 식물원과 더불어 조류박제 등 표본을 수집함으로써 초기에는 박물학적 관점에서 종합 박물관의 특성을 지향했던 것으로 보인다. 특히 박물관의 일반 사무를 담당한 시모고리야마 세이이치는 1908년부터 1917년까지 조선산 조류 표본을 수집하고 이를 목록화함으로써, 동물원과 식물원이 단순한 놀이 동산의 성격만 지닌 것이 아니라 박물학적 목적도 지니고 있었던 것으로 볼 수 있게 한다. 다만, 제실 박물관(이왕가 박물관)은 박물관이 지녀야 할 수집, 전시 기능에 더해 연구와 교육 기능을 해야 하는 근대 박물관의 특성에서 연구와 교육 기능은 상대적으로 미비했다. 조선산 조류 박제 등은 수집은 이루어졌으나 연구가 이루어지지 못한 점은 이 박물관의 소장품이 박물학적 관점에서 수집되었으나, 보다 전문적인 연구로는 나아가지 못한 한계를 지니고 있음을 보여준다. 이 연구는 이왕가 박물관 소장품 목록과 이왕가 박물관 소장 조선산 조류 목록 등을 통해 이 박물관의 특성이 변화했음을 고찰하고자 한다.

• 한국전통조경학회지
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• 제35권1호
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• pp.10-24
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• 2017

관동팔경의 형성과정에 주목하여, 문헌 및 도상자료의 분석과 해석을 통해 관동 명승의 집경에 따른 팔경 형상화 및 정착시기를 탐색한 본 연구의 결론은 다음과 같다. '관동팔경(關東八景)'이란 최초 용례(用例)는 이황의 "답홍응길(答洪應吉)"로 볼 때, 관동팔경은 이미 16세기 이전 당시 인들의 인식 속에 존재하였을 것으로 추론된다. "신증동국여지승람"을 비롯한 지리지 분석 결과, 관동팔경은 16세기 초 중반에 관동십경으로의 확장 또한 이루어졌다. 최초의 관동팔경에 대한 집경은 신즙의 "영관동팔경(詠關東八景)"으로 확인됨에 따라 관동팔경이라는 용어는 문학 분야에서는 최소한 16세기 이전부터 존재하였으며 현재의 세트화된 관동팔경으로 정착된 시기는 늦어도 17세기 초반이라 추정된다. 관동 명승의 출현빈도 분석 결과, 시문에 등장한 관동 명승은 관동팔경 경물에 대한 집중현상이 뚜렷하였다. 한편 회화 분야에서 오로지 관동팔경만을 모은 그림은 허필의 "관동팔경도병(關東八景圖屛)"에서 최초로 확인되는데 실경산수화에서 표현된 관동팔경은 시문에서의 집경 양상과 유사한 경향을 보이지만 화제 출현률 순위로 볼 때 시각적 결속력과 응집성이 더욱 강하게 드러났다 이는 일정한 관념체계 상 특정 의의를 지닌 회화의 도상(圖像)을 중요시하는 특성이 반영된 결과로 판단된다. 더불어 조선 후기에서 근대에 들어 제작된 다수의 민화 형식의 팔폭병풍(八幅屛風)은 관동팔경의 문화현상이 보편적 수용기에 접어들었음을 알리는 증좌이다. 또한 조선후기 성행한 남승도놀이 등 명승유람놀이에 등장하는 강원도내 13개의 명승에는 관동팔경이 오롯이 나타나고 있음을 볼 때 조선 말기 관동팔경은 놀이문화 속에서도 확고하게 정착된 것으로 보인다. 이와 같은 결과를 종합할 때, 관동팔경의 인식은 15세기 전반 이전부터 있어 온 것으로 보이고, 16세기 형상화 과정의 지속적 전개를 통해 17세기 정착되었으며 18세기에 들어 관습화 보편화 된 것으로 추정된다. 궁극적으로 관동팔경은 고려시대부터 별개의 경물로 명성을 얻은 지역 명승이 17세기 후반 구체적으로 형상화되었음을 알 수 있다. 관동 명승 중에 관동팔경은 오랜 기간 여러 사람의 탐승과 유람문화 향유(享有)를 통해 오직 여덟 개의 최상의 명소만을 추리기 위한 절차탁마(切磋琢磨)의 과정을 거쳐 형성되고 배태된 국내 대표적 팔경임을 일깨워준다.