Global fashion houses have recently incorporated traditional Korean motifs within their inspiration. This trend is an opportunity to showcase the colors of traditional Korean culture by investing in the new design content. Products specifically based on traditional Korean culture are lacking in brand awareness despite the success of Korean content. Accordingly, this study designs cultural products based on Korean folk painting that captures Korean people's satirical sense of humor. Korean folk painting theories are analyzed, from which different types of folk paintings are classified based on research of bibliographies and online documents. Following classification, the results are dataized as different types of folk paintings and their meanings. Furthermore, images of folk paintings are categorized and scanned digitally. The digitized images of the folk paintings are processed through Adobe Photoshop CS for overall layout and Adobe Illustrator CS for detailed designs. Traditional categories of Korean folk paintings are used, including flowers and birds, letters, and study stationery. Using the main elements of the flower and birds category, designs with cultural products such as images of flowers, birds, animals, and fish are produced. The final designs are used to create fashion items that can easily be used for embellishment or self-presentation: a scarf and a necktie. The scarf and the necktie are not only merchandise; they also symbolize the story, humor, and hope that Korean folk paintings once symbolized.
최근 패션산업에서 패션디자인의 표절과 관련된 논란과 법적 분쟁들이 끊임없이 발생하고 있다. 본 연구는 패션디자인에 대한 표절 분쟁들의 사례 탐색과 대학생들이 패션디자인의 표절에 대해 어떠한 인식을 함양하고 있는지 조명해보고, 패션디자인의 표절에 대한 함의점을 제시하는데 는데 목적이 있다. 연구방법 및 범위는 이론적 연구와 사례연구 및 서술응답조사를 병행하였다. 본 연구의 결과로 첫째, 패션디자인의 표절 분쟁들의 본질적인 문제는 기업적인 측면에서 디자인 보호법의 활용도 부족과 법제적 측면에서 디자인의 표절 기준의 모호함이 한계점으로 나타났다. 둘째, 디자인 표절에 대한 대학생들의 부정적인 인식으로는 비윤리적 행위, 패션 산업의 성장 저해, 소비자의 구매 의지 상실의 견해가 주를 이루었다. 디자인 표절에 대한 긍정적인 인식으로는 창조를 위한 과정, 패션산업의 발전적인 환경 조성, 디자인을 접할 기회의 확장의 견해가 주를 이루었다. 또한, 디자인의 표절의 원인은 표절에 대한 명확한 판단 기준의 부재에서 비롯된다는 인식을 가장 많이 갖고 있었다. 셋째, 패션디자인의 표절 문제에 대한 함의점은 정책적인 측면에서 패션 산업에 실효성 있는 제도적 개선, 학문적인 측면에서 패션디자인의 표절에 대한 명확한 기준의 정립, 교육적인 측면에서 지적재산권에 대한 교육안의 개발 및 실제적 도입, 패션산업적인 측면에서 패션분야에서 활동하는 종사자들의 표절에 대한 인식 전환이 필요하다.
Based on the fact that a parody is widely used as one of main methods of creating art, this study focuses on the parodic techniques used by one of the most famous contemporary artists, Cindy Sherman. Her unique techniques, which are shown through parody, provide different aesthetical values to contemporary fashion designs. The purpose of this study is to find out whether or not contemporary fashion designs that use parodies can be presented as creative fashion designs. The study was carried out by analyzing data retrieved from various literatures, dissertations, magazines and the Internet. The period between the late 1990s and 2010 is the time when parodies were widely introduced, this study presents tables, pictures and photographs based on data collected from that period. The result of this study suggests that there are mainly four expressive techniques used to create Cindy Sherman's parodies: female viewed from a male's perspective, pornography and sexual satire, narrative and realistic reproductions, and foreignness and harmony in conflict. This study discovered that based on these four expressive techniques, contemporary fashion can produce the following four results according to their production styles, silhouettes, materials, and colors: the beauty of the retro pinup girl style, the beauty of eroticism and sexual satire, the beauty of history through reinterpretation of the past, and the beauty of compromise through conflict. As described above, this study attempts to seek how techniques of parodies give different aesthetical values whether or not they can become creative fashion design techniques by listing Cindy Sherman's unique expressive techniques in her parodies in relation to contemporary fashion designs.
This research was started to study how the design identity of an overseas fashion house was formed, changed and connected. For the purpose of the study, Saint Laurent House was selected as the subject of the study, because it began as a couture house and launched the $pr\hat{e}t-\grave{a}-porter$ for the first time among the designer brands, and also contributed to the development of modern women's fashion. Literature survey on related books and papers was performed to study the Saint Laurent House. Then, fashion collection photos of the house from 1962 SS to 2014 SS were collected to analyze and compare the features of the designs. The photos were collected from related books, fashion magazines and internet sites. The results are as follows: The features of Yves Saint Laurent's early designs were contemporarily sensational with their couture tradition. His representative designs including Le Smoking, Pea Coat, Loose Fit Blouse, Safari Look, Jumpsuit, Ethnic Look and Art Look became the signature looks of the Saint Laurent House. His designs expressed the liberation of sex, multi-cultural sensitivity and the fusion of art and fashion. His successor, chief designer Tom Ford designed with strong sensitivity of his own. He dealt with Yves Saint Laurent's design themes and signature looks in sensual as well as trendy and sophisticated way. Stefano Pilati showed the Parisienne chic and elegance. He re-made the legacies of Yves Saint Laurent with his own design style using new materials or cutting technique. Hedi Slimane reinterpreted the signature looks of the house with his rock' n roll mood for young, modern women while reflecting the spirit of Yves Saint Laurent's early stage. In conclusion, the design identity of Saint Laurent House is not just a fixed one. By the subsequent chief designers, the signature items and design spirit of Yves Saint Laurent have been succeeded, reintroduced or changed to be trendy and to reflect the designers' design sensitivity. All of these make and maintain the design identity of the fashion house.
This study analyzed the compositional characteristics of fashion videos and the characteristics of fashion design spreading as trends through Subversive Basics. Literature research and case studies were conducted concurrently. Based on the literature review, an analysis method was designed, focusing on the concept of online video content, Subversive Basics, and the video content type. For the case analysis, videos were collected and classified using Subversive Basics as the keyword. The content was observed, and design features were analyzed. Based on the results, the collected videos were classified into tutorial, curation, and creative content types according to their compositional characteristics. Tutorial content emphasizes practical actions that demonstrate how to make or modify clothing, thereby promoting user-generated content for dissemination. Curation contents provide users with style ideas and information about clothing and purchases to encourage clothing purchases and influence purchase decisions that lead to dissemination through clothing consumption and wear. Creative content showcases the process of modifying and creating clothes to enhance understanding and value of creative design. The characteristics of fashion design utilized in these contents include bold designs with high visual effects as the first category, designs that can be easily and quickly modified due to intentional incompleteness as the second category, and prominently featured body-positive, individualistic designs as the third category. The results of this study can be associated with balanced development between basic design elements and personalized unique designs, catering to consumer needs.
For every country, the flag is a major symbol that represents the country. Establishing image though the use of the country's symbol is more important for achieving national competitiveness in this global age. In Korea, Taekuki has not been actively applied to fashion products, however Korean people began to realize the Taekuki as a motif of fashion with 2002 World Cup. Thus, research on fashion product development applying Taekuki is needed. This research developed designs for fashion product development applying Taekuki. In addition, through suggesting various applied motives, this research explored the product possibility of global fashion design that represents Korean identity and fashion. For research method, after research on fashion design process, design development was progressed according to the 4-phases that comprehends processes previous researchers presented. First, in the problem recognition phase, background on the introduction of Taekuki to products and Taekuki fashion during 2002 World Cup was analyzed. Then, the need and possibility of fashion product development applying Taekuki's formative characteristics were found. Second, in research and analysis phase, meaning and history of Taekuki as well as flag fashion product developments in the U.S. and England examples were reviewed. Also, individual interviews with experts and consumers were conducted to collect qualitative data regarding product and design direction. Third, in idealization for problem solving phase, 62 designs including 43 apparels and 19 accessories were emerged. Finally, in evaluation phase, 40 university students majoring design evaluated designs' creativity, function, uniqueness, symbol, aesthetics, and harmony. Through this research, it is expected that fashion products applying Taekuki will be formly established as a fashion item. Furthermore, it is also expected that product development in other categories, brand planning, and product development using other national symbols such as name, anthem, and flower will be followed.
The purpose of this study was to develop fashion designs using masks on the basis of plasticity of masks. This study was conducted both theoretically and empirically. In a theoretical study, mask-related research and fashion-related literature were examined. In an empirical study, masks used in collections since the 1990's were analyzed through fashion magazines and fashion web sites. Based on such theoretical researches, masks used in modern fashion collections were divided into accessories and clothing to analyze and three fashion designs were developed on the basis of results described above. This study intended to express a romantic look with primitive mood that added formative elements of a mask to the design concept of "Romantic-Primitive". First, forms of masks were simplified and deconstructed and then some methods such as textile printing, leather handicraft, or applique were expressed.
The current study aims to 1) investigate how fashion is perceived in societies that utopian novels were born and 2) what fashion means in utopian worlds by content analyzing two utopian novels, Thomas More�s Utopia and William Morris�N ews from Nowhere. The analyses of More�s Utopia and Morris�s News from Nowhere revealed that both utopian societies made corrections from our (imperfect) societies to increase happiness of people. Dresses of those two utopian societies were described as comfortable, pleasant, and attractive. There was a difference in design in that More considered simple and natural designs as the best whereas Morris considered human processed, labor intensive designs as the most attractive. However, fashion did not exist in either utopian world. It is reasonable to say that utopian societies were anti fashion in general due to the conflicting natures of fashion and utopia.
This study analyzes the formative changes and trends of cape design in modern fashion. In this study, a total of 496 cape designs were collected through the four major fashion collections of Paris, Milan, New York, and London from 2006S/S to 2010F/W, and a literature overview on capes was performed. The results of this study show that the cases with collars and hoods attached outnumbered the non-collared designs. In addition, the cases of lengthy cape in the hip or knee line represent more portions in designs. As to the material, it indicated that generic cloth was used the most. In most cases, decorations with various details and trimmings were also used. For expression characteristics, cases only with unique texture to cloth material and formative beauty were the most remarkable without decoration. For the formative feature, the independent item style was found the most, even though it was worn together with other kinds of clothing. Integration with other types also appeared such as cape jacket, cape dress, cape one-piece, or cape coat. Cape design features in contemporary fashion and could be characterized as feministic elegancy, harmony of practical value and fashion, authoritativeness, and decorativeness from the design trend analysis.
Fashion designs reflect the trend of the times embedded within the cultural structures of eastern and western civilizations as well as the traditional styles. However, the motives in fashion designs fundamentally come from human beings' willingness for creation through deep understand of nature or using symbolism and artificial esthetic appreciation. Mankind has expressed their willingness for creation through speculation not with the attitude of conquering nature but by acknowledging the flow between their lives and nature. The purpose of this paper is to investigate human beings' transcendental and embracing attitude toward the natural environment and the human environment in fashion design. In natural environment factors, sublimity toward nature's marvelous powers and the transcending state of mind within happiness and delight or the extreme fear or unavoidable coerciveness and the consequential daunting feelings and smallness, and sorrow all stimulate the will of mental speculation and cause a transcending sublimity. A sublime state of mind does not exist in a superficial framework of enjoyment. It is rather an act of transcendence and embracement residing in a sublime object and leading man's spirit into a state of philosophical thought. Also, in man-made Environment factors, we found from magnanimity we were ability to see the true nature of an era's culture.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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