• 복식
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• 제58권1호
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• pp.17-32
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• 2008

This study focuses on the analysis of Baudelaire's aesthetic perspective which has established a theoretical basis on research of the critical reviews' salon exhibitions as written by Baudelaire. Charles Pierre Baudelaire(1821-1867) having lived during the latter part of Neo-classicism and the era of Romanticism and Impressionism, Baudelaire displayed opposition to customary realities such as social ideology or religious authority that suppressed human nature. Also he pioneered a new genre known as art criticism and wrote much that provided important insights on the essential elements of artistic work, modernity and trend, as well as art definition and art categories. The aesthetic perspective and creative spirit were formed by Baudelaire, during his age were also reconfirmed in the successive ages of modernism and postmodernism. As such, this study sheds light on how Baudelaire's aesthetic perspective was not only temporarily assertion but it is consistently applied to modern art and fashion area. What is more important that, Baudelaire admired new artificial beauty that is created by the human soul liberated from natural instincts or desires. Especially, informed by strangeness and distinctiveness, Baudelaire's view of fashion ran along the same vein as his view of art, and these views form the basis of that creative spirit which situated western fashion on a center of the world. In conclusion, the research on Baudelaire's aesthetic perspective will reaffirm a firm awareness of the creative spirit essential to globally-oriented creative artists and designers who work within the circumstance of the 21st century, a time when the paving of new aesthetic paths is necessary. The research also offers a clear understanding of the aesthetic values demanded by this age.

• 철학연구
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• 제143권
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• pp.245-266
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• 2017

발터 벤야민의 독특한 개념인 아우라는 주로 "사진의 작은 역사" (1931), "기술복제" 시대의 예술작품 (1935-1939), "보들레르의 몇 가지 모티프에 관하여"(1939)에서 제시되지만, 지금까지 연구는 주로 앞의 두 텍스트에 의거하여 논의되었다. 그러나 벤야민이 보들레르 연구를 통해 아우라 개념을 심화시켰다는 점에서 이 개념은 "보들레르의 몇 가지 모티프에 관하여"의 논의를 중심으로 다시 검토될 필요가 있다. 그는 "아케이드 프로젝트" 의 구상 아래 보들레르 연구에 몰두했지만, 1938년 보들레르 연구를 독자적인 저작으로 낼 생각을 하면서 이 연구는 새로운 지평을 획득하게 되며, "보들레르에게서 제2제정기의 파리"(1938)를 거쳐 이 연구의 최종 결과물인 "보들레르의 몇 가지 모티프에 관하여"로 수렴된다. 벤야민에게 보들레르는 후광을 상실한 시대의 시인이며 자본주의 전성기에 대도시와 군중이라는 새로운 시적 모티프를 전면적으로 발전시켰고 나아가 아우라의 상실을 누구보다 예리하게 증언한 시인이다. 그는 대도시의 충격 체험을 시적 양분으로 받아들여 대도시의 군중 속에서 시를 찾는다. "보들레르의 몇 가지 모티프에 관하여"에서 아우라는 시선의 응답, 또는 시선을 부여할 수 있는 능력으로 규정되는데, 이렇게 인간뿐만 아니라 동물, 심지어 사물에게도 시선을 열 수 있는 능력을 부여하는 것은 시적 능력이다. 벤야민에 따르면, 하나의 시선이 그 시선의 대상에게 시선의 응답을 받을 때 우리는 그 대상의 아우라를 체험한다. 반면에 사진이나 영화 같은 기술복제 매체는 시선을 돌려받고자 하는 기대 자체를 좌절시키기 때문에 아우라의 붕괴를 가져온다.

• 문화기술의 융합
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• 제9권6호
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• pp.737-742
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• 2023

이 논문은 오스망에 의해 주도된 파리의 변화를 발작과 보들레르의 작품에 등장하는 배회자를 통해서 분석하려는 시도이다. 두 작가의 작품 모두 근대성을 표상하는 배회자가 파리의 시가지, 특히 건축물들을 관조한다. 근대성을 표상함에도 불구하고, 배회자들은 양가적으로 과거의 유산에 빠져있기도 하다. 발작의 『파리의 그릇된 면모』에서 남성 부르주아인 고드프와는 과거의 유산인 오래된 건축물들을 관조하는 배회자이다. 보들레르의 시 「빅토르 위고를 위한 백조」에서 근대의 카루셀을 지나는 배회자는 과거의 파리가 사라진 것을 느낀다. 「파리의 꿈」에서 환영화된 파리는 나폴레옹 3세가 장려한 자본주의적 활동에 의해 형성된 대도시의 이미지를 보여준다. 두 작가의 차이는 근대성이 파리를 어떻게 변모시켰는지를 예시해주고 있다.

• 영어영문학
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• 제55권6호
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• pp.937-959
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• 2009

The Queen of the Air, John Ruskin-s highly elliptical publication of 1869, elaborates a complex mythology as a way of responding to the prevalence of scientific thinking, widespread environmental degradation, the pernicious effects of political economy, and mechanistic labor. Benjamin-s desire to rescue human experience from prevailing scientific conceptions is reminiscent of Ruskin-s fear that the peculiar power that shapes the unities of the natural world is simultaneously being "beaten down by the philosophers into a metal or evolved by them into a gas" and obscured by the dreams and theories of philosophers and theologians. As a critic remarks, in Benjamin-s-and, we would add, Ruskin-s-view, "what the modern era lacked was a basis for continuity which would prevent experience from disintegrating into a desultory and meaningless series of events." Despite its frenetic hyper-associativity, then, The Queen of the Air contains a key element that Benjamin believes is necessary for "redemption": the desire for a new form of consciousness that recognizes links to the past and thus to the longings and dreams of our forebears. Thus, although Ruskin most immediately influences Proust, who in turn influences Benjamin, Benjamin-s thought is far more Ruskinian than critics have heretofore observed. Just as Benjamin helps us make sense of the ways in which The Queen of the Air is caught in the grip of the shocking associativity of modern life, so Ruskin assists us in discerning similar impulses in Benjamin-s attraction to a form of archaic consciousness that can, by altering the modern form of perception, reenchant the present.

• 복식
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• 제37권
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• pp.231-252
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• 1998

Since the costume directly express human mental and emotional status, colors of costume can be valuable data to grasp the spirit of the times. Black is noticeably used in modern fashion and the study for black costume is very useful to understand modern fashion. There-fore the study mainly approaches the black costume, finding its background of appearance and symbolism, reviews the symbolism and formality of black expressed in the field of paint-ing and design beyond the fashion, and compar-es to fashion. The study result of the thesis is as follows ; First, black as a color is a one to light other neighboring colors, while it is a static, con-tractible and outstandigly attractived color. Second, black color traditionally symbolizes death, earth, air, North and inferior level and in the painting, it symbolized death, despair, fantastic world and the expression of pent-up self, while cities have been symbolized in the black printing in modern times. In the design, black has appeared with the industrial society, which symbolizes functionality and modernity. Third, black in the fashion design was symbolized death, sternness simplicity, modernity, sex, resistance and so on. Death became conspicious by a religious factor since the old times, sternness was influenced by Spanish fashion in the 16th century, simplicity by Dutch fashion in the 17th century and modernity by Baudelaire dandyism and Chanel little black dress, while sex and resistance were urged to the modern times by teenage inferior culture and stickiness to sex. Fourth, the formative features of black costume prefer simplicity, tightness and bareness in form, and in material, usually used glancing materials changed by the effect of light, lace, see-through fabric and matte one with depth. As a result, the black color is summarized to symbol death, expression of self and modernity. It is not a color of emotion but of mentality and artificial one against nature. Black color in fashion gets a strong power to express self in the symbolic aspect and draws a higher attention on human body than the fashion itself. By these features, black costume will be continuously prefered in spite of changes of the fashion.

• 한국시조학회지:시조학논총
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• 제19권1호
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• pp.85-106
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• 2003

본질적으로 입으로 소리내어 읊조리고 청각으로 감상하기 위해 만들어지고, 일정한 형식 안에서 음성의 조화와 운율의 음악성을 중시한 소네트와 시조의 표현형식은 전반적으로 기의signifie와 관련하여 고찰되어야 한다. 보들레르의 <깨진 종>과 김종서의 <삭풍가>을 표현형식의 의미작용을 중심으로 분석해 본 결과 시적 자아의 정서는 표현형식과 밀접하게 연관되어 있다. 소네트나 시조는 의미, 율격, 각운, 음성구조, 리듬 등 여러 개별적 요소들의 집합체가 아니라 이 모든 요소들이 서로 상호 작용하는 통일된 유기체이다. 시대의 흐름에 발맞춰 낭송법에 대한 이론을 체계적으로 정립하여 시를 콘텐츠화 하여 유통방식의 변화를 꾀해야 한다. 그러기 위해서 그 자체가 표현가치를 가지는 표현형식은 낭송에 있어서 최우선 적으로 고려되어야 할 기본원리이다.

• 비교문화연구
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• 제43권
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• pp.327-354
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• 2016

랭보의 산문시집 "일뤼미나시용"의 "야만"은 형식이나 주제, 비유 등이 난해한 시로 유명하다. 본고는 작품의 난해성을 연구하기 위해 먼저 문법적 구조를 분석하였고, 그런 다음 시의 의미를 살펴보기 위해 저자의 다른 작품과 비교하는 자기텍스트성을 분석하였다. 자기텍스트성은 스티브 머피가 제시한 랭보 산문시 해석의 방법론으로서 저자의 작품과 맺는 내적 상호텍스트성을 말한다. "야만"의 경우 일반적 상호텍스트성의 연구가 없는 것은 아니지만 시의 의미를 크게 규명하지 못한다고 본다. "야만"의 난해성은 무의미 시의 예로 간주되기도 한다. 하지만 시 구조 분석과 자기텍스트성을 통해 볼 때, "야만"은 무의미가 아니라 의미를 구축하고 있다. 이 시는 일반적 운문시나 산문시와 달리 전체가 명사 구문의 비유로만 이루어져 있다. "야만"은 랭보 고유의 문맥에서 파괴, 화합, 재생의 순수한 힘을 의미한다. "야만"은 보들레르의 "이 세상 끝 어디라도"에 대한 랭보 식 답으로, 북극의 불카누스의 화산에 도달하는 영원한 여성의 목소리로 대변되는 현장이라 할 수 있다. "야만"의 읽기는 "일뤼미나시용"의 난해성을 읽어내는 하나의 방법론이 될 수 있다. 본고에서 우리는 "야만"의 언어적 지표의 분석과 자기텍스트성, 그리고 시가 침묵하고 있는 희열과 고독의 이해가 하나의 접근법이 될 수 있음을 분석하였다. 이러한 접근법을 통해 우리는 "일뤼미나시용"의 파편을 개개의 방식으로 연결하고 조합해서 파편들의 스토리를, 모험을 재구성할 수 있으리라 본다.

• 영미문화
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• 제10권2호
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• pp.73-97
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• 2010

Representation of destitution may be considered as an expression of a social desire toward forging a bond or solidarity with the impoverished. However, political and ethical demands of the solidarity force the formulaic framework structuring the form of representation to its limits. The thesis aims to examine the responses to such demands within the tradition of modernist literature that can be traced from Charles Baudelaire, Knut Hamsun to Franz Kafka and that somehow culminates with Samuel Beckett, and to analyze how the issue of destitution that weaves through Beckett's works criticizes and inherits such a heritage. Whereas destitution in 19th century Realism is structurally fixed and its potential for change is inherently excluded, for these writers, destitution is no longer the state of rigid reality in which any possibility is limited. It is destitution as an imperative that calls for exploitation of possibilities that can be recuperated from the impoverished condition of destitution. What these writers consistently resist against is destitution that leads to compensation and reward. Since occupying a superior position toward the other as the subject of description or sympathy can be seen as one form of profit or reward, they have persistently pursued absolute solitariness and austere conditions rather than prematurely simulating a sense of solidarity and community. The ultimate goal of destitution as an imperative is to pursue destitution in order to worsen it by identifying and then excluding and expending possessions and assets to a state of penury. This is a paradoxical process that opens up the realm of possibilities of destitution and redefines it as abundance and wealth. Destitution for Beckett as seen in the writers above is the objective of literature. But, what he focuses on is to amplify the shreds of economic world that still remain in a state of poverty and to reveal extreme poverty as a state of odd affluence and to transform it into a pursuit of accumulation and profit. One of his famous axioms, "less is more", contains the essence of such a paradoxical strategy. In a sense, such approach is a twist on the strategy that identifies and uses any remaining potential hidden in destitution as was pursued by other writers. It also expands on the imagination of the destitute described by Hamsun. But Hamsun and Beckett are diametrical opposites. Unlike Hamsun, Beckett does not link imagination with a sense of guilt. Imagination is not intended to overcome the destitute reality nor to culminate in artistic martyrdom as in the case of Kafka's hunger artist. The imagination of the impoverished in Beckett is simply a hilarious game and not an escape that ends in a sense of guilt. This game formulates a "rhetorical question" or derision at the ironical situation where the pursuit of hunger and art as the disinterestedness has been turned into symbolic capital. It is inherently a fundamental critique at the aestheticization of destitution that has been pursued by Modernism. Beckett's efforts at divulging falsehood inherent in non-profit acts such as charity, donation and hospitality are dissections of social fictions in which aestheticization of destitution remains a part of the whole.