The purpose of the thesis is to answer the question on how the visual image content, being the original content, should be adapted to and represented as a spatial content. The thesis focuses on adaptation as the key in the conversion process of visual image content to a themed space. There are many published studies dealing with storytelling, adaptation from books to movies and TV shows, or from movies to games and vice versa. On the contrary, when it comes to adaptation from visual image content to spatial content, noticeably few studies were done on the method, and fewer studies view adaptation as the prior step of storytelling. This study first defines adaptation, and then applies the methods of Gianetty and Dudley which is further incorporated into the conversion of visual image content into a themed space. It then turns the attention to the characteristics of themed spaces. A case study highlights that a themed space is a spatial representation of the story, image and action in the visual image content, and analyze the type of adaptation made. The study results draws two conclusions; adaptation must be carried out prior to the storytelling of the spatial content; and opposed to a third-person view of the visual image content, the main factor in a themed space is first-hand experience. Thus, the thesis suggests that conversion from visual image content to themed spaces are not merely imitative but is a full range of recreation of a new content. It is expected that more detailed analyses on the particulars will lead to feasible outcome on implementing various methods of adaptation and bring about effective conversions between the visual image contents and themed spaces.
The term 'noble savage' is a literary stock character that expresses the concept of an idealized person who has not been corrupted by civilization, and therefore symbolizes humanity's innate goodness. Fictional noble savage characters that are raised by wild animals such as Rudiard Kipling's Mowgli or Edgar Rice Burroughs' Tarzan were created over 100 years ago but are still repeatedly reproduced as movies and TV series. Since films that depict noble savages tend to criticize civilization, popularity of these film could be due to the hidden anxiety of masses towards civilization and technology. Characters in commercial films about noble savages tend to be leveled, sharpened, and assimilated as Allport and Postman argued in The Psychology of Rumor. It is probably because films, as mass medium, need to be understood easily to the public. Characters in animations with cartoon style images are more likely to be leveled, sharpened, and assimilated even further than live-actions. Films show social stereotype of the time through assimilation process. Comparing different versions of film based on the same novel about noble savage how those social stereotypes such as gender roles and idea of evil change.
This paper analyzes three feature films that are based on Brothers Grimm's "Snow White": Disney's Snow White and the Seven Dwarfs (1937), Tarsem Singh's Mirror Mirror (2012), and Rupert Sanders' Snow White and the Huntsman (2012). Disney's animation, not the original literature, is the archetype of the later films. Grimm's fairy tail does not include the kiss of Prince Charming that saved Snow White which is, in fact, borrowed from "Sleeping Beauty", nor Snow White's rapport with animals. In Snow White and the Huntsman 's case, the costume of protagonist is similar with Disney's film and some shots are almost identical with Disney's version in terms of composition and angles. Nevertheless, these films show their originality with markedly different visual styles. Mirror Mirror and Snow White and the Huntsman have achieved reasonable success at the box office despite of relatively simple and predictable narratives due to the power of spectacle. While Disney's Snow White displays the model of witch that later becomes prototype of many movies, Mirror Mirror represents the unique magical world, a trompe-l'oell that can only done by director Tarsem, and Snow White and the Huntsman successfully visualizes Freudian concept of 'the uncanny' itself.
has many sexual elements among our literature. So is considered obscene. But if you take a closer look at , you can see that he is dealing with the real problem. Especially, the conflict between Gangsoe and Jangseung shows the contradiction of reality. However, it can not be questioned because it is hidden behind sexual elements. 's strategy of revealing is similar in Media Narrative. has been made into a film since the 1980s. However, these films stayed at the level of B-erotic movies. The real meaning of is gone, and the sexual image is more emphasized. Incidentally, this aspect is related to reality at the time. At that time, the military was in control of politics. So I wanted the people not to be interested in politics. For this reason, many erotic movies were created. Eventually, the strategy of revealing was even more maximized in Media Narrative. But recently there was a new attempt like . This was a new attempt to go beyond the standardized approach. Future interpretations of are expected more.
Park Jong-won's debut film "Guro Arirang," based on a short story of the same title by Lee Moon-yeol, is the first commercial film to deal with labor struggles from a worker's point of view in the wake of the 1987 democratic movement, and a pioneering work in terms of representing female workers the Korean cinema has traditionally turned away from. In this film Park Jong-won tried to win the sympathy of the middle class for labor movement in spite of the red scare which still stood firm in the Korean society at that time. To convey its progressive message in a form acceptable to the middle class public, the film portrays labor issues in the light of universal humanity and ethics, not in terms of class hostility or struggle. Park Jong-won calls this point of view "common sense of normal people" and emphasizes its universality and objectivity. This study critically examines the cinematic strategies to deal with labor issues in a form acceptable to the public in a conventional and commercial film and the ideological implications of the "common sense of normal people" reflected in such strategies. The first chapter of the study reveals that the film destroys the irony of the original story and reduces the complex constellation of the characters to the conflict between pure good and evil, creating a melodramatic composition in which the good falls victim to evil. The tragedies suffered by the workers in the film are of course intended to arouse the audience's strong sympathy and solidarity with them. The second chapter shows that the film's various scenes and episodes converge on the them of compassion and grief, and are mostly based on cultural and real experiences and events that caused great public sensations at that time. Especially in the last decisive scene of the movie, the memory of the June 1987 uprising is strongly recalled. So "Guro Arirang" can be seen as a patchwork of proven cases of compassion and grief. The third chapter examines the implications of the scene where the workers turn back demands for wages and put the issues of human treatment and trust to the forefront at the crucial moment of their struggle. It appeals to universal moral values and sentiments that everyone has to acknowledge and removes the political dimension from the workers' campaign. While the film tends to become a pure story of humanity marginalizing irreconcilable conflicts of class interest, the workers fall to the position of passive victims who can be deeply sympathetic on the one hand, and on the other, are idealized as leaders with noble attitude keeping themselves aloof from the hard reality. As a result, the movie loses its realistic ground and weakens its narrative probability. The scenes reminiscent of the 1987 uprising which evoke the solidarity between working and middle class fail to integrate harmoniously into the whole story of the film and remain only as fragmentary parts of the patchwork of compassion and grief.
This study was written to examine the acceptance of pansori in movies based on pansori, and to explore changes in modern society's perception and expectations of pansori. A pansori is getting the love of the upper and lower castes in the late Joseon period, but loses the status at the time of the Japanese colonial rule and Korean War. In response, the country designated pansori as an important intangible cultural asset in 1964 to protect the disappearance of pansori. Until the 1980s, however, pansori did not gain popularity by itself. After the 2000s, Pansori tried to breathe in with the contemporary public due to the socio-cultural demand to globalize our culture. And now Pansori is one of the most popular cultures in the world today, as the pop band Feel the Rhythm of KOREA shows. The changing public perception of pansori and its status in modern society can also be seen in the mass media called movies. This study explored the process of this change with six films based on pansori, from "Seopyeonje" directed by Lim Kwon-taek in 1993 to the film "The Singer" in 2020. First, the films "Seopyeonje" and "Hwimori" were produced in the 1990s. Both of these films show the reality of pansori, which has fallen out of public interest due to the crisis of transmission in the early and mid-20th century. And in the midst of that, he captured the scene of a singer struggling fiercely for the artistic completion of Pansori itself. Next, look at the film "Lineage of the Voice" in 2008 and "DURESORI: The Voice of East" in 2012. These two films depict the growth of children who perform art, featuring contemporary children who play pansori and Korean traditional music. Pansori in these films is no longer an old piece of music, nor is it a sublime art that is completed in harsh training. It is only naturally treated as one of the contemporary arts. Finally, "The Sound of a Flower" in 2015 and "The Singer" in 2020. The two films constructed a story from Pansori's history based on the time background of the film during the late Joseon Dynasty, when Pansori was loved the most by the people. This reflects the atmosphere of the times when traditions are used as the subject of cultural content, and shows the changed public perception of pansori and the status of pansori.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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