What is 'Art Theory'? In the western sense, the term poses a vague ambiguity, and in the eastern, it is rather an abstract and metaphysical concept. As for etymology, theory is derived from theoria and theoria from theoros. It refers to an act of viewing or seeing, of course not in a metaphysical sense. Plato understood it as 'eide'. During the time of Plotinus, theoria encompassed gazing at every possible reality, and this gazing, that is theoria, is closely related to reality as aunit that theoriacan perceive. However, we tend to distinguish, as other scientists of dualism have done, studio art from theory since a pre-modern approach to art has been particularly tuned to studio practice, set apart from theory. Therefore, in studio classes, students are expected to learn the subject based on the foundational curriculum methods such as medium, genre, technique:, rather than bringing out their own interpretations and discussing theories. As a result, students have become artists, who are not able to understand their own art. Art professors who conduct class in studio are required to proceed with specific 'theories' as well as 'intellectual reflections'. In this respect, this thesis presents poiesis and an idea of 'acting out'. Although art history and aesthetic theory tend to view art as a finished product, actual art-making and related theories should not only be acknowledged as 'completion' (finition) but also be accompanied by theoretic interpretations of the act itself and process. Accordingly, it is to accept and appreciate art as finished result in view of current theory and aesthetics thus boils down to aisthesis. Likewise, poietics starts from a point where an artist is related to studio and examines the 'work process' that extends as far as to the exact end of work. Through the study of such relationship, it is possible that theory understands 'studio' and 'process', and an artist can grant an independent meaning to studio where s/he pours her/his heart out creating a work of art. Theory is a study on artistic discovery thus should be equipped with functions that can accommodate fortuity, imitation, thinking, culture, and surrounding.
Recently, many regional governments and national organizations have propelled public art projects as a part of city regeneration project for improvement of living environment and cultural welfare of neglected regions. It is necessary to think of meaning of the public art project in a context of city regeneration, not only in public art discourse. This paper starts from the question if recent public art projects performed in city of Busan during last 5 year was successful in terms of place marketing. This paper tried to revoke to consider public art project in terms of place marketing because it should be utilized ultimately to activate regional economy for the habitants. First, we reviewed theoretical background regarding definition of public art and place marketing, intended effects of public art project, and place marketing strategy. we elicited an analytical framework and analyzed representative 6 cases of recent public art projects performed in city of Busan in terms of requirements of public art project and viability of place marketing. Discussion of the analysis result suggested implications for the future public art project to direct.
This study is on the consideration of the scope of application of art therapy and fractal through the review of literature at home and abroad. The complex system is the opposite of the Euclidean system, a concept suitable for understanding the contemporaries with ambiguous boundaries and decentralized phenomena. The self-similarity and inventiveness of fractal, the geometry of nature, is used as fractal art in art as well as tree trunk, cloud and plant, especially in art therapy, fractal is considered to be available in the field of mandala and neuroscience. From brain-based research to mandala, exposure to natural patterns, clinical diagnosis through fractal analysis and software development, fractal has potential elements that can be developed in art therapy. Fractal, which is easy to link with computers due to its nature, is a necessary study at this point when non-face-to-face contact with the Corona virus is recommended. Currently, research on fractal art therapy is insufficient in Korea. Therefore, this research is intended to present as a basis for scientific and objective diagnostic tools and treatment at clinical sites using art therapy using fractal.
This is the one concept of the Korea paintings which defines the korea Art sprite. The line of korea painting is very important. It is impressions, korea artist had mastered the difficult art line of representing movement. That offers the important motive, that is discovery of Identity. this korea painting's line is like to meditation. To meditate is to think and ponder about the same holy truth for many hours on end, to fix an idea in one's mind and to look at it from all sides without letting go of it. That is the purpose behind the greatest of the korean landscape paintings Futhermore that is the purpose Shui-Mo paintings. This is the most important. What the korean value most highly in art. There is something wonderful in this restraint of Korea art, in its deliberate limitation to a few simple motifs of nature. But today, anyone did not interested in this motif. So that Shui-Mo paintings did not concerned too. Therefore, we consider it childish to look for details in pictures and then to compare them with the real world. We masters to acquire such a facility in the handling of brush and ink that write down their vision while their inspiration was still fresh.
Since early 2000s, there has been a growing interest in art archives. Despite of the interest, there are only studies which did not suggest cases that the system of art archives was constructed, but had just theoretical discussions. This article reports the organizations & functions, rooms & locations, materials, acquisition institution and its limitations of "The Art Archives, Seoul Museum of Art" and describes in the archival aspect, the process through which the system of "The Art Archives, Seoul Museum of Art" had been constructed. This study reviews the implications of the archives which were established through the process, and the tasks to develop the art archives in Korea.
This study explores gender images represented in the works of women artists from the Middle East, where male chauvinism is recognized to be more predominant than elsewhere. The artists included in this study such as Mona Hatoum, Shirin Neshat, Lida Abdul and Sigalit Landau are Post-Feminist generation of artists who were born in the Middle East but spent significant amount of time in the West. In addition, they were trained as artists under the influences of the Western Feminist Art. This particular group of female artists pays much attention to the ontological question of their identities rather than male/female inequality, and each artist represents men and women in the ways that can hardly be found in the works by women artists in the West. These artists not only connect gender identities to the socio-political geography of the Middle East but also deconstruct Western stereotypes of men and women from Arab world. The paper focuses on the way these women artists incorporate male/female vs. culture/nature dichotomies into their works to subvert the premises on which Western Feminism has been based and not only to cast light on women's freedom and their ontological conflicts but also to emphasize social suppression inflicted upon men. In such process, these artists resist stereotypical images of Middle Eastern men and women widely circulated in the mainstream media of the West.
The tradition of the representative art style in the Sinosphere, Shanshui hua, expresses the traditional representation of the harmony and principle of the universe. This tradition is reflected in the Chinese garden. These Chinese gardens were precisely the three-dimension representations of Shanshui hua, a visual form of abstract expression of the oriental philosophical thinking. This research determines and draws attention to the vestiges of the reflection of Shanshui hua in the European gardens through visual art and culture. It will also approach the two subjects, Shanshui hua and garden, from a transcultural view to integrally analyze visual art. The appearance of Anglo-Chinese gardens, reflecting Shanshui hua, foreshowed a big change in traditional European gardens. This is a concrete example of the transcultural phenomenon. This has formed the typical naturally curved English gardens in the gardening history. This also divided these English gardens completely from the symmetrical, geometrical French gardens. This study considers the influence and the reverberation of Shanshui hua reflected on European gardens in the European culture. The cultural exchange of European and Chinese styles in the 18th century left an impact on the European gardening style history. Finally, this study analyzes the origin of these Anglo-Chinese gardens and its content to approach it with a transcultural view as a research methodology.
Pliny the Elder said that multiple cultures agree that the painting began as a shadow trace. A daughter of Butades, the potter in Corinth, traced an outline around a man's shadow, and it was the very beginning of painting. In this anecdote, the profile, i. e. the portrait substitutes body of the absent lover. It makes the absent body present and replaces his place. In this context Hans Belting put the anthropological value to this visual practice. Human being made images to cope actively with the shock of death and the disappearing of body. With the aid of the representation of the bodily presence, the image struggles to resist the death. This paper is a study on the critical meaning of representation in the context of bodily survival by image. The representation is the paradoxical trick of consciousness, an ability to see something as 'there' and 'not there' at the same time. So the connection between image and the body would be suspicious. Although this relation was tight in the ancient shadow painting and the medieval effigies, the modern visual practice forsakes this connection and exposes the trick of representation. It insists that image was not real and even expels the medieval visual practice from the boundary of fine arts. The genealogy of the portraiture is formed by two different visual practices. The belief and the disbelief in the image are observed in the process of representation and anti-representation, and this ambivalence transforms the ontological meaning of portrait in the visual representation.
In his non-hierarchical approach to art making, Robert Irwin questions how art is made. In the process, he seems to come down on both sides of the Modernism versus Postmodernism debate. Insofar as he wants to advance the avant garde tenets of modern art, he can be thought of as a modernist. But insofar as he denies Modernism's claims for transcendental status, he can be thought of as a postmodernist. Irwin's light and space environments, in particular, are conditioned by their basic attachments to their surroundings. They reveal the commonplace, but largely overlooked, richness of visual perception. By encouraging his viewers to open their eyes, Irwin wants them to engage in an act of looking, one that manipulates the basic syntax of seeing. This paper discusses Irwin's contributions to the art of his time (basically the transitional period between Abstract Expressionism and Minimalism) using as an example a light and space environment he created as the backdrop for the "First National Symposium on Habitability." This work was later reprised in 1980 as an independent installation. These works are examined to show how Irwin's art displaces modernist notions of authoritative (and authoritarian) quality with postmodernist ideas of direct (and demotic) value.
The following thesis has been composed with the inspiration attained from Paul Ardenne's conception on Contextual Art. In Europe and in the United States, there is a group of artists who emphasize in the importance of artist's participation in social, political, economical, environmental and moral issues. Since the 1960's, these artists have pondered on Modernism's ideas where art is contextually separated from humanly issues whereas the manners of such artists put on emphasis in the intent to participate in the real human social and ethical issues. Forerunner in this field of art such as Wolfgang Leib display hybrid or meta style in their work. His work displays a quadrilateral form of pollen which represents the simultaneous blending of two mixed ideas such as the abstract from the real. Thus heterogeneous style and philosophy which includes a range of medias and today's trend is observed in Contextual Art. Such art form is also found in landscapes where it is not seen as an observable object but rather an interactive object. It is correlated to Arte Povera of the Italian Art Movement, Support-Surface of the French Art Movement and lastly to the Fluxus. Through these art movements, we find a mutual antipathy towards putting art for sales in the capitalism market and reflect the social role of art in postmodern era.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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