This study places a great emphasis on the approaches to the space environment we inhabit, which I hope will contribute to generating a number of creative possibilities. Looking into 'site-specificity' which is characteristic by public art in public space method based on Daniel Buren's works 'in situ', this study analyze the relationship between the public space and works of art as a perspective of public art. The characteristics of his 'in situ' works that intervened works exist as space consisting of serial factors not simply art-object, and they suggest 'site Is a work'. The case study of Daniel Buren's public art project represented the results, the site marketing and serves as a guideline for the future of true Art/Space experiments. This study verifies the need for the arts and the space to work together in order to develop more creative and conceptual approaches to innovation and presentation. This cooperation is the continuation of space design by other means.
Public environment including urban circumstances has taken on importance in that it could be nation's cultural powers latent these days. Also, today's study on the field of environment design so far has mainly focused on the fields of architecture and urban panning, while its consideration as the complex of various cultural factors is not enough yet. In addition, because study on the urban super graphic which greatly servos as communication between people and environment is not enough, super graphic has not arose enough public response in reality. The purpose of this thesis is to make super graphic revitalize as the meads of communication from the viewpoint of art, information arid aesthetics by looking into relationship between super graphic and contemporary art motivated in developing process. And This thesis is made studied relationship between super graphic and contemporary art divided into modernism art and post-modernism art.
What is Art on the street? Is it a series of artworks or activities performed on the street? In other words, does "art on the street" refer to "Street Art" such as street performance, happening, graffiti, or wall-painting, or does it refer to "Street Furniture" which is related to "City Design" or "Environmental Design"? In a formal sense, they all belong to Art on the street. However, in this paper, I would like to use Art on the street in an even broader sense. To me, " the street" is a metaphor of "environment." Thus Art on the street is the art related to environment; it is an environment art. Art on the street attests the expansion of the concept of art and shows a new possibility of contemporary art. It is a promising new concept of art, but we cannot ignore the misapplication of the concept that we can find at the crossroad of Art on the street and "city beautification." Of course, Art on the street can and sometimes needs to beautify the city. However we still need to ask how to contribute to the city beautification with Art on the street and how to validate such a practice. City space is, most of all, a space that people live in. It sounds a cliche, but it is worth repeating to better understand Art on the street. When we consider the city space in terms of its system or organization, we often overlook that it is the space in which people live, and which people create. Art on the street concerns not the city itself, but the space in which people live and make relations for each other. Without taking this into account, Art on the street becomes a mere means to' embellish' the city and falls prey to the logic of capital. In this paper, I critically reviewed the problems such as City Development, Spectacularization, City Environmental Design, Public Interest and City Museum. I intended to emphasize that Art on the street is produced in the cultural space of city, but it also tends to break the mold of the cultural space and seeks a new possibility. Some might argue that my claims are unrealistic because Art on the street is not an idea but a practice. While humbly accepting the objection, I hope my critical suggestions guide a more productive direction to continue our discussions of Art on the street.
Journal of Korea Entertainment Industry Association
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v.14
no.3
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pp.201-210
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2020
The aim of this thesis is to investigate exhibition spaces which are being expanded and transformed concurrently with social phenomena that are also the result of rapid changes, all of which are reflective of a modern society in transition. Such investigation would also include an analysis of changes in the viewing public and artworks themselves, and also an assessment of the public nature of art and its effective aspects. Expansion of exhibition spaces and the increasing connection between art and the public have very important ramifications, in many respects. They present opportunities for the viewing public to immerse themselves in artistic spaces, with some reaching further into other activities - activities that they often share with other individuals. This also leads them to expand their range of activities, turning them into more mobile, proactive audiences. In connection, many corporations have turned their attention to this public aspect of art, which has resulted in a display of art in different types of spaces. The government also began to adopt 'public art' as a matter of policy, using it as a medium of communication between the state and its populace. The public aspect of art, being highlighted as a result of expansion and diversification of exhibition spaces, will have a significant impact not only on the viewing public, but also on the art market. This represents a momentous change for creators of art, which naturally warrants close scrutiny and research.
The mobile phone and wireless network, location based technology and other newly introduced technologies and communication media gave birth to the new terminology "ubiquitous" and are changing our daily life. Influence of such technologies and communication media is not an exception in the arts. New media art pieces using these technologies are increasing, and taking on the characteristics of public art within a wider scope of a city as a backdrop, beyond the traditional boundaries of art galleries. Of such art, locative media art using locative media has a closer relationship with city space than any other form of an, and makes various attempts to allow the spectator to reinterpret and experience city space and induce communication. These characteristics of locative media art can be considered as a method that can solve quality problems of the city space, especially the loss of the sense of place and the absence of communication. is one such locative media project with a purpose of solving quality problems of city space, especially the recovery of commercial sites and inducing communication. This project uses the paths of the city as its canvas, movement of people as its brush, the color of the roads as its pallet, and by allowing the partakers to draw paths of their own and to share their paths with others. People are encouraged to share stories about their paths. The project proceeds using barcodes that are frequently used commercially. When users wish to create their own place, they can enter their place and colors of their choice using input devices installed in the city space. Paths that are created through such a process will be displayed in public areas throughout the city, shared with others, and can create and share a stories about the city using on/off-line media.
Today, in Korean modern fine arts, 'cartoon images' are utilized for their roles of the 'personas' of the artists, and as the 'texts' for the artistic discourses, while they play a role as a bridgehead between the public and art. In this study, we made a study, focusing on 'Atomouse' of Lee Dong-gi, in order to examine how the borrowing of the 'cartoon images' was made in the Korean modern fine arts, and what its period context is. 'Atomouse' of Lee Dong-gi is the first cartoon character that appeared in Korean modern fine arts, and it has acquired a symbolism of a subculture being acknowledged as art. In this study, we tried to find out what period contexts the changes of 'Atomouse' have, focusing on the private exhibitions of Lee Dong-gi, such as 'Smoking' Exhibition (2006), 'Bubble' Exhibition (2008), 'Double Vision' Exhibition (2008), 'The Garden of Uncertainty' Exhibition (2012) and 'Do Not Look Back with Angry Face' Exhibition (2013). Atomouse was born in the era of 'lack of pop' a change was attempted of it in the era of 'excess of pop' and its proceeding ended along with the 'settlement of the neo-pop'. From Atomouse started from the unconsciousness of the artist, we can find the 'identity' of the Republic of Korea, which was being influenced by the 'American and Japanese' culture, as well as the symbolism of a subculture being acknowledged as art, while it emerged as an icon to represent the Korean pop art of the time. Then, as the agony and self-examination of the artist was contained in it, its use was changed into the role as a persona and it was utilized as a tool to connect the and figurative worlds. In the end, the artist put an end to the proceeding of the 'Atomouse' at the boundaries of a persona and an alter ego, removing the creation with his own hands. In the process in which Lee Dong-gi created and changed 'Atomouse', the start-up and growth of the pop art are included in the history of the Korean modern fine arts, apart from a study of an artist. 'Atomouse' was not only painted on the walls of the subway stations in the form of public art, but it tried to closely communicate with the public through the collaboration with diverse media. It made the best use of the 'marketability' which a 'cartoon character' had at first, so that pure art was made a step closer to the public. So 'Atomouse' of Lee Dong-gi not only raised a subculture into the realm of high art, but lowered the door sill to high art. Through the study we could confirm what position 'Atomouse' of Lee Dong-gi, which started absurdly between parody and Hommage, takes in Korean modern art of today.
Proceedings of the Korean Society for Emotion and Sensibility Conference
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2009.05a
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pp.47-50
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2009
본 연구는 예술심리치료 및 심상유도의 접근을 통해 영상치료로서의 시각적, 청각적 표현 범위와 치료요소를 찾는데 목적을 두고 있다. 현재 인간의 사회 활동 중에 생기는 정신적 육체적 스트레스를 예방 및 해소하기 위해 이루어지는 치료 활동 중 영상을 이용한 심리치료의 노력이 다방면으로 행해지고 있다. 치료의 형태는 주로 예술심리치료에 속하는 이미지와 기능음악, 클래식 등을 결합한 영상과 음향의 복합적 활용 방식이 주를 이루고 있다. 그러나 이는 치료적 요소에 초점을 두고 체계적인 제작이 되지 앉아 심리치료의 한계를 드러내고 있다. 따라서 본 연구에서는 먼저 기존의 병원, 테라피 공간 및 공공장소에서 일반인을 대상으로 행해지고 있는 영상심리치료의 현황을 파악하고, 행해지는 치료 형태 분류를 통해 색채.미술심리치료에서 사용되어지는 이미지 활용과 음악치료 기법 중 GIM(Guided Imagery and music: 음악과 심상유도) 활용을 중심으로 일반인을 대상으로 하여 실험연구를 진행하였다. 실험 대상물은 영상이미지와 음향의 두 가지 자극이 복합되어 혹은 단일의 자극으로 주어지는 경우를 구분하여 정서적 반응을 조사하고, 전반적인 치료영상에 대한 선호도 조사를 통해 긍정적 정서를 불러일으키는 이미지 및 음향 요소를 도출한다. 이는 향후 영상심리치료의 체계적인 가이드라인 제작과 평가 척도 개발을 위한 기초 자료로 활용할 수 있다.
The purpose of this study is to investigate the state projects related to psychological sentiment for child and youth in Korea, examine the current status of art treatment-related projects for child and youth, and seek ways to improve them, focusing on projects supported by the Ministry of Health and Welfare, the Ministry of Gender Equality and Family, and the Ministry of Culture, Sports and Tourism. The results examined through this study were firstly, mental health promotion projects conducted in the public sector in Korea are mainly carried out on consignment to affiliated organizations, and are promoted not only for diagnosis, mediation, and therapeutic intervention but also for care and prevention. Second, psychological and emotional support projects are being attempted with various approaches such as reading, playing, gardening, and art, and art therapy is actively used as a part of art programs. In addition, it is suggested that the government should provide efficient welfare and utilize it as a common goal through linkage and cooperation with other ministries for the continuous and stable implementation of state-led psychological support projects. In addition, it is hoped that this research will be used as a research material to explore specific strategies for effectiveness of national policy projects on the overall psychological sentiment of child and youth.
This study investigates the examples of artistic intervention especially on the surface of architecture as a meeting place of art and architecture. Artistic intervention demonstrates the possibilities for the meaningful integration of arts into architectural spaces. This study summarizes the characteristics of artistic intervention on the surfaces of architectures as follow; first, the artistic intervention is applied to the broad ranges of designs including public art, architectural design and sign design that establish identities and unique characters to the spaces. Second, the artistic intervention on the surfaces is conducted by the participation of the various fields of artists, i.e. painters, installation artists, graphic designers and landscape designers. The artistic intervention is also conducted by individual collaboration between artists and architects as well as by the forms of public art of art-in-architecture program. Third, the artistic intervention on the surfaces is expressed using the complex combination of images, colors, patterns, and texts. They are applied to enhance the aesthetic and symbolic characters of buildings in public arts, to improve the visual characters of architectural design with graphics, colors, and patterns, as well as to increase communication skills and cognitive effects of sign design with letters and colors on walls and floor surfaces. Fourth, the artistic intervention is also applied on the surfaces to encourage people to communicate historic and symbolic meanings related to the locations and functions. Thus, graphics on the architectural surfaces could provide a public space, with which people could share common feeling on public arts. As a conclusion, the study finds that artistic intervention either as artworks or as elements of architectural design can not only enhance the aesthetic quality of architectural space but also expand the techniques of design representation. In addition, the artistic intervention can contribute to create a new realm of design where artists and architects work together to enrich our surroundings.
Journal of the Korean Society for Library and Information Science
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v.54
no.2
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pp.79-104
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2020
This is a study to establish the feasibility in terms of the use of the J library, which will be built in Jurye-dong, Sasang-gu, Busan. Accordingly, this study conducted a community analysis and user survey to confirm the necessity of building a library and suggested directions for services that the library should provide in the future. To this end, a community analysis was conducted primarily on Sasang-gu, such as population distribution status, cultural institution status, and Sasang-gu vision. Afterwards, visitors to Sasang Library, Small Library, and Community Center were surveyed on the status of use of existing public libraries and the awareness of J Library to be built in the future. As a result of the survey, the necessity and intention to use J Library were found to be high, and the expectation for prompt provision of sufficient printed materials such as books and magazines was the highest. In the case of the desired space, the demand for 'open space' and 'small meeting space(family room)' was high, In the case of specialized services, there was a high demand for humanities, arts & music, movies, etc., but it was shown that they showed a general interest in various fields.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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