본고의 목적은 퇴계의 청량산시에 나타난 유산(遊山)체험의 시화(詩化)양상 및 그것의 의미를 밝히는 것이다. 이를 위해 그 양상을 소재적 측면, 대상 제시의 방법, 대상 인식 및 지향으로 나누어 살핀다. 퇴계가 자신의 청량산 체험을 시화한 작품은 약 50여 수이다. 이들은 55세(1555년)와 64세(1564년)에 각각 지어진 것으로, 창작 시기에 따라 차별성을 띠고 있어 주목할 만하다. 먼저 소재적 측면을 살피면, 1차 체험에서는 청량산 자체보다는 청량산에서의 행위를 시적 소재로 주목하고 있다. 이때 청량산은 자신이 머무는 탈속의 공간으로서 중요한 의미를 지닐 뿐이다. 반면 2차 체험에서는 청량산 자체가 시적 대상으로 주목을 받고 있으며 관련 경물 하나하나가 시적 소재로 다루어진다. 이러한 차이는 시적 공간의 제시방식과 연계된다. 1차 청량산 체험을 다룬 시에서 시적 공간인 청량산은 추상적이고 통합적이다. 여기서 청량산의 특성은 부각되지 않으며 차갑고 험준한 이미지로 부각된다. 2차 청량산 체험을 다룬 시에서 시적 공간은 구체적이다. 청량산의 각각 경관이 분절되어 독립적인 공간으로 제시된다. 이러한 시적 소재와 공간 제시는 청량산에 대한 인식과 지향으로 이어진다. 1차 체험을 다룬 시에서 청량산은 속세와 떨어진 고독의 공간으로 인식되어 충실한 자기성찰을 지향한다. 반면 2차 체험에서 청량산은 다른 이들을 떠올리고 함께 공유하는 대상으로 인식된다. 이를 통해 시적화자는 유산체험의 충족감을 느끼고 타인과의 소통을 지향한다. 이상의 시화양상은 퇴계의 시적 특성과 지향을 텍스트를 통해 세밀히 고찰하였다는 의의가 있다.
This research understands semantics-system in contemporary space design as a poetic form. It provides that the possibility of various interpretation of space and makes to escape from insipid formal logic of compulsion uniform meaning. In order to unfold this argument, poetic semantics system has to be revealed using conversion of articulation factors in text of space(semantics and syntax). First of all, after setting up the articulation system of space language, we have to understand the conversion of articulation factors that generate a new grammar breaking up the rule of old syntax. And the various expression of form in Contemporary Space design focuses on a poetic expression, that is, the abstraction system fused by space factors(conversion of articulation system). In this method of research to recognize the subject of space in architecture, the importance of interpretation has to be highlighted, as the importance of language is emphasized that intermediates between object and interpretation. The reason to recognize Contemporary space design as a text is that it is a gathering of symbol as a object of interpretation and a mediator. The important issue of this study is to research how and what to transmit by poetic semantics system in contemporary space design. It brings about a poetic problem what it intends to becomes(the problem of meaning operation) in a narrow sense and a interpretational problem what it intends to do(the problem of communication). When we define interpretation the technique of defining a text, it involves the premise of inevitableness of multiple understanding, or the possibility to Interpret variously. In the end the ambiguity of poetic language and the infinity of moaning process as the moaning expansion system in contemporary space design is the flexible measure to solve the self-criticism.
International journal of advanced smart convergence
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제7권4호
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pp.154-160
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2018
Sometimes, literature therapy is done by literature question. Participants naturally get the effect of literature therapy depending on when and what questions we ask. This study aims to lead the discussion of Gosijo's literature physiology ignited by the question. Gosijo, the subject of the study, described the depressed present state of the poetic narrator in the first and second line. By the way, poetic narrator asked a question in the first phrase of the last line and led the action potential. And in the second phrase of the last line, the poetic narrator called the code of sadness and the sadness code came. We have plotted this as Emotion Codon. The result of Emotion Codon at this time was that the narrative of Gosijo ignites the literature therapy mechanism through sadness.
This paper attempts to read "The Nightingale" as an experimental proponent of Lyrical Ballads of 1798, one that inaugurated British Romanticism. It is never accidental for this poem to come to replace "Lewti" at the last moment of publication and to be tied to the poetic principles manifested in the "Advertisement" of the 1798 volume. The speaker of this poem, for example, is an ordinary man, who presents himself as a friend and a loving father. Opting for conversational styles rather than blindly copying literary conceits, he even incorporates an evening episode he happens to recall into a legitimate subject matter. The notion of "conversation," which appears in the subtitle, offers a key to figuring out the ideal of poetic language, the figure of the poet, and compositional procedures Coleridge and Wordsworth proposed in their collaborative project. "The Nightingale" can be a dubious, if not totally failed, poetical journey to subverting an incidence of misnaming acts. He finally reaches the limits of poetic figuration in a process of textualizing nature. The leitmotif of "In nature there is nothing melancholy" testifies to the fact that the bird nightingale, which the narrator is hard at work to rename as a joyous bird, is nothing but a poetic metaphor. "The Nightingale" is more likely to be a revisional, regenerative performance based on the strategy of conversation than an embodiment of a daring novelty.
William Carlos Williams discovers important sources of inspiration in the revolutionary avant-garde movements, in particular, Dada and Surrealism and attempted to embody the innovations in them in his poetic theory and practice. Williams's passion to create an indigenous American poetic work is compatible with his Dadaist experimentation with objets trouvés. Williams pays deep attention to objets trouvés, physical objects and marginalized people he comes across and transcribes his observations with poetic words freed from their instrumental contexts. In his characteristic poems written in the 1920s and 1930s, Williams records the social ruination and his task to give voice to the conflictual and fragmentary character of modernity is pursued through the Surrealist formulation of montage. In the Surrealist formulation of montage, the dialectical image is a central trope for reading the myth of modernity; it is positioned as both subject and object in the historiographic narratives of Walter Benjamin and Williams. As Benjamin tries to obliterate all traces of the author in the Arcades Project, Williams's montage poems like Spring and All only disperse argument into materialistic, dialectical images. The dialectical image in Williams's poetics becomes an organon of historical awakening so that truth can emerge from an unmediated juxtaposition of "things."
Robert Lowell is one of the major poets in the modern American poetic world. His major work, Life Studies, is a representative of confessional poetry. It presented American spiritual civilization and universality for life from the late 1950s to 1960s. It dealt with the subject of the poet's private life under the psychological pressure. Lowell described his distinctive vision of the relationship of painful world and suffering self in his poetry. An important feature of his confessional poems was the criticism on modern civilization by means of characterization. Life Studies was written as a kind of therapy to overcome his early trauma, as well as the social problems of contemporary Americans which Lowell was confronted with. Through his personal experiences, Lowell exposed and judged the collapse of traditional value and moral confusion in the society. Therefore, he is a poet who opened his own world of poetry with his poetic achievements.
Scholars have considered Chaucer's House of Fame mostly as an ars poetica, in which the poet explores new poetic principles and subject matters, while making few attempts to understand the poem in its historical and social contexts. Investigating the nature of the "tidings" that Chaucer suggests as the new source of his poetic inspiration, this paper argues that the house of Rumor was modeled after late fourteenth century English society that experienced increased appetite for news. The political upheaval during the period from the English Rising in 1381 to the reign of Henry IV in the early fifteenth century produced an unprecedented amount of written and oral propaganda. The proliferation of seditious rumors as well as protests and promulgations during this period indicates how seriously medieval society was engaged with the circulation of news. Particularly, the case of John Shirle in 1381 and the legend about the survival of Richard II demonstrate the subversive power of medieval rumor that often served as a political discourse with which people expressed their oppositions to government. Conspicuous in the activities of both the government and late medieval political protestors was the extensive use of writing. The posting of bills in public places continued until the fifteenth century, when such activities became so common and dangerous that the government had to issue proclamations forbidding the circulation of such seditious writings. The number of extant royal proclamations, written protests, and pamphlets demonstrates that already in the late fourteenth and fifteenth centuries the notion of a discursive public space began to emerge. Whether written or orally transmitted, news and rumor circulated in late medieval England, creating a social space in which people shared their political opinions before the introduction of the early modern print culture. In The House of Fame Chaucer calls attention to the subversiveness of rumor, its potential as a public discourse, and the power of written communication in creating truth in order to appropriate these characteristics for his English poems.
Many contemporary architectural avant gardes tend to use painting as a medium to create architecture which goes beyond the rationalized spatial conception of modem architecture represented by perspectivism. They produce non perspective drawings to represent spatial Ideas, and expand it through poetic imagination to create an unexpected architectural form and space. This paper attempts to analyze the historical origin and background of dominance of drawing in the production of architecture. It was with the invention of perspective that architectural representation became important tool for architectural production. Thereafter, drawing was considered prior to actual building and architecture was considered a three dimensional realization of two dimensional drawing. Modernist avant gardes such as Cubism shattered the rationalized pictorial space of perspective and found a new pictorial space. They tried to extend it to three dimensional space through parallel projection largely based on the Hildebrand's theory of pure visibility. However, due to the ambiguity of the position of the viewing subject, their attempts could not succeed in creating a new architecture. The new architectural avant garde of the 70's rediscovered the early 20th century avant gardes in their attempt to create a new architecture which can register the fragmented spatial condition of contemporary society, and used painting as a medium to create architecture. Their difference from the early avant gardes was that they used poetic imagination rather than parallel projection in the process of projecting three dimensional space and form from the painting. However, their architecture cannot escape the scopic field of perspectivism in that they rely on the picture plane and the distance between object and viewing subject. Therefore, I conclude that in order to create architecture which goes beyond the rationalized space of modern architecture, it is necessary to resort to other tradition of modern architecture than visual one.
This essay reconsiders the subject of Romantic self-consciousness in a post-de Manian perspective. Self-consciousness is an attribute of Romantic lyricism whereby the poetic speaker I remains conscious of how (s)he feels or lives here and now. This self-reflective feature of Romantic poetry has been controversially interpreted either as self-centered solipsism or as self-expressive objectivism. The question is stirring more disputes among Romantic critics after the advent of New Historicism and Feminism. These two historicistic approaches reprove Romantic poetry for a lack of the sense of history and ascribes it to Romantic self-consciousness. They argue that Romantic poets in general displace historical materiality into an object of internal consciousness, so negating absurd social realities "merely to gain their own immortal soul." This essay targets to overcome this negative stance on Romantic self-consciousness with a "subversive" return to Paul de Man's criticism of Romantic internality.
본 연구는 사설시조에 나타난 '아이'의 양상과 그 시가사적 함의를 갈래사적 전통 속에서 한번 살펴본 것이다. 그간 시조 문학 연구에서 '아이'는 대체로 부수적인 존재, 관습적인 청자로서만 이해되어 왔지만 담론의 측면에서 보면, 서정의 맛과 멋을 한껏 드러내던 작품 세계(자아지향)를, 타자를 전제로 한 대화적 구조로 탈바꿈시키는 기능을 하기에 그 의미망이 결코 가볍지 않다. 먼저 사설시조에는 크게 침묵하는 아이와 발화하는 아이의 두 가지 형태가 발견된다. 전자는 호명된 존재, 관습적이면서 말 없는 수동적인 존재, 타자화 대상화 된 존재라면, 후자는 발화하는 적극적 주체, 근대성의 표지를 담보하는 주체의 모습을 보여준다. 이러한 차이는 발화 형태의 차이를 넘어서 미학적 질서의 차이를 노정하기도 한다. 즉 전자의 '아이'는 시적 화자의 내면적 요청에 의해 관념적으로 생산된 것인 만큼 주로 시적 화자의 서정성을 극대화하는 장치로서 활용될 뿐만 아니라 독자-텍스트 간의 동일화 담론의 미학적 질서를 형성한다면, 후자의 '아이'는 이질적인 발화들이 만들어내는 공명으로 인해 텍스트에 역동성을 부여함은 물론 독자-텍스트 간의 거리화 담론의 미학적 질서를 형성한다. 사설시조의 아이가 보여주는 이러한 면면들은 전대 시가에서 이미 그 편린들이 발견된다. 향가의 경우, 타자의 결핍을 해소하기 위해 요청된 존재로서 발화하지만 대상화된 존재로서의 '아이'가, 고려 속요의 경우 시적 화자에 의해 침묵을 강요받지만 이를 자발적인 발설로 깨뜨려버리는 적극적인 '아이'가, 시조의 경우는 '아이'의 훈육 및 성장과 관련한 노래가 등장하기도 해서 특이점을 보여주긴 하지만 발화의 측면에서 대체로 시적 화자에 의해 대상화 된 '아이'가 우세하게 등장하는 점이 바로 그것이다. 사설시조를 포함해 전대 시가에서 발견되는 이러한 아이의 모습은 주로 중세가 부과한 아이의 모습과 연결된다면, 이전 시가에서와는 달리, 사설시조만이 보여주는 새로운 아이의 모습은 중세에서 근대로의 이행기, 시대적 징후의 단면들을 보여준다. 즉 작품 편수가 많지는 않지만, 사설시조에서 발견되는 적극적인 '아이'의 모습은 '개인'을 내세우면서 더 이상 중세가 부과한 '아이다움'의 테두리에 있지 않는 새로움을 보여준다. 사설시조의 '아이'가 보여주는 새로움은 순진무구한 존재로서 '아동(child, infant)'이라는 근대적 개념과는 거리가 있지만, 발화 속에서 제시되는 다성성, 웃음, 개인의 중시, 다중 시선 등의 측면에서 근대의 일면을 드러낸다는 점에서 주목된다.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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