• 한국컴퓨터정보학회논문지
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• 제25권11호
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• pp.41-50
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• 2020

감성분석 연구에서는 문장에 내포된 감성을 결정짓는 단어를 찾는 것으로부터 시작된다. 경영자는 소비자가 주로 사용하는 단어를 분석함으로써 시장의 반응을 이해할 수 있다. 본 연구에서는 감성분류의 성능에 영향을 미치는 단어를 찾기 위하여 입자군집최적화 탐색방법과 다목적진화 알고리즘이 적용된 속성선택 방법을 제안한다. 속성선택 방법은 기존 머신러닝 분류기를 벤치마킹함으로써 성능이 비교된다. 벤치마킹된 분류기는 의사결정나무, 나이브 베이지안 네트워크, 서포터 벡터 머신, 랜덤포레스트, 배깅, 랜덤 서브스페이스, 로테이션 포레스트이다. 연구결과에 따르면, 입자군집 최적화 알고리즘이 적용된 속성선택방법으로 선택된 속성을 사용한 경우에 속성의 수를 상당히 줄일 수 있었고, 분류기의 성능을 유지시킬 수 있었다. 특히, 정확도 결과에서는 입자군집 최적화 탐색방법으로 선택된 속성을 사용한 경우의 서포터 벡터 머신의 성능이 가장 높게 나타났다. AUC 결과에서는 랜덤 서브스페이스가 가장 높게 나타났다. 본 연구의 결과는 해당 탐색방법과 분류기를 적용함으로써 오피니언 마이닝 모델의 성능을 효율적으로 유지 및 개선시키도록 도움을 준다.

• 한국실내디자인학회논문집
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• 제22호
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• pp.92-101
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• 2000

This study aims to inquire into the expressive characters of Shiro Kuramata's works regarding his design languages. His design languages, based on sentimentality and aesthetics characteristic of the orient and his unique memories and experiences, can be defined as nongravitation, fioatation and transparency. And the definition can be completed by his unique extinguishing technique, eliminating the structure with materials without feature, such as glass and acrylic and expanded metal, steel mash and 'Star piece Terrazzo' a material which he has invented. This study examines Shiro Kuramata's design works from the late 1960's to 1991, the year of his death, the background of his growth and the art and people who have influenced him. It also looks into the indigenous cultural background and his unique memories and experiences. The study also considers his furniture works and interior design to read his languages properties of the materials and expressive techniques. The study presents data on Shiro Kuramata and puts forwards the significance of his works and tries to lead the way of the interior design by application techniques of materials.

• 영미문화
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• 제17권1호
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• pp.191-206
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• 2017

Langston Hughes (1902-67) and Richard Wright (1908-60) lived in almost the same era, but it is obvious that their ways of describing the people, who are manipulated by gender-based controlling images, are different. Both Wright and Hughes try to reveal how reality is disturbed by the black men's and white women's prevailing stereotypes; however, their works have very different tones. In Richard Wright's short story, "The Man Who Killed a Shadow," and Langston Hughes' poems in his early days, "Silhouette" and "The South," the stereotyped images of black masculinity and white womanhood are transformed and destroyed. While Hughes celebrates the black culture amicably, Wright depicts completely hopeless black men living in the world dominated by white supremacy. This difference is indicative of the shifting views from Harlem Renaissance to Post-Harlem Renaissance. While romantic tones can be still found in Hughes' poems, Wright subverts the power dynamics between the black man and the white woman, and completely ruins sentimentality which tends to be attached to the Southern stories in the $19^{th}$ century.

• 철학연구
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• 제123권
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• pp.87-110
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• 2012

본 논문은 그린버그, 카플란, 칼리니스쿠를 중심으로 반키치론을 비판적으로 검토한다. 이를 통해 반키치론이 이론적 실천적으로 정당화될 수 있는지를 탐구한다. 반키치론은 근대 미학에서 '예술' 개념의 내포적, 외연적 기준에 근거하여 키치를 비판한다. 이들은 키치가 사심 없는 즐거움의 대상이 아니라 쾌적함과 감상성을 추구하므로 나쁜 취미라고 간주한다. 그러나 반키치론의 기초 개념인 '사심 없는 즐거움'과 '미적 판단의 보편성과 필연성'은 문화중재자의 편향성을 가정한다. 또한 미적/반성적 예술과 쾌적하고/감상적인 키치 개념을 분류하는 기준은 모호하다. 반키치론자들은 개념 논증의 결함을 보완하기 위해 경제적, 정치적 논거를 추가한다. 이들은 키치의 미적 부절적성을 증명하기 위해 과시적 소비와 정치적 우민화를 키치 평가의 논거로 제시하지만, 변화하는 문화 환경 속에서 대중들의 요구가 반영된 다양한 양태의 키치를 공정하게 다루지 못한다. 결국 반키치론자들은 엘리트주의와 형식주의 미학만을 제한적으로 승인하면서 키치에 대한 폄하를 계속한다. 예술의 죽음 이후 포스트예술 시대의 변화된 문화적 실천은 키치에 대한 재평가와 더불어 대안적 대중 미학을 필요로 한다.

• 패션비즈니스
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• 제14권5호
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• pp.112-127
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• 2010

Primitivism is a concept that expresses and organizes natural feelings of human beings which is hard to be identified by a rigid definition. It means "staying in the beginning or the initial state, not evolving or developing, and not affected by human beings from the intact natural state". Based on this meaning, the artistic style features inherent natural beauties, as well as plain and inornate design. These features have been reflected in a variety of art pieces. The aesthetic features shown in the primitivism art pieces can be categorized into four different aspects: naturalness, folksiness, sentimentality, and humorousness. These features, influencing modern fashion, have been reinvented by a number of fashion designers. They also adopted ideas from the fancy clothes and ornaments created in carefree life style of the regions retaining their primitive cultures, such as Africa, Oceania, and Pacific coasts, and applied those ideas to various silhouette, colors, patterns, and textiles. Particularly as for textile expressions, they tried printing techniques using the patterns motivated from primitive folk symbols or the nature, applied objet of primitive materials and elaborated ornaments that represent folk and primitive feelings, and employed the primitive techniques such as knotting, crude cutting, or natural draping, to reinvent them as textile expressions in modern fashion.

• 인문언어
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• 제5권
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• pp.167-192
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• 2003

When Hart Crane′s poem cycle The Bridge was published in 1930, a group of influential reviewers accused Crane of immaturity, sentimentality, and lack of focus. They condemned crane′s wayward, fuzzy mysticism as backwards-looking and self-defeating. Even sympathetic critics, such as Harold Bloom, have consistently portrayed Crane′s poetry as the pyrotechnic final fizzle of late romanticism. These persistent, public reservations, however, have not prevented an impressive proliferation in secondary literature concerning Crane since the late 1960s. His promiscuity, alcoholism, erratic behavior, relative poverty, tragic death, and total commitment to art have since earned him the labels of New World Rimbaud and proto-Beat. His colorful career thus explains in part his retrospective fame. Nevertheless, living hard and dying young do not guarantee artistic immortality. This article poses questions as to why Crane has mattered so much to subsequent generations of U.S. readers and what these readers find so compelling in his poetry. The answer, I would argue, lies in Crane′s idiosyncratic use of language. Far from striving for transparency, he writes in an inimitably obstructive, artificial manner. There is something seductive and absurd in his wild use of words here, I would further argue, we discover the reason behind both Crane′s enduring appeal and his supposed inadequacy as a writer. Crane did "torture" syntax, semantics, and conventional associations, not because he saw his unusual language as an eccentric mannerism but because he saw it as a tool in the service of constructing a "myth of America" and reintegrating the human and divine. Understanding thy he considered this to be the case clarifies Crane′s achievement and illuminates why his work still seems so relevant today.

• 한국연극학
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• 제49호
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• pp.49-71
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• 2013

Melodrama emerged as a form of the moral in the early modern age. As an approach 'the moral' not only means that rewarding virtue and punishing vice, but also refer to a principle of spiritual life and a way of life. -Melodrama theatricalizes a new vision of human life and society through a new type of the virtuous protagonist and sentiment/-ality. -This allows melodrama to be a dominant cultural form in this modern age, beyond the borders of the theater, mass-media, and literature. Virtue and sentiment/-ality are the core elements of melodrama, which differentiate it from tragedy and comedy especially in the structure and effect of the drama. Actually virtue and sentiment/-ality have been a main target of criticism. Virtue has been regarded as a trite quality of the stereotypical protagonist, and sentiment/-ality as a banal emotion which paralyzes an audience's recognition of reality. -However, this thesis regards both virtue and sentiment/-ality as vehicles for showing and sharing the morals of the modern age. First, the virtues of the protagonist included the general and universal ones of the bourgeois -at that times, the bourgeois represented themselves as a human being- such as the responsibility and obedience of a father, a mother, a wife, a husband, a daughter and a son. They also included the professional ethics such as courage, honesty, and justice and so on. The fall or salvation of the protagonist is largely determined by his/her private individual virtue. Second, sentiment/ality is a theatrical device that makes the audience internalize the protagonist's virtue. The protagonist expresses his/her universal virtue sentimentally, and the audience also expresses their virtue by sympathizing with the protagonist's virtue sentimentally. However, the melodramatic protagonist as an individual, is not connected with society, but remains isolated. As a result, s/he has no influence on the society, where s/he can only ends her/his play alone with a happy-ending. S/he is happy alone, or at best happy with his/her own family. On the contrary to this, tragic protagonist usually fixes social disorder through his/her fall. In that sense, we can say that melodrama presents only the half of the human life.

• 한국콘텐츠학회논문지
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• 제16권8호
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• pp.640-650
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• 2016

이 연구는 1990년대부터 2000년대 초반에 두드러지게 활동한 만화가 이정애와 유시진의 작품에 나타난 '망상형' 인물의 연애서사를 분석한다. 이들 인물의 특징은 대상에 대한 과도한 집착, 현실 논리의 거부, 광기 그리고 극단적인 이기심으로 설명된다. 이들은 사랑과 연애가 자기계발의 담론 안에 포섭되고 극적인 파토스를 감정의 낭비로 치부하는 21세기 한국사회뿐 아니라 창작물 속에서도 자취를 감추고 있는 인물 유형이다. 그럼에도 불구하고 세계의 질서를 거부하고 상대에 대한 사랑 자체에만 집중하는 망상형 인물들이 제시하는 이기심과 파국에 주목할 필요가 있다. 대중문화가 자극하는 멜로드라마의 감상성을 배반하고 '사랑'이라는 개념 자체를 재고하게 만들기 때문이다. 이정애는 기독교의 메시아 모티프를 활용해 망상형 인물과 연애서사가 집단화된 강박으로 진행되는 것을 보여주었다. 한편 유시진은 기억을 망각한 망상형 인물이 히스테리적으로 환상에 반응하고 결국 파국을 선택하는 서사를 제시한다. 이 두 서사는 멜로드라마의 연애서사가 삭제한 개인 욕망의 원형을 제시한다는 의의를 갖는다.

• 유통과학연구
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• 제9권3호
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• pp.73-82
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• 2011

본 연구는 스토리텔링을 이용한 명품 브랜드의 미학적인 아트마케팅커뮤니케이션 사례를 통해 브랜드의 차별화된 마케팅 기법으로 아티스트와 아트를 통한 효과적인 아트마케팅을 제시하였다. 이러한 아트를 활용하는 데는 브랜드의 이미지를 품격 있고 미학적으로 보여주어 매출 증대뿐 아니라 고객의 충성도를 높이는데 그 이유가 있다. 브랜드가 가지고 있는 욕망의 주체는 스토리가 그 역할을 한다. 명품 브랜드 소비자는 브랜드 품질의 우수성, 최상의 서비스, 브랜드 고 품격 가치와 더불어 브랜드에 담긴 스토리를 소비하려고 하는 것이다. 그러한 스토리는 예술과 만나 특별함을 더 하고 브랜드 영역까지 확장하게 하는 아트마케팅 전략 중 아트마케팅커뮤니케이션을 하고 있다. 아트마케팅커뮤니케이션 도구로 아트콜라보레이션, 아트전시회, 이동식 건축물 프로젝트, 아트 광고, 플래그십 스토어, 인재 양성연구소가 활용되었으며 브랜드의 욕망 스토리를 기본으로 스토리텔링의 구성요소와 원칙을 기본으로 선정되었다. 브랜드의 이미지를 시각적으로 상징화하고 입체적으로 보여주어 소비자와 감성적으로 소통하였다. 본 연구의 결과는 스토리텔링을 통한 명품 브랜드의 아트마케팅커뮤니케이션 사례를 통해 브랜드와 예술가의 인지도 관계성에 따른 전략과 특징을 통해 브랜드의 이미지에 미치는 효과적인 아트마케팅 역할을 살펴보고자 하였다. 사례를 통한 결과에 따르면 명품 브랜드가 브랜드 정체성과 스토리에 맞는 아트마케팅커뮤니케이션 도구를 활용하여 효과적인 사례를 보여주었으며, 예술을 통한 아트 마케팅의 가능성을 다양한 각도로 보여주었다. 사례결과는 다음과 같다. 첫째, 소비자는 공감하는 스토리가 있는 브랜드를 선택하는 것으로 나타났다. 세계적으로 성공한 명품브랜드들은 이미 우리 사회가 갖고 있는 멋진 이야기에 대한 욕구를 간파하고 있으며 이들은 정보 이외에도 소비자를 즐겁게 해주는 능력을 발휘하고 있다. 앞으로의 시장은 제품이 담아내는 이야기가 바로 경쟁력이 될 것이다. 둘째, 스토리와 연계된 아트를 활용한 아트 마케팅커뮤니케이션은 브랜드 차별화를 시킨 것으로 나타났다. 가장 효과적인 아트마케팅커뮤니케이션으로 아트콜라보레이션, 아트 전시회, 이동식 건축물 프로젝트 등 다양한 도구로 활발하게 적용되고 있다. 셋째, 브랜드의 제품이 예술작품처럼 인식되어 충성도를 높였을 뿐 아니라 매출이 증대되고, 프리미엄 된 가격을 유지할 수 있는 것으로 나타났다. 브랜드의 전통성에 예술을 접목한 혁신과 창조성이 있는 새로운 제품을 통해 소비자에게 특별한 만족을 제공하고 제품이 한정판으로 제작되어 시리즈별로 수집하는 소비자가 아닌 컬렉터를 창출한다. 넷째, 본 연구의 결과요약과 시사점, 그리고 연구의 한계점과 향후 연구방향을 제시하였다. 명품브랜드에 적용된 사례를 참고하여 국내 브랜드 환경을 고려한 효과적인 아트마케팅 전략을 제시할 수 있으며 이미 진행되고 있는 국내 브랜드의 아트마케팅 전략의 사례와 효과를 연구해 볼 수 있을 것이라 기대된다.