• 영어영문학
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• 제64권2호
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• pp.273-298
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• 2018

This paper, postulating that Lowell's Imagism is not some "Amygism" that wobbles with "emotional slither," "mushy technique" and "general floppiness" as Pound once mocked, but another kind of poetic discourse that deserves the fullest re-consideration, goes back to the very scene where Pound left for Vorticism, condescendingly allowing Lowell and her supporters to use the name "Imagism" for three years. There, it tries to illuminate how Lowell, making the most of the opportunity given to her, picked up what Pound had left behind, grafted it on the soil of America, and finally fulfilled her literary passion to awaken the common reading public to the taste for poetry reading. For the purpose, it looks into her critical reviews in Tendencies in Modern American Poetry, and stresses her creative critical efforts to re-address Pound's principles of "Imagisme." In particular, given the limit of space, it focuses only on the second principle of her Imagism and examines the modernity of her concepts of "a cadence," "suggestion," and "the real poem beyond." Then it reads "Patterns" in the context of Japanese poetry and Noh drama and analyzes the poetic patterns that Lowell made through a creative adaptation of Japanese aesthetics for Imagist poetics. In doing so, this paper aims to provide reasonable evidences to evaluate the modernity of Lowell's Imagist ars poetica and to consider her a truly serious Imagist poet worthy of a place in the history of American poetic modernism.

• 비교문화연구
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• 제47권
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• pp.131-161
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• 2017

본고는 1939년 스페인 내전이 끝나고 프랑코 정권이 들어선 후 1944년에 발표된 소설 "나다"를 한국의 인문학계에 소개하며 이 작품의 다양한 의미를 역사, 사회, 문화적 맥락에 비추어 살펴보고자 한다. 무명의 젊은 여성 카르멘 라포렛이 이 소설을 문학상에 투고하여 당선되자 사회 전체에 "나다" 붐이 일었다. 작가의 젊음도 충격적이었지만, 무엇보다도 이전까지의 스페인 소설 전통과 단절했다고 평가받을 정도로 새로운 관점과 내용을 독창적인 문체로 표현했고, 그럼으로써 사회 발전과 함께 정체되어 있던 문학사의 흐름에 혁신을 일으켰기 때문이다. 이 소설이 70년 이상 지난 지금까지도 스페인 현대소설 안에서 가장 중요한 작품 가운데 하나로서 고전의 위상을 누릴 수 있는 이유는 그 의미의 다성성이다. 이 소설의 텍스트는 특유의 모호성을 통해 서로 상반되는 복수의 해석을 허락하고, 또한 시간과 함께 변해가는 문화적 맥락 속에서 계속 새로운 의미를 제공한다. 주인공의 성장을 그린 소설 혹은 반대로 주인공을 포함한 모든 인물들의 좌절에 대한 소설이기도 하며, 기괴한 개인들을 그린 고딕소설이면서 전후의 황폐화된 스페인을 묘사하는 사회비판소설이고, 가부장제의 이성애신화의 허구를 드러내면서 나아가 동성 간 연대 혹은 욕망을 부각시키기도 한다. 이렇듯 다양한 목소리와 관점을 제공하면서 새로운 시대의 가치들을 추가적으로 포섭해 가는 텍스트의 넓은 다성성이야말로 "나다"를 진정한 의미의 고전이 되게 하는 속성이다.

• 영어영문학
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• 제56권6호
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• pp.1067-1090
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• 2010

The epistolary novel, as developed and refined by Samuel Richardson (1689-1761), is concerned with distinctly private experience and the morality of individuals-Richardson's heroine writers. In contrast to nineteenth-century novels, which explore their subjects through the overview of a narrator with a singular moral outlook, the epistolary narrative allows Richardson to examine the various different ways in which individuals/heroines interpret, mold, and respond to their experiences in writing. In this paper, I argue that the authorial voice of Richardson does not control the narrative but rather is present in the prefaces, character sketches, notes and occasional interjections between letters. Although there is little doubt as to whether Richardson intended to make a particular moral point or attempted to control the effect of his novels on his readers, the heroines and their letters dominate the novels so that they put the authorial suggestions in a different light, reducing the author's to one voice among several. Thus, Pamela's letters are exemplary for the vigor and intelligence with which they appear to be written, rather than for the imposed morality of their ghost writer-Richardson. Although Clarissa is of a different social class from Pamela, both heroines are united in their oppression as victims of a patriarchal society. In Clarissa's letters, the heroine's situation and experience are seen through her own writing in dialogue with that of her confidante Anna Howe, and in contrast to the writing of her oppressors. Clarissa, then, becomes a struggle between different discourses in which their genesis and effect, and the societies and individuals from which they come are implicitly suggested in Richardson's text. While Richardson may or may not be guilty of taking the writing of women and using it for his own ends, his epistolary novels represent a deliberate and bold attempt to shape the novel in a way conducive to his heroines and to women writers.

• 한국콘텐츠학회논문지
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• 제18권10호
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• pp.631-643
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• 2018

본고는 김수현이라는 TV 드라마 작가 1명에 관해 최초로 시도되는 다각적이고 체계적인 연작 논문으로 직전 연구를 통해 김수현 대사의 개념적 특성으로 바흐찐 대화주의의 핵심 개념인 '다성성'을 제시한데 이어 그 구체적 방법 요소로 바흐찐의 카니발 창작이론인 '그로테스크 리얼리즘'과 '비공식적 광장언어'를 적용 분석한 연구이다. 본고는 3부작 특집극인 <어디로 가나>(SBS, 1992)를 연구대상으로 삼아 김수현 대사의 '그로테스크 리얼리즘'의 요소, 즉 전복과 파괴, 생성의 특성을 알아보았고, '비공식적 광장 언어'의 요소 즉 민중성과 즉물적 육체적 언어, 자기 해방의 발화로서의 특성을 확인하였다. 본고는 이처럼 김수현 대사 연구에 있어 통상 분리되어 적용 연구되는 바흐찐 '대화주의' 이론'과 '카니발 이론'을 통합적으로 전작에 이어 적용 연구함으로서 바흐찐 이론 적용의 문제를 극복하는 한편 김수현 작가론, 특히 대사론의 연구 밀도를 높이고자 하였다. 연구 결과 김수현 작가는 바흐찐의 대화주의 핵심 개념인 '다성성'을 대사 창작, 나아가 언어 인식의 근본 개념으로 삼고 있음을 확인한 데 이어 허위에 가득 찬 세계를 즉물적, 육체적 민중 주체의 비공식적 광장언어로 격하, 전복시키고 이에 그치지 않고 자기비판의 부정과 긍정, 해방, 생명을 획득하게 만드는 역할을 수행함으로서 대사의 양가성이란 차별성을 획득하였음을 확인하였다. 이는 드라마 대사의 역할론에서 벗어난 발화로서의 언어에 대한 작가의 치열한 인식이란 작가 정신의 결과로 평가된다. 하지만 이런 김수현 작가의 차별성과 작가정신이 한국 드라마 크게는 방송 콘텐츠 산업, 대중매체 창작에 어떤 영향을 미쳤는지는 구분, 평가할 필요가 있음을 후속 연구로 제시하였다.

• 만화애니메이션 연구
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• 통권35호
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• pp.155-180
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• 2014

2010년에 개봉하여 전 세계적으로 큰 성공을 거둔 3D애니메이션<토이스토리3>의 등장인물들은 영웅과 악당, 공주, 조력자처럼 누구나 이해하기 쉬운 단순하고 전형적인 역할로 분류될 수 있다. 그러나 각 캐릭터가 맡은 극중의 역할이 최종적으로 관객들에게 인지될 때까지의 과정은 매우 다채롭고 정교하게 구현되어 있어 관객들의 호기심을 효과적으로 지속시킨다. <토이스토리3>캐릭터들의 다양한 역할변화의 흐름은 '조명디자인의 시각적 리듬'을 통해 표현되는데 디지털 칼라스크립트 단계에서 그 같은 리듬을 가장 명확하게 확인해 볼 수 있다. 연구자는 주요캐릭터의 역할변화를 관객들이 어떻게 인지하는지 파악하기 위해 프롭의 민담캐릭터 분석이론을 바탕으로 작품 속의 캐릭터 역할변화를 분석해보고 캐릭터별로 유추, 의혹, 수행, 강화로 이어지는 핵심적 장면을 선별하였다. 각 캐릭터의 4개의 핵심장면이 보여주는 조명디자인의 시각적 차이를 그래프로 표현하고 분석한 결과 한명의 캐릭터가 가지는 변화는 순차적으로 리드미컬한 시각적 대조를 이루고 있었고 추가로 각각 독립된 캐릭터들의 리듬도 마치 다성 음악의 성부처럼 서로 시각적 대조와 조화를 이룬다는 것도 알게 되었다. 연구자는 이를 '캐릭터변화의 시각적 대위법'이라 칭하고 장편애니메이션<토이스토리3>속의 캐릭터연출에는 2중의 시각적 대위법이 숨겨져 있다는 결론을 도출한다. 더불어 이 같은 구성적 미학을 적극적으로 활용한 장편애니메이션 제작을 제안한다.

• 인문언어
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• 제1권1호
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• pp.275-294
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• 2001

This article aims to define the nature of proverbs from a polyphonic point of view and examine different readings of the complement involved in the combination of a proverb with a verb of personal opinion. An utterer of a proverb is not himself the author of the proverb. He may well be a 'speaker' of a proverb, but from a polyphonic view point he is not an 'enunciator' of the principle that underlies it. When we say that a speaker of a proverb is not its enunciator, we do not simply mean that he is not the author of the 'content' of the proverb he speaks: we mean that he is not the author of its 'form' either. The fact that a proverb loses its proverbial character when one paraphrases it proves that its form is not at the speaker's disposal. But a single factor cannot be held responsible for what a proverb is. As an indicator of the 'wisdom of the nation,' or vox populi, a proverb is the achievement of the 'collective enunciator.' The polyphony inherent in the proverb pits a particular speaker against a collective enunciator. This collective character of the proverb as a vox populi comes from its character as a phrasal denomination. Given that a proverb reflects a collective judgment and not a personal opinion, how do we interpret the combination of a proverb with a verb of personal opinion such as I think that ...\ulcorner Such a combination gives rise to readings at distinct levels: two types of metalinguistic reading and a reading based on the content of the proverb. The first level of reading, being applicative in nature, can be local or general, depending on the speaker's opinion as to the applicability of the proverb to a situation, particular or general. These applicative readings always involve polyphonic dissociation between the speaker and the enunciator. The second level of reading, which depends on the content of the proverb, is the result of the operation of deproverbialization, which makes the proverb lose its denominative status to preserve only its status as a generic phrase. The proverb, thus deproverbialized, looks like the series 'NP + VP.' For this reading, the speaker of the proverb takes into consideration the possibility of attributing a predicate to a nominal syntagm. Here occurs an identity between the speaker and the enunciator. It is not the case, however, that one can deproverbialize just any proverbs. In approaching to a locally typifying generic phrase, a proverb admits of being deproverbialized by an opinion verb only when its form does not render it difficult, either syntactically or metaphorically, to incorporate that proverb into the relevant combination, and when the proverb intrinsically possesses the traits that meet the conditions for the use of the opinion verb at hand. One can also maintain, based on the notion of deproverbialization, that a proverb expresses a collective judgment, a deproverbialized individual judgment.

• 이베로아메리카
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• 제21권2호
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• pp.25-52
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• 2019

에스페르펜토는 바예 인클란의 문학에서 가장 독창적인 미학체계로 현실을 오목거울에 반영된 모습으로 그리는 기법이다. 그런데 바예 인클란의 독창적인 미학 체계인 에스페르펜토의 서술전략은 많은 지점에서 마하일 바흐친의 카니발리즘과 맞닿아 있다. 『보헤미아의 빛』에서 사용된 에스페르펜토의 여러 기법들이 바흐친의 카니발리즘적인 기법으로 설명될 수 있기 때문이다. 이에 본 논문은 바예 인클란의 『보헤미아의 빛』에 나오는 에스페르펜토적인 기법을 바흐친의 카니발리즘의 차원에서 되짚어보는 것을 목표로 한다. 바예 인클란의 첫 번째 에스페르펜토 극작품인 『보헤미아의 빛』은 다성성, 진지함의 전복성, 패러디, 그로테스크적 리얼리즘, 광장, 양가성, 변칙적인 시공간의 구조 등의 층위에서 지배계층의 권력이나 권위의 탈중심적인 전복을 추구하고 있다는 점에서 미하일 바흐친의 카니발적인 요소를 많이 함유하고 있다. 에스페란토와 카니발주의는 당시 스페인 사회에 대한 비판과 풍자를 넘어 사회 현실을 해석하는 도구이다. 등장인물들은 고전 영웅들처럼 자신의 운명을 적극적으로 개척하기 보다는 인간의 운명을 결정하는 모든 외부적인 요인에 수동적으로 행동한다. 현대인은 현대 문명의 외적인 환경에 대항하거나 그것을 통제하지 못한다. 그래서 비극적이다. 이런 상황에서 현실에 도전하는 비극의 영웅은 사라지고, 이 작품의 주인공인 막스 에스트레야와 같은 꼭두각시가 그 자리를 대체한다. 이것이 바예 인클란이 『보헤미아의 빛』에서 시도한 카니발적 유머의 진정한 의미이자 풍자이다.

• 대순사상논총
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• 제33집
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• pp.179-218
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• 2019

이 글은 신종교운동을 비도덕적이고 반사회적인 소종파(cult)로 비판하면서 선정적이고 자극적인 방식으로 영상화하여 소비하는 신종교영화의 문제점을 지적하고, 신종교운동을 기성종교에서 벗어나려는 소극적 주변종교와 기성종교를 대체하려는 적극적 대안종교의 관점에서 신종교영화를 분석할 수 있는 유형론을 제시하였다. 특히 신종교현상의 반사회적 일탈을 강조하면서 세뇌와 탈세뇌의 관점에 치우친 사회비평형 신종교영화와는 달리, 최근 새롭게 떠오르고 있는 신종교영화의 새로운 유형으로 공감성찰형 신종교영화와 신앙참여형 신종교 영화의 특성에 대한 분석을 전개하였다. <오쇼 라즈니쉬의 문제적 유토피아>(2018)를 비롯한 공감성찰형 신종교영화들이 규범적인 단일 프레임을 넘어서서 다면적인 구성과 다성적인 목소리를 갖춘 열린 프레임을 통해 내부자의 자기성찰과 외부자의 타자공감이 가능하도록 한 반면, <화평의 길>(1984)을 비롯한 신앙참여형 신종교영화들은 후천개벽이나 해원상생 등의 대안종교적 비전을 통해 기성종교에서 소외되거나 배제되었던 주변인들의 원한을 풀고 말할 수 없었던 하위주체들의 목소리를 회복시키는 새로운 영상적 방식을 선보였다.

• 대중서사연구
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• 제27권2호
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• pp.215-262
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• 2021

본고는 김려령 작가의 소설 『완득이』와 『우아한 거짓말』, 이한 감독의 영화 <완득이>와 <우아한 거짓말>을 대상으로 매체 전환 스토리텔링의 변형 과정을 분석하여, 포스트IMF시대 가족해체 및 '개인화'를 둘러싸고 상이한 서사적 대응이 공존하는 트랜스미디어 스토리텔링의 문화 정치적 함의를 고찰하였다. 먼저 트랜스미디어 스토리텔링 개념에 대한 기존 연구를 비판적으로 검토하고, 원작에서 출발한 매체 전환 스토리텔링을 구명(究明)하기 위해 마리-로르 라이언의 서사학적 관점인 '트랜스픽셔낼러티(transfictionality)'를 참조하였다. 소설 『완득이』와 『우아한 거짓말』은 가족해체라는 실존적 조건을 받아들이는 '개인화'의 두 가지 양상을 드러낸다. 소설 『완득이』는 '자기 발견'을 통해 가부장 중심의 가족로망스를 벗어나 친밀한 개인들의 동행과 같은 느슨한 가족 유대를 보여주었다. 소설 『우아한 거짓말』은 철저히 고립된 자신을 발견하는 청소년의 이야기를 통해 '고통의 개인화'를 보여주는 동시에 남겨진 자들의 애도가 불가능함을 서늘하게 그려냈다. 한편, 영화로 전환된 <완득이>와 <우아한 거짓말>은 가족 해체에 직면한 가족 구성원들이 이에 맞서 가족을 재발견하고 복원하는 서사를 보여 주었다. 영화 <완득이>는 다문화 정체성을 통해 가족공동체의 확장을 도모하였고, 영화 <우아한 거짓말>은 남겨진 가족들이 슬픔 속에서도 '자살생존자'로 살아남아 자신들의 애도를 완성하였다. 위 소설의 스토리월드는 청소년 개인의 '자기 발견'에, 영화로 전환된 스토리월드는 '가족을 재발견'하는 데에 무게중심을 두고 있다. 스토리텔링의 변형, 특히 서사구조의 재구성('수정 modification')을 통한 트랜스미디어 스토리텔링은 매체 전환 텍스트들 간의 관계를 '충실한 재현'에서 멀어지게 하는 것은 물론 상반된 주제와 세계관을 보여 주고 있다. 즉 '인물의 등장'이라는 기준점을 제공하되, 원작에서 출발하여 매체를 전이하면서 스토리텔링을 변형시킴으로써 원작으로부터 자유로워지려는 트랜스미디어 스토리텔링은 이질적인 목소리들을 생성하여 다성적 스토리월드로 개방하였다. 가족해체와 개인화를 둘러싸고 불확실성이 증폭하는 포스트IMF시대에, 이와 같은 트랜스미디어 스토리텔링에 의해 생성된 다성적(多聲的) 스토리월드는 개인의 자유/위험과 공동체에의 안주라는 이질적인 욕망을 경험하도록 이끈다. 이는 '횡단, 초월, 변형'을 근간으로 하는 트랜스미디어 스토리텔링의 문화정치적 함의라할 수 있을 것이다.