This study is on the works of Hussein Chalayan that is an expression of his idea and abstract concepts such as culture, history, time, space, nature, and humanity. The perspective of E. H. Gombrich is studied to understand the works of Chalayan who is the one of representative fashion designers in the present age. The 'schema and correction' process of E. H. Gombrich provides a suitable interpretation frame that considers the variety of works of art and the deconstruction of genre in the after 20th century. Hussein Chalayan attempts to combine clothes with other territories to show the spirit as materiality. He expresses the clothes that speaks the form of nature, symbolizes the combination of culture, visualizes time and space, and investigates the existence of human beings. Hussein Chalayan poses an endless question about the existence of human beings. He has put a question about the relationship of the human being and time, space, history, and nature. His trial to visualize the metaphysical conception of 'ego' and 'self' through his works makes him the representative designer of the 21st century.
There has been current trend running through each generation. All the leading areas in the fashion, art, architect industries etc. are absorbing the needs of the mass users and getting popular and high attentions from the society. One of recent trends are the interior design utilizing the aged style of materials such as bricks, antique and vintage objets. It is applied not only for the cafeteria, movie theater, museum but the cultural space. It reflects the brand-new and Utopian interpretation of design longings for the nostalgia and the old ages. This goes back to the picturesque aesthetics in the 1980s. The term "picturesque" means "picture-like". And it originated from the Utopian vision taken from the landscape paintings of English aristocrat's trip to Europe. it mainly reflects people's longing for the nostalgia and their the happy days in the past. In recent days of bad economies, it has been found in various areas from people's desire for the prosperity in the last days. The objective of this study is to examine the up-current trend of picturesque aesthetics and see its characteristics and how it can be applied to the interior design. And the feasibility study for the necessity of the picturesque aesthetics, any spatioperceptual elements and capable space for human beings to be made for an eclectic space in the desolate modern day life.
Digital makeup(DM), depending upon computer graphic softwares, is applied to various fields, e.g. character works in movie and game industries and visual printouts in printing works. Focused on makeup field, DM is extremely conducive to developing, scientizing and informationalizing makeup patterns. Despite of unlimited potential of DM of which market size has been growing day by day, its practical use by domestic makeup experts and educators is much less active than expected as far, due to the lack of knowledge accumulation. The purpose of this study is to suggest some theoretical frameworks to generalize DM techniques and analyze two cases using the frames therefore support academicians' recent efforts to theorize DM techniques. The study 1) defines and categorizes the concepts of DM and DFX(digital special effect); 2) reviews the literature relevant to DM and generalizes the types and methods of DM techniques; 3) applies general frames to analyzing two movie cases, famous for their DM effects; 4) then suggests, based upon analytical results, some efficient ways for makeup experts to use DM techniques in practice. This study contributes to providing the theoretical grounds to conceptualize DM thus broadening makeup artists' interests in DM and awakening the scholarly concerns in cultural technology including DM.
Traditionally exhibition design as been restricted to architectural, interior, and lighting design, but recently it has begun to overlap into environmental, performance, and installation art. Exhibition design also increasingly involves the application of film, fashion, and the new media. In the past, exhibits were arranged and displayed for the visitor to view directly, but with the development of more effective exhibit media a connection has been created between the exhibit and the visitor. However exhibition design has reached the limits of continuous growth without background theory, when now it must take Into consideration the museum's activation and the importance of the exhibition's design. Exhibition design has developed and grown rapidly since the Taejeon Expo in 1993, but it is a difficult development without a theoretical structure. The flow of exhibition design must be systemized, as the systemization of the transition process of exhibition design has not yet been achieved. This study aims to present an arrangement of exhibition design flow, and to investigate the variation factors in the transition process of exhibition design and exhibit medium development, based on the 18 year history of the Independence Hall that introduced the first systematic planning of an exhibition in 1987.
Relationship between body and space is fundamental in space design. The perception and concept of human body in each age directly affected the space makings of that time. Thoughts on human body are related to various periodical backgrounds such as culture, art, technology and etc. Body-Space relationship has been changed through different epochs and is being changed in the present time too. In contemporary cities, architectural programs has been fragmented and activities of individuals become more articulated. The rigidity of each architectural program has been forced to be more flexible amalgamation of diverse behaviors by dynamic urban time-space formations and patterns. Based on this current situations, new experimental designs that question the existing preconceived relationship between body and space in different views. These design experiments attempt to overcome the solid physical fixation of architectural buildings and to directly relate human body to intelligent devices, technologies, machines as well as spaces. This research focus on the innovative design projects in which body, machine, space are smartly compound as one organization. The purpose of this study is to examine the new Body-Space relationship as well as some relevant case projects in contemporary fashion, furniture, interior design and architecture.
현재 우리가 살고 있는 세상은 획일적 통일화에서 감성적 다변화 시대로, 모더니즘에서 포스트모더니즘으로, 남성의 이성에서 여성의 감성으로 변화되고 있다. 이러한 시점에서 주얼리 디자인 분야도 당연 사회와 패션의 흐름에 맞춰 변화할 필요가 있다. 현 사회의 가장 큰 시장변화의 흐름을 파악하기 위해 감성디자인과 아트마케팅이란 시장변화에 주목했으며, 이를 통해 여성적 감성과 개인의 개성이 이 두 분야에 가장 큰 주축임을 확인하였다. 본 연구자 또한 여성이기에 나의 감성과 개성을 표현할 수 있는 2가지 테마의 명화를 선정하였으며, 이를 주얼리 디자인과 접목해 새로운 감성 주얼리 디자인을 연구해 보고자 한다.
This study first aims on preparing a systematic analysis basis for the expression aspects of hairstyle in forms of postmodernism. Secondly, it studies the meanings and aspects the hairstyle trend through a post modernism approach about its expression methods based on the suggestive collection hairstyles. Third, it confirms that hairstyle is also one of fashion that can be represented as modern society and culture by explaining that post modernism appears in hairstyles. This study analyzes the expression aspects of hairstyle in forms of post modernism that appears in modern collections by preparing theoretical theories for this study based on former studies related to post modernism theory and clothes from a qualitative analysis. The results of this study prepared a theoretical analysis frame to study the expression aspects of hairstyle in forms of postmodernism first. Secondly, as a result of analyzing based on the analysis, they show that disoriginality of hairstyle can be freely interpreted by the author through borrowing and restoration, disformation through discord and incompletion, discenterization through non-westernization and sub-culture, and inter-text through many symbols and meanings. Thirdly, as the postmodernism movement that represents modern society, culture, and art movement is reflected on hairstyle, it can be considered as a small culture and a product of the era.
This study aimed to reveal the designer's creative process in the development of clothing designs. The researcher has taken roles both as a design practitioner and an observer. The full process of design development was concurrently documented while working to solve a specific problem. This included noting down the concept, keywords, and detailed scratch ideas, as well as refining the design by collecting sketches and taking photos. Integrated data from the captured design process were analyzed based on Lamb and Kallal's apparel design framework, which included problem identification, construction of preliminary ideas, design refinement, prototype development, and evaluation. The functional, expressive, and aesthetic (FEA) criteria of the entire process were thus assessed. Additionally, five professional apparel reviewers evaluated the design project based on FEA criteria. The results showed the processes for identifying targets and intentions, extracting the main elements from sources, developing the major visual concepts, and making final adjustments. Ultimately, this study revealed how a designer manages each stage of the creative design process. Sharing such detailed observations of the design process can help refine the knowledge involved in each stage of the creative process, and provide guidance for instructors in design education.
본 연구자는 선행 연구를 통해 태초부터 전개된 인류의 예술에 내포된 죽음의 미학의 전개 과정을 정리한 바 있다. 본 연구는 해당 연구를 심화시킨 후속 연구로, 알렉산더 맥퀸의 패션 작품에 담긴 죽음의 미학적 의미를 연구하였는데, 먼저 죽음의 미학적 특성을 분류하고, 이를 근거로 알렉산더 맥퀸의 의상 작품에서의 죽음의 미학적 특성을 분석 정리하였다. 본 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 죽음의 미학적 표현은 죽음의 재현성, 상징성, 및 종교성의 세 가지로 나뉜다. 재현성 표현은 실질적 대상 재현과 상상의 대상 재현을 포함하며. 상징적 표현은 외면적 표현과 내면적 표현 두 가지를 포함한다. 둘째, 알렉산더 맥퀸의 작품에서 죽음의 재현성은 주로 가상의 무대 장면과 복장을 통해 구현하였다. 셋째, 죽음의 상징성은 육체적인 죽음과 직결된 해골, 혈액 등뿐만 아니라 죽음에 따른 다양한 정서와 심리상태도 보여준다. 넷째, 죽음의 종교성은 알렉산더 맥퀸의 작품에서 십자가 등의 모티브로 종교적 내용을 재현한 것으로 표현한 것을 알 수 있었다.
This study investigates the concept of the body in Korean traditional costume by comparing the traditional costumes of the west and those of Korea while focusing on the relationship between the body and dress. In order to make a comparison of the traditional perspectives on the body in western and Korean costumes, this study examines the literature of history, art, medicine, philosophy as well as dress from the mid-fourteenth century to the nineteenth century pertaining to the west and those of the Joseon Dynasty Korea. Western dress assumes apparent formal structures and pursues overall harmony via the completeness of its entities, while traditional Korean dress subordinates the parts to the whole, emphasizing the organic total. Whereas the proportion of bodily structure is stressed in western traditional costume, in Korean costume the body is perceived as a whole. By revealing the body through the three dimensionalities of dress, the focus on the erogenous body parts is shifting in conventional western dress according to changes in aesthetic consciousness, which reflects the western ideas of objectiveness and self-centeredness. In traditional Korean dress, in the space between the body and dress, the emphasis is on planarization of the dress, which assumes the oriental relationship-centeredness concept.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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