• 복식
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• 제51권6호
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• pp.67-83
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• 2001

The purpose of this study is to define the aesthetic consciousness in the late Modernism fashion which generated a sudden style change and craze, and to identify the essential meaning of the style. In order to achieve this the aesthetic approach was applied. Visual commonalities were sought between fashion and contemporary architecture, furniture, ceramic and metalware, to lead to a deeper insight into the aesthetic consciousness. Common visual characteristics are curvedness of the line, obliqueness of the line, asymmetry of the form, exaggeration of the form and symbolic nature of the form. The content which can be analogized from the visual characteristics are the beauty of the nature, the beauty of the glamourous feminity, the beauty of the ideal and the beauty of the creative personality. In the creating process, the existential aspect of human being became a focus of attention, and human being's subjectivity operated as a principal force. In the late Modernism fashion, the appreciator's aesthetic experience became more important, and the appreciator's psychological satisfaction and pleasure were considered in the creative process. Fashion, architecture and crafts, which fulfill functional duties in everyday life, facilitated the appreciator's aesthetic experience through empathy. This study inquires into the relationship between aesthetic consciousness and visual form. This study offers meaning because to uncover the connoted aesthetic consciousness in the late Modernism fashion is to pursue the roots of current aesthetic consciousness and it is hoped that in doing so this study will provide a basis for interpreting and understanding today's fashion style.

• 문화경제연구
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• 제19권2호
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• pp.73-96
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• 2016

본 논문은 창의경제에서 창의상품을 감상하는데서 얻게 되는 심미적 체험의 역할을 규명하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 먼저 창의경제는 창의성의 보편성을 기본 전제로 삼고 있음을 밝혔다. 그리고 누구든지 창의상품을 감상함으로써 창의성을 함양할 수 있고, 이렇게 함양된 창의성을 창의경제가 아닌 일반 직장에서도 활용할 수 있다는 점을 밝혔다. 이 발견으로부터 우리는 공공정책의 방향을 위한 두 가지 함의를 찾을 수 있다. 우선, 정부는 일반인들이 다양하고도 독특한 체험. 특히 창의상품의 감상을 통한 심미적 체험을 겪을 수 있도록 지원해야 한다. 다음으로는 정부는 성인들이 창의상품의 감상력을 높이도록 학교 및 사회에서의 예술교육을 강조하여야 한다.

• 감성과학
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• 제14권3호
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• pp.403-414
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• 2011

본 연구에서는 객관적인 아름다움에 대한 주관적인 미적 경험으로서의 인지적, 감정적 경험에 관여하는 뇌 활성화 과정을 기능적 자기공명영상을 이용하여 검토해 보았다. 우선, 프랙탈 이미지에 대한 미적평가 행동과 제로 보편적인 아름다움의 준거를 확인하였다. 평정 결과에 기초하여, 전체 270개 이미지 중 가장 점수가 높은 50개를 아름다운 이미지로, 점수가 낮은 50개를 아름답지 않은 이미지로 선정하였다. 두 가지 조건을 블록으로 제시한 신경영상 연구 결과, 아름답다고 평가한 이미지에 대해서는 미적 경험에 관여하는 인지적, 정서적 처리에 관여된 부위인 전두엽과 대상회와 뇌섬엽이 활성화되었으며, 아름답지 않다고 평가한 이미지에 대해서는 부정적인 정서와 관련된 중후두회와 전설소엽의 활성화가 관찰되었다. 아름다움 평가에 대한 조건별 접속분석의 결과, 미적평가가 긍정적인 이미지에 대해서는 측두엽의 활성화가, 부정적인 이미지에 대해서는 두정엽의 활성화가 특징적으로 나타났다. 이에 대해 의미론적 해석과 추상화 과정과 연결하여 논의하였다.

• 예술경영연구
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• 제60호
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• pp.121-153
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• 2021

본 연구의 목적은 미술관 온라인 전시가 관람객의 미적 경험과 오프라인 전시 관람의도에 미치는 영향 관계를 실증적으로 밝히는 데 있다. 이를 위해 온라인 전시의 속성을 접근성, 상호작용성, 정보성, 유희성 등으로, 미적 경험은 감정적, 소통적, 인지적, 지각적 영역 등 4개의 요인으로 각각 구성하여 오프라인 미술관의 관람의도에 미치는 영향을 분석하기 위해 설문조사를 실시하였다. 설문결과를 다중회귀분석한 결과, 첫째 온라인 전시는 미적 경험에 부분적으로 유의한 정(+)의 영향을 미치는 것으로 나타났다. 미적 경험 중 감정적 영역에는 정보성이, 소통적 영역과 지각적 영역에는 유희성이, 인지적 영역에는 접근성이 각각 가장 큰 영향을 미치는 것으로 분석되었다. 둘째, 온라인 전시는 오프라인 전시 관람 의도에 유희성, 상호작용성, 정보성 순으로 부분적으로 유의한 정(+)의 영향을 미치는 것으로 나타났다. 셋째, 미적 경험은 인지적, 감정적, 소통적, 지각적 순으로 오프라인 전시 관람의도에 유의한 정(+)의 영향을 미치는 것으로 나타났다. 아울러 미적 경험은 온라인 전시와 오프라인 전시 관람의도를 부분매개함을 확인하였다. 본 연구가 온라인 전시 이용자들을 오프라인 전시로 유도하는 실무적 시사점과 함께 학술적 논의를 촉발하는 계기가 되기를 기대한다.

• 교육철학
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• 제49호
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• pp.235-270
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• 2013

The aim of this study is to make clear the significance of art education for solving problem in elementary and secondary school. These days, our students have so many negative problems in school and society, for example, school violence, group teasing, group outcasts, arrogate teacher's authority, school collapse, dehumanization get soused excessive and such like. We must support to make humanization through a normal art education and art class. Art, music, physical and literature education is a good methods for human education and mental therapy. The best art education is enlightening the children's imagination and curiosity. To enlighten. in art class at the school, teachers must think about enlightening the children's imagination and curiosity. Aesthetic experience includes creative activities and appreciative activities for human formation. The school must expend effort to increase the art class in each week, because students can change positively in aesthetic experience and aesthetic environment.

• 미술이론과 현장
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• 제16호
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• pp.257-272
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• 2013

This paper analyzes six different ways of articulating the relationship between art and politics. It calls attention to the differences that lurk behind the seemingly simple phrase-everywhere in vogue today-the "politics of aesthetics." Five of these models are drawn from contemporary discussions regarding the politics of art. The last model is the attempt to develop an account of the politics of aesthetics that is faithful to the difficult and ambiguous dimensions of the aesthetic experience that were hinted at by the texts of classical philosophical aesthetics. Most notably, this paper is concerned with the idea that the aesthetic experience can be understood as a form of disinterested contemplation-one that is not reducible to cognitive or moral considerations-and with some of the consequences that this entails. It explores some of the political significance that can be attributed to this idea of disinterested contemplation, arguing that the aesthetic should be understood as a withdrawal from the world's pre-established meanings. Unlike some of the other thinkers discussed in this paper, this author doubts that a single, uniform meaning can be ascribed to the aesthetic experience. I thus argue that we need to approach the aesthetic through the networks of textual significance that have been built up around it. Throughout this paper, I attempt to explain how the efforts to link art and aesthetics to politics simultaneously give rise to ideas about the nature of the human community. In looking at the sixth and final model, what I have called the "anarchical politics of aesthetic ambiguity," I argue that the aesthetic tradition offers a rather unique way of understanding the relationship between the individual and the community. Here, we see that the aesthetic is prone to a number of paradoxes, central among them the one that makes art the bearer of a solipsistic pleasure in which we nevertheless discover our capacity for genuinely communicating with others, outside of cliches and banalities.

• Architectural research
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• 제13권4호
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• pp.19-30
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• 2011

This investigation, based on empirical research, examined the role of complexity and order in the aesthetic experience of architectural forms. The basic assumption of this study was that perception in architectural form is a process of interpreting a pattern in a reductive way. Thus, perceptual arousal is not determined by the absolute complexity of a configuration. Rather, the actual perceived complexity is a function of the organization of the system (order). In addition, complexity and order were defined and categorized into four variables according to their significant characteristics; simple order, complex order, random complexity, and lawful complexity. The series of experiments confirmed that there is a point on the psychological complexity dimension which is optimal. By demonstrating that consensual and individual aesthetic preference can be measured to have a unimodal function of relationship with complexity, the results of the experiments indicated that complexity and orderliness are effective design factors for enhancing aesthetics of a building facade. This investigation offered a conceptual framework that relates the physical (architectural form) and psychological factors (complexity and order) operating in the aesthetic experience of building facades.

• 한국조경학회지
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• 제25권4호
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• pp.61-81
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• 1998

This paper is to explore a new planning paradigm for urban landscape-not a new paradigm for urban landscape planning- in the light of environmental aesthetics. This is an endeavor to construct an alternative to the philosophical absence in the landscape profession. The landscape has been conceived of visual -oriented urban scene, and this notion is one of consequences of subject-object dualism in Western modernity project. In contrast with this convention, the authors consider urban landscape as the aesthetic field in which an experience of urban landscape actually works in human ordinary life and experience. To acquire an aestetic experience in this aesthetic field, we need to replace the doctrine of disinterestedness with engagement and contemplation with participation. This concept of participatory engagement with landscape can be translated in specific and concrete ways into urban landscape planning, replacing the traditional panoramic landscape with engaged landscape. The authors approach the urban landscape from the vantage point of an aesthetics of engagement by developing the four environmental situations : the sailing ship, the circus, the cathedral, and the sunset. They may serve as useful guides in cultivating and beautiful urban landscape to replace the forces of vulgarity and monotony that depress the modern city. What is beautiful urban landscape\ulcorner What makes the urban landscape beautiful\ulcorner Finally, the authors suggest identity and amenity as practical concepts of urban landscape planning for an aesthetic experience.

• 한국조경학회지
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• 제45권3호
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• pp.129-140
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• 2017

본 연구는 포스트 인더스트리얼 공원이나 메모리얼 등 기존 모습을 유지한 채 근대적 기억을 담은 장소와 경관을 만드는 최근 조경 설계 경향에 대한 미학적 해석이다. 논의의 주요 대상은 방문자들이 공유할 수 있는 집단 기억을 간직한 대형 공원과 오픈스페이스다. 기억의 장소와 경관에서 일어나는 방문자의 미적 경험은 숭고, 노스탤지어, 멜랑콜리 등의 개념으로 설명될 수 있다. 이러한 미학적 개념이 강도 높은 트라우마 기억과 연관될 경우 방문자는 병적 상태에 다다를 위험이 있다. 그러나 '방문'을 통해 미적 경험이 이루어진다는 장소와 경관의 매체적 특성에 의해 방문자는 기억의 장소와의 거리를 자율적으로 조정할 수 있으며, 따라서 기억의 장소에서 온전한 미적 경험을 할 수 있게 된다. 숭고, 노스탤지어, 멜랑콜리를 통한 미적 경험은 시간성의 발현과 비가역성을 통해 이루어지는데, 시간성이란 장소와 경관이 가진 기억과 시간의 특성을 의미하며, 기억의 장소와 경관에서 발현되는 시간성은 되돌릴 수 없는 시간의 비가역성에 기초한다. 이 때 방문자가 가진 기억과 배경지식은 장소 기억과 더불어 장소와 경관에서 미적 경험을 구축해 나가는 주요 요소이다. 본 연구는 기억의 장소와 경관을 설계하는 과정에서 장소 기억과 방문자의 기억을 이해하고 활용할 수 있는 이론적 틀을 제시한다는 점에서 의의를 갖는다. 방문자의 기억에 소홀했던 물성 중심적 설계에 대한 비판적 시각 또한 본 연구의 또 다른 의의일 것이다.

• 영상문화
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• 제35권
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• pp.5-33
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• 2019

본 논문에서는 장 폴 사르트르(Jean-Paul Sartre, 1905-1980)의 상상력 이론과 그의 '비실재 미학'에서 핵심적인 자리를 차지하고 있는 '아날로공' 개념이 지닌 의의와 문제점을 살펴보고, 이에 대한 미켈 뒤프렌(Mikel Dufrenne, 1910-1995)의 반론을 중심으로 그의 미적 지각에 대한 이론을 검토한다. 지각하는 행위와 상상하는 행위의 극단적인 이분법에 기초하고 있는 사르트르의 상상력 이론은 『상상력』(1936)과 『상상계』(1940)라는 두 권의 저작에서 구체화되고 있고, 거기서 사르트르는 아름다움이란 결코 실재에 속하는 것이 아니라 "상상적인 것에만 적용될 수 있는 가치" 이고 따라서 "예술 작품은 하나의 비실재"라고 결론내리고 있 다. 이에 대해 뒤프렌은 사르트르의 '비실재 미학'이 일반 지각이론에 적용되는 상상력 이론을 예술 작품의 감상에까지 확대 적용하고, '상상적인 것'을 '비실재'와 동일시함으로써 생긴 오류라고 본다. 뒤프렌의 관점에서 볼 때 "예술은 상상하는 것을 허락하지 않는다". 예술 작품의 의미가 비실재인 것은 맞더라도 그것이 상상적인 것은 아니다. 미적 대상의 의미는 실재하는 것 속에서, 즉 지각된 감각물 속에서 찾아져야 하며, 이때 상상력의 역할은 실재에 의해 제공된 영역을 끊임없이 확장하고 거기에 시공간적인 깊이를 제공함으로써 실재로서의 농도와 견고성을 확보하고 무궁무진한 총체성을 지닌 하나의 세계로 통합시키는 것이다. 아날로공으로 명명되는 지각된 대상물의 지위에 대한 문제가 사르트르와 뒤프렌 사이의 미학적 입장을 가르는 근본적인 문제이다.