• 서비스연구
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• 제13권1호
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• pp.108-126
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• 2023

본 연구는 경기도 뉴미디어 예술방송국 경기아트온 구축 사례를 통해 블록체인 기반 문화예술공연 영상 플랫폼의 지속가능성을 탐색적으로 고찰하고, 블록체인을 활용한 영상콘텐츠 거래의 기술적 한계와 법·제도적 쟁점을 검토하였다. 연구방법은 개발자 및 운영자 심층인터뷰, 회의참여 등 참여관찰의 방법으로 진행하였다. 연구자는 블록체인 기반 공연영상 플랫폼 구축을 위한 KT와 경기아트센터의 컨소시엄 협약 단계부터 블록체인 노드, 스마트 콘트랙트, API, UI/UX 설계 및 개발, 블록체인과 콘텐츠 유통 서비스 연동 테스트 수행까지 전 과정에 참여관찰하였다. 연구문제1: '블록체인 기반 공연영상 콘텐츠 유통 공공 플랫폼에 적합한 기술 모델은 어떠한 모델인가?'에 대한 연구결과, 첫째, 블록체인 기반 예술공연 영상콘텐츠 유통 공공 플랫폼에 적합한 블록체인 형태는 블록체인 관리자가 직접 초대해야 개입이 가능한 프라이빗 형태가 적합한 것으로 판단되었다. 둘째, 경기아트온과 같은 공공 플랫폼에서는 NFT 발행 기반 예술인 저작권 관리 모델과 BC토큰과 클라우드 기반 콘텐츠 유통 모델 중 API를 통해 외부 수요기관에 콘텐츠를 제공하고 사용료 정산에 K-토큰을 사용하는 모델이 적합한 것으로 분석되었다. 셋째, 경기아트온과 같은 공공 플랫폼 초기 서비스는 콘텐츠 이용 권한을 부여된 이용자에게만 서비스를 제공하는 폐쇄형 블록체인이 적합하다는 결론에 이르렀다. 연구문제2: '블록체인 기반 공연영상 유통 공공 플랫폼 운영 시 어떠한 법·제도적 문제점을 검토해야 하는가?' 에 대한 연구결과, 첫째, 블록체인 기반의 스마트 계약은 거래 당사자들의 신원이 드러나지 않을 수 있는 블록체인 기술의 특성상 당사자 적격성 문제, 둘째, 블록체인은 보안사고가 발생하면 사용자의 손실 배상이나 구제방법이 불분명하여 손실회복이 어렵다는 문제, 셋째, 스마트 계약은 채무불이행이라는 개념이 적용될 수 없고, 스마트 계약상의 채무가 이미 이행이 이루어진 경우에도 불완전이행의 소지를 검토하여야 하는 것으로 분석되었다.

• 트랜스-
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• 제16권
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• pp.33-68
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• 2024

급성장하는 디지털 경제 환경 속에서 NFT가 예술계 내에서 화제의 중심으로 부상하였다. 그러나 중국에서는 NFT 예술이 중국의 정치경제, 사회문화적 상황과 관련된 제약으로 인해 발전이 더딘 상황이다. 엄격한 관리 및 통제로 인해 암호 화폐의 유통이 제한되어 있고, NFT 예술에 대한 대중의 인식 및 수용 수준, 시장의 성숙도도 아직 낮은 편이다. 이러한 한계에도 불구하고 본 논문에서는 중국 미술 창작자와 시장 참여자가 중국 시장의 특성에 맞는 온라인 개인 미술 IP 모델을 구축할 수 있다고 전망하여 그 현황과 가능성을 모색한다.

• 한국과학예술포럼
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• 제19권
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• pp.581-592
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• 2015

최근 공익마케팅활동에 대한 관심과 중요성에 대한 인식이 확산됨에 따라 국내 일부 컨벤션센터와 지역 컨벤션뷰로에서 사회공헌활동을 추진하고 있으나, 공익마케팅활동에 관한 연구들은 대부분 소비자의 시각에 치중되어 컨벤션센터나 지역 컨벤션뷰로 등 컨벤션 조직원의 관점에서 공익마케팅활동 중요성인식이 어떤지 반영되어 있지 않은 실정이다. 따라서 본 연구에서는 컨벤션과 관련된 공공조직의 종사자들을 대상으로 컨벤션조직의 공익마케팅활동의 중요성 인식을 파악하며, 컨벤션조직의 공익마케팅활동을 실시할 때 컨벤션개최지의 긍정적 또는 부정적 효과에 영향을 미치는지 살펴보고, 개최지 긍정적 효과와 부정적 효과가 개최지 브랜드가치에 어떠한 영향을 미치는지에 대한 분석하고자 한다.

• 만화애니메이션 연구
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• 통권47호
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• pp.335-356
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• 2017

국내 캐릭터산업의 발전과 함께 산업적 콘텐츠로써의 캐릭터와 함께 공공캐릭터에 대한 관심도가 높아지고 있다. 공공캐릭터란 특정 지역, 기관, 단체, 조직, 행사 등의 구성원이 공유하거나 지향하는 상징성을 함축적으로 표현하고 있는 비영리적 캐릭터이다. 특정의 개인이나 단체의 이윤을 목적으로 하는 상업디자인과 구별되며, 디자인의 주체와 객체, 지향하는 가치, 역할 등에 있어 시민의 안녕과 행복과 같은 사회적인 가치를 추구하는 공공디자인의 목적과 부합하는 역할을 부여받았다. 공공캐릭터는 지자체 캐릭터 개발을 중심으로 발전하기 시작했으나, 대부분의 캐릭터가 활용되지 못했다. 그러나 공공캐릭터에 대한 관심이 높아지면서 캐릭터를 활용하여 지역에 대한 고유성과 정체성을 표현하기 위한 수단으로 다시금 환영받고 있다. 본 논문은 공공캐릭터가 가지는 지역에 대한 정체성 표현을 장소특정성(Site-Specificity)에 대입하여 연구해보고자 한다. 장소특정성은 동시대미술에서 장소에 초점을 맞춘 미술, 특정 장소 및 상황에 의해 의미가 생성되는 작품을 의미한다. 현재 공공캐릭터는 주로 한 지역 또는 기관을 대표하는 역할을 맡은 바, 어느 공동체 속에 속해있느냐에 따라 정체성과 그에 따른 가치를 판단할 수 있다. 이를 통해 지역 속 캐릭터가 공공디자인으로써 어떠한 사회적 의미를 가지는지에 대해 연구하고자 한다.

• 미술이론과 현장
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• 제2호
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• pp.147-168
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• 2004

This study examined the role of interpretation with various practices in art museums to seek a new meaning and a concept of art museum today. The exploration of interpretation would he a starting point to discuss about on art museums with professionals in each art-related field. While museums recognize the concept of interpretation and the scope of the functions in different levels, the study focused on the practices of collecting and exhibiting that will entrust the museum new realms of activities toward the audience. In particular, its emphases are set force on the information on the collections via the museum's web sites, interpretation policies, and theories and methodologies in exhibition development. Art museum websites well reflect how museums utilize the new medium to enhance the understanding of art works by providing in-depth art historical information, comprehensive contexts, and subject/concept based search methods. In recent decades, these have enacted changes to expand dimensions of interpretive functions in most museums, particularly in the United States and others. In an administrative perspective, Tate Gallery Interpretation Policy became an good example how an art museum put its interpretation philosophy as the basis of interpreting collection and public programs. Tate established functions of intrepretation and education not only within a task-based team but also as an intrer-divisional coorperation to provide an interpretation scheme of information provisions such as guide brochure, audio tour, multimedia content, and library. New environment and trends of museum exhibition, and its development processes stem from communication theories, object interpretation philosophy, display strategies, and various evaluation techniques through audiences, with the communication theories of Shannon and Weaver, Berlo's SMCR(Source-Message-Channel-Receiver) models were perceived as to understand the mechanism to communicate museum exhibits to visitors Suzan vogel's insight into object display strategy helped to conceive the mechanism of object recontextualization. She emphasized that the museum's practice to construe opinions and impressions through object display should be discreet and critical, therefore, the professionals to plan the exhibition should reveal the intention and their practices. For a prevailing new methodology from the field, the interpretive exhibition development processes are articulated as the front-end, formative, and summative evaluation, futhermore the team process in industrial product management models was adapted. These have turned out to be more interactive with visitors and effective to communicate the exhibition concepts and messages, hence resulting in enriched museum experiences. Finally the study concluded that understanding the aspects of interpretation should help art museums to set a framework for current practices to expand its public dimension. It can provide curators with a critical view to website planning and its content. And obviously, the interpretive exhibition development methodology will lead museum exhibition developers to be skilled in its current approaches to thematic exhibition concerning diverse subjects and topics.

• 미술이론과 현장
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• 제2호
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• pp.169-190
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• 2004

The purpose of this article is to delve into the problems of originality of the artwork by examining issues of reproduction within the contemporary art market. In contemporary arts, especially in terms of art production and consumption, we can't overlook society and its economic structure and its connection with of capitalism. As the purity of art creation has turned into an exchange value, art, especially an object as artwork, has fallen into the status of production in an economic marketing system. Walter Benjamin mainly referred to that point in his thesis Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit, which originated the sociology of plastic arts. This thesis, published in 1936, traced how the artistic functions of photograph and movie had been changed through the social development. His main concerns were movie and photograph but what I am concentrating from his point of view, is that even in the field of plastic arts, the manufacture of reproduction has been practiced as a primary method within the social and political contexts and development. Though I am referring to this in the main body of this article, reproduction in contemporary art strongly needs a new definition since it has been spread all over like a newest virus, not only by collector's personal taste or hut also by commercial circulations of these reproductions to the public. This relates to Benjamin's argument about the value of an exhibition at a museum(Ausstellungswert). Since the function of an artwork has been one of cultural industry, the manufacturing of reproduction raises unexpected problems, such as, the originality of the artwork, the value of an exhibition at a museum, its achievement as documentary and as a territory of art criticism. In this point of view, I want to inquire into the value and criteria of an exhibition in contemporary art through the review of the definitions and the intrinsic attributes of reproduction. Somehow in a broad sense, the reproduction is a product coming out of representation or copy (replica) of an original art work or an model. Therefore, the problems it presents differ from the Simulacre, which is an image without an original one. In terms of the Meanings of reproduction, we can distinguish it as reproductions, copies, and productions. These types of reproductions are not the original artworks reflected by the creative intention of the artists. For example, a publishing company reproduced some of lithographs of Salvador Dali in the 1960s. They are commercial copies in the form of representation or reproduction with no artistic and creative intention of the artist. However, In despite of this theoretical basis, reproductions of the famous artists are still displayed without any verification for of the public's quest for the artworks. Moreover, many commercial companies that are planning to exhibit art works of the world-famous artists only for their profits keep trying to speak ill of and judging by the law the honest art critics' articles which discuss the true values of exhibition. If freedom of expression is one of the ideals of democracy, even the judgment of the originality of the artworks should be freely expressed.

• 융합정보논문지
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• 제9권8호
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• pp.123-133
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• 2019

이 연구의 목적은 문화예술행사 평가 과정에서 제기되는 평가 오류의 문제 중 하나인 후광효과를 실증적으로 분석하여 문제점을 진단하고 개선 방향을 제시하는 것이다. 이 연구는 2014년과 2015년 진행된 107개 지역대표공연예술제 평가 결과를 대상으로 3개 평가 영역, 15개 평가지표의 평가 결과에 대한 상관관계분석, 요인분석, 회귀분석을 통해 후광효과를 진단하였다. 분석 결과 평가지표 간의 상관계수의 평균은 2014년 0.676, 2015년 0.584로 나타났으며, 요인구조와 평가 영역은 일치하지 않았다. 회귀분석 결과 타 영역의 평가점수와 표준편차는 기획, 집행, 결과영역의 평가 결과에 영향을 미치는 것으로 나타났다. 이러한 평가결과의 왜곡은 평가의 신뢰성과 수용성을 낮추므로 합리적이고 객관적 평가를 위해 평가기준의 정교화, 평가지표별 평가자 다양화, 평가자 대상 사전교육, 메타평가의 실행을 통해 후광효과를 통제할 필요성을 제기한다.

• 디지털콘텐츠학회 논문지
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• 제16권2호
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• pp.263-274
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• 2015

제주지역은 지역별 인구대비 등록 미술관 수가 전국 최고이나 상대적으로 낮은 인지도로 대중과의 소통에 뒤떨어져 있어 시대에 맞는 홍보대안이 필요하다. 호감도와 접근도면에서 탁월하고 정보의 아이덴티티를 제공하는 디자인 QR코드가 미술관의 홍보매개체로 다양하게 활용되고 있으나 제주지역 등록 미술관의 대부분이 디자인 QR코드의 개발이 미비하여 현실적으로 실현 가능한 디자인 개발이 필요한 실정이다. 본 연구에서는 제주지역 등록 공립미술관 6개소의 Museum Identity현황을 기표와 기의로 나누어 의미체계를 분석하고 분석한 자료를 바탕으로 개발 선정한 4개소의 Museum Identity를 반영한 QR코드디자인을 개발하였다. 개발된 디자인 QR코드를 가치적 특성에 따른 디자인의 활용 사례로 제안한 연구이다.

• The International Journal of Costume Culture
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• 제7권1호
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• pp.1-16
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• 2004

Pop art, an artistic trend which was actively popular centering around popularization of America in the 1960's, appears as punk style in the 1970's and as one of diversified style in the 1980's, and have co-existed in the third culture and pluralistic combination since the 1990's. The image of pop art includes complexity, familiarity and popularity as well as extension of media, and so directly influences the fashion in the end of the 20th century. Especially, sportslook show up by the virtue of rising lower cultural area such as street fashion becoming influential and change in life style, which was recreated as clothes by developing characteristics of design including style, details and colors showed in active sports wear. This study is aimed to ana analyze the image of pop art showed again in the modern fashion in the end of the 20th century and graffiti-art which was well known to the general public after the 1980's. Through this analysis, I will study characteristics of pop art showed in sportslook which is the mainstream in modern fashion and graffiti of Keith Haring. Consequently, I suggested a functional, esthetic and future-oriented sports look design which comprises the image of the graffiti-art of Keith Haring by using Design CAD(photoshop & primavision) enabling to attempt variously and to derive quickly the output of design and textile.

• 한국실내디자인학회논문집
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• 제19권2호
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• pp.107-116
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• 2010

In Europe, traditionally the low-rised buildings for public art museum have been constructed since the 18th century like any other buildings and these are because of the technical issue for construction difficulty. Even if the low-rised art museum buildings are still continued for it's construction, gradually the high-rised art museum buildings begin to be build due to the development of contemporary technology in high-dense modern urban space. This tendency of high-rised art museum building in recent years is expected to affect on the interior space of it and most of all the spatial change in conjunction with circulation system variation is remarkable. Because the circulation system in art museum means tourist's spatial experience and it normally controls the experience of knowledge in art museum. This study is to understand how the multi-floored art museums in Europe affect to the spatial structure and how this is related to the circulation system. And also the study raised an issue on what it's social meaning is. Through these analysis the study can provide the meaning of multi-floored art museum and basic indication in art museum planning. To understand this, the study calculated the number of stories, number of vertical circulation and number of ring-structure space. Also the study tired to use space syntax tools, which are connectivity, integration value, integration value in major space, integration value in vertical circulation and intelligibility value. those tools alculated topological transfiguration of the whole space.Throughout the study, it was concluded that the influence of high-rised art museum in Europe changed the spatial structure and circulation system. The topological center of art museum that has been the grand space since 18th century changed to the vertical circulation due to the it's roll of distributing visitors to each floor. It became a starting point of spatial deployment and experience in art museum.