This essay reconsiders the subject of Romantic self-consciousness in a post-de Manian perspective. Self-consciousness is an attribute of Romantic lyricism whereby the poetic speaker I remains conscious of how (s)he feels or lives here and now. This self-reflective feature of Romantic poetry has been controversially interpreted either as self-centered solipsism or as self-expressive objectivism. The question is stirring more disputes among Romantic critics after the advent of New Historicism and Feminism. These two historicistic approaches reprove Romantic poetry for a lack of the sense of history and ascribes it to Romantic self-consciousness. They argue that Romantic poets in general displace historical materiality into an object of internal consciousness, so negating absurd social realities "merely to gain their own immortal soul." This essay targets to overcome this negative stance on Romantic self-consciousness with a "subversive" return to Paul de Man's criticism of Romantic internality.
This article is the result of a comprehensive research of Lu tong(盧仝)'s . First of all, this research looked into the tea culture and literary trend of 'tea-poetry[茶詩]' writing that prospered at the time as a background for to be created. Subsequently, the relationship between Lu tong and Han-meng poet's school[韓孟詩派] was discussed to establish the background of the 'Lu tong style(盧仝體)'. And the format and content of were analyzed based on the characteristics of 'Lu tong style'. Through the above discussion, this study examined why was able to gain the reputation of being " the best poetry in the world for tea ". In addition, was later being 'diangu(典故)', affecting not only China but also Korean poems. This paper also figured out that Su shi(蘇軾) in China, Li se(李穡) in Goryeo, and Xu Juzheng(徐居正) in Joseon used diangu of most frequently.
오랫동안 동양 문학에는 비극이 존재하지 않는다고 생각되어 왔는데, 이는 행동을 모방하고 극적 구조를 지닌 고대 그리스 비극을 비극의 유일한 기준으로 삼았기 때문이었다. 이 글은 이러한 고정된 기준에 대해 의문을 제기하면서 한국의 비극 작품들이 지니는 특징을 밝히고, 이를 통해 비극이라는 장르에 대한 새로운 이해를 도모하는 데 목적을 두었다. 2장에서는 극과 서정의 장르적 성격을 살펴 다음과 같은 가설을 수립하였다. 즉 어떤 작품이 고통을 당하고 있는 작중인물과, 그 작중인물을 바라보며 관찰하는 자가 분리되어 있는 극적인 구조를 가지고 있고, 작중인물에 대한 관찰자의 연민이 드러난다면 서정적인 담화양식을 가지고 있다 하더라도 '비극'이라고 불릴 수 있다는 것이다. 3장의 논의를 통해 한국의 서정시 중에는 시적자아가 고통스러운 교착상태에 빠진 작중인물과 관찰자의 역할을 동시에 수행하면서, 관찰자가 작중인물을 연민하는 구조로 되어 있는 비극 작품이 존재함을 확인할 수 있었다. 한국 비극의 특징들은 비극에 대한 새로운 기준을 제시하는 근거가 될 수 있으며, 서구의 비극 개념으로는 이해하기 어려웠던 현대 비극을 이해하는 데 유용한 실마리를 제공한다.
윤동주의 시와 그의 표상은 다양한 영상 및 극 매체에서 활용되고 있다. 그리고 그 매체 및 장르적 특성에 따라 윤동주의 표상과 그의 시는 선택되고, 변주된다. 문학이 다양한 매체들과 통섭하는 현대에서 한 시인의 초상이 어떻게 형상화되고 있는가를 검토하는 것은 텍스트가 한 인물을 통해 대중에게 전달하고자 하는 바를 읽어내는 과정이기도 하다. 본 연구는 윤동주의 시가 다른 장르의 예술적 텍스트들에서 활용된 방법을 검토하는 한편으로, 각 텍스트들의 시문학과의 통섭 양상을 비교분석하였다. 특히 창작가무극 <윤동주, 달을 쏘다>를 중심으로 논의를 진행하였다. <윤동주, 달을 쏘다>에서 윤동주의 시는 감정을 극대화하는 장치이자, 인물의 의지를 관객들에게 전달하는 대사의 형식으로 활용되었다. 창작가무극 <윤동주, 달을 쏘다>가 시를 통해 '윤동주'의 감정을 격정적으로 전달하고 있다. 가무극 즉, 뮤지컬은 다른 예술 장르에 비해 장르적 특성상 인물의 미세한 감정 변화를 전달하기에 제약이 따른다. 이로 인해 가무극은 인물의 감정 표현이 좀 더 격정적이며, 서사의 진행 또한 극적이며, 영화와 가무극이 조명하는 시인 윤동주의 면모 또한 차이를 보인다. 예컨대 영화 <동주>는 시인 윤동주를 순수한 문학청년으로 형상화하고자 한다면, 창작가무극 <윤동주, 달을 쏘다>는 윤동주의 시를 저항의 의미를 지닌 것으로 재조명하고 있는 것이다.
본 논문에서는 웹 기반의 교육환경을 통해 학습자의 흥미와 참여도를 높이며, 인터랙티브하게 활용할 수 있는 게임형 교육 컨텐츠를 제안한다. 디지털 매체가 발전하면서 여러 분야에 디지털 매체가 적용되었고 그로 인하여 현대인들은 다양한 매체를 경험하고 있다. 이러한 디지털 매체의 발달은 교육에도 영향을 미쳐 웹과 CD-ROM 타이틀, 비디오 등을 통해 교육정보화 환경을 만들었다. 책을 통해 주입식으로 학습하는 전통적인 방법인 교사 중심 교육에서는 학습자와의 능동적인 커뮤니케이션이 불가능하다. 그에 반해 디지털 매체를 통한 교육은 인터랙티브한 학습을 할 수 있을 뿐만 아니라 학습자의 관심을 유발하는 동기가 될 수도 있다. 본 논문은 열린 매체인 웹을 통해 단어의 수가 적고 간결하며 시각화를 중시하는 구체시를 교육게임형 학습에 적용하는 방법을 제시한다. 우리는 이런 교육환경을 제공하여 학습자가 쉽고 인터랙티브한 접근을 할 수 있도록 하였고 자기주도적 학습으로 학습자들의 표현하고 싶은 욕구, 참여하고 싶은 욕구, 변화시키고 싶은 욕구를 만족시켰다.
When Hart Crane′s poem cycle The Bridge was published in 1930, a group of influential reviewers accused Crane of immaturity, sentimentality, and lack of focus. They condemned crane′s wayward, fuzzy mysticism as backwards-looking and self-defeating. Even sympathetic critics, such as Harold Bloom, have consistently portrayed Crane′s poetry as the pyrotechnic final fizzle of late romanticism. These persistent, public reservations, however, have not prevented an impressive proliferation in secondary literature concerning Crane since the late 1960s. His promiscuity, alcoholism, erratic behavior, relative poverty, tragic death, and total commitment to art have since earned him the labels of New World Rimbaud and proto-Beat. His colorful career thus explains in part his retrospective fame. Nevertheless, living hard and dying young do not guarantee artistic immortality. This article poses questions as to why Crane has mattered so much to subsequent generations of U.S. readers and what these readers find so compelling in his poetry. The answer, I would argue, lies in Crane′s idiosyncratic use of language. Far from striving for transparency, he writes in an inimitably obstructive, artificial manner. There is something seductive and absurd in his wild use of words here, I would further argue, we discover the reason behind both Crane′s enduring appeal and his supposed inadequacy as a writer. Crane did "torture" syntax, semantics, and conventional associations, not because he saw his unusual language as an eccentric mannerism but because he saw it as a tool in the service of constructing a "myth of America" and reintegrating the human and divine. Understanding thy he considered this to be the case clarifies Crane′s achievement and illuminates why his work still seems so relevant today.
이 논문에서 필자는 한국의 김창흡과 일본의 간챠잔의 시론과 한시 작품을 비교 검토했다. 본론에서 얻은 결과를 요약하면 다음과 같다. 김창흡과 간챠잔은 의고주의 비판에 동조했다. 두 사람은 다음과 같은 점에서 일견이 일치했다. 성당시를 일방적으로 모방하지 않는다. 눈앞의 (소소하기까지 한) 경물에 눈길을 주고, 거기서 촉발된 차분한 정감을 담는다. 과장된 언어가 아닌 실다운 언어를 사용한다. 모름지기 시는 사실적이어야 한다. 두 사람의 차이점 또한 주목된다. 김창흡은 정감과 경물은 천리를 매개로 하여 작품 안에서 만나게 되며, 둘을 매개하는 언어 표현은 철학적인 성격을 띠게 된다고 했다. 반면 간챠잔은 정감과 경물을 매개하는 천리를 상정하지 않았다. 간챠잔은 경물을 섬세하게 관찰하고 세밀하게 표현하는 데 작시의 이상이 있다고 했다. 요컨대 김창흡은 경물을 통해 이치를 표현하는 데까지 나아가고, 간챠잔은 경물 자체를 표현하는 데 머문 차이가 있다. 또한 김창흡은 시는 천리의 표현이면서 국가의 정치에 대한 관심을 담아내는 고차원의 언어활동이라고 했다. 사대부로서 문학의 위상을 높이 두고, 문학이 할 수 있는 일이 많고 크다고 했다. 반면 간챠잔은 문학은 오락이라고 하면서 문학은 철학과 정치에서 멀리 떨어진 곳에 자기 고유의 영역이 있다고 보았다. 김창흡은 문학은 학문과 가까운 자리에 있다고 했다면 간챠잔은 문학은 문예여야 한다고 한 것이다. 김창흡과 간챠잔의 시학이 각자 개인의 성취라고 볼 것인가, 아니면 두 나라 한시사의 기저에 놓여 있던 특성이 두 사람을 만나서 표면화한 것인가 생각해 볼 수 있다. 필자는 두 사람의 시학은 좁게는 한시, 나아가는 두 나라 문학 일반의 특성을 표면화한 것이라고 생각한다. 전범에 매이지 말고 실경을 개성적으로 그리라는 요구는 오랜 기간 성장해 온 두 나라 문학의 특성이 드러나는 계기로 작용했다고 보는 것이다.
This paper, postulating that Lowell's Imagism is not some "Amygism" that wobbles with "emotional slither," "mushy technique" and "general floppiness" as Pound once mocked, but another kind of poetic discourse that deserves the fullest re-consideration, goes back to the very scene where Pound left for Vorticism, condescendingly allowing Lowell and her supporters to use the name "Imagism" for three years. There, it tries to illuminate how Lowell, making the most of the opportunity given to her, picked up what Pound had left behind, grafted it on the soil of America, and finally fulfilled her literary passion to awaken the common reading public to the taste for poetry reading. For the purpose, it looks into her critical reviews in Tendencies in Modern American Poetry, and stresses her creative critical efforts to re-address Pound's principles of "Imagisme." In particular, given the limit of space, it focuses only on the second principle of her Imagism and examines the modernity of her concepts of "a cadence," "suggestion," and "the real poem beyond." Then it reads "Patterns" in the context of Japanese poetry and Noh drama and analyzes the poetic patterns that Lowell made through a creative adaptation of Japanese aesthetics for Imagist poetics. In doing so, this paper aims to provide reasonable evidences to evaluate the modernity of Lowell's Imagist ars poetica and to consider her a truly serious Imagist poet worthy of a place in the history of American poetic modernism.
Near / Miss, Charles Bernstein's poetry collection, is replete with poems of distinctive styles and pluralistic forms in his idiosyncratic and artistic cosmos. With poetic antics, queerness, sarcasm, irony, and humor, the book showcases the motif of loss, chaos and trauma in postmodern America and the world. The multiplicity and multi-dimensional $M{\ddot{o}}bius$ effect in Near / Miss echo earlier Bernstein's poems, as well as poems by ancient and contemporary poets, with visual artists and musicians, and rabbis and Jewish philosophers. I argue that Near / Miss offers an apotheosis of echopoetics, which has been launched in his previous book Pitch of Poetry. Poems in the book reveal the dark and thick "pitch," namely the queer, the uncanny, the invisible, the disabled, the dispossessed, and the silenced poetic Other and make it explicit. The estrangement and alienation of $clich{\acute{e}}$ through diverse malaprops, mondegreens, non-sequiturs and fragmentations in Near / Miss aim at deconstructing the fixation of language so as to display the poetic Other. The motif of "nothingness" in echopoetics significantly multiplies its meanings. Nothingness mainly refers to the loss of origin, the defiance of tyranny, and the sublimity of the universe and the poetic Other. Melding his personal loss and misfortune, the current political discontent and the postmodern chaos in America and the world, nothingness in echopoetics resonates with American literary tradition and Zen with a healing and transforming power.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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