회화에서 사용되는 효과들을 컴퓨터 화면상에 재현하고자 하는 많은 연구가 있었다. 수채화나 유화와 같은 서양화의 경우는 주로 사진 이미지를 수채화나 유하 효과를 가지는 이미지로 변환하는 기법이 연구되었다. 그러나 동양화의 경우는 서양화와는 달리 사물의 특징을 나타낼 수 있는 몇 개의 스트록(Stroke)만을 사용해서 그려지기 때문에, 변환 기법이 서양화에서처럼 용이하지 않다. 따라서 동양화에서는 주로 그림을 그리는 도구들의 모델링(Modeling)을 통해 결과 이미지를 생성하는 방법이 사용되었다. 본 논문에서는 동양화를 생성할 때, 중요한 요소인 번짐효과를 표현하기 위한 모델을 제안한다. 이것을 위해 스트록의 물 함유 상태를 구분하기 위한 방법으로 계층 모델에 대해 설명하고, 물과 잉크가 종이의 각 셀 사이로 이동하기 위한 모델로 지역 평형 모델을 제안한다. 지역 평형 모델은 빠른 시간안에 효과적으로 잉크와 물의 이동을 계산할 수 있는 한가지 방법을 제공하는 모델이다. 또한 동양화적인 붓의 표현을 위해 붓에서의 잉크 감소 모델에 대해 설명한다. 마지막으로 각 모델들의 모델링 결과로 생성되는 몇가지 효과들과 그려진 동양화 결과를 보여준다.
조선 후기인 18세기 전후에는 각종 민화(Min-Wha)들이 민중들의 생활 속에서 중요한 의미를 지니게 되면서 소재나 기법에서 독특하고 다양한 작품들이 등장하게 된다. 이러한 민화 가운데에서 특이한 표현 양식 중 하나로 혁화(Hyuk-Wha)를 들 수 있다. 혁화는 그 기법으로 볼 때, 서예의 표현 양식의 하나로 분류되는 비백서에서 유래를 찾을 수 있는데, 버드나무 껍질이나 갈대류의 줄기를 바르게 펴서 붓 대용품으로 써서 작업한 비백서의 다소 거친 질감과는 시각적으로 큰 차이를 보이고 있다. 또한, 혁화의 발전 과정은 민화 전체의 발전 과정과 밀접한 관계를 가지고 있다. 그 중에서도 도교적인 길상문자 문자도 및 유교적인 효제문자도와 깊은 연관성을 가지고 있으며, 다른 형식의 창의적이고 차별화 된 문자도 형식으로 발전하기도 한다. 그런 까닭에, 문자가 내포하고 있는 의미와 한자의 뛰어난 조자력을 상징적으로 조형화 한 혁화는 오늘날 그래픽 분야의 워드 마크(Word Mark)나 브랜드 로고타입(Brand Logotype) 등에 응용되는 픽토그래피(pictography)와도 연관이 있다고 할 수 있다. 과거 민중의 집안을 꾸미고 장식하는 용도로 성행했던 혁화는, 오늘날 다양한 장식용품의 등장과 현대화된 주택의 발달로 그 용도는 거의 소멸되었다 해도 과언은 아니다. 그동안 민화의 한 부분으로 자리를 잡고 서예 및 문자도 와 더불어 발전해 온 혁화가 서구에서 활발하게 활용되고 있는 현시점에 비추어 볼 때, 그에 대한 재조명이 필요하다 할 것이다.
Although the work of neural style transfer has shown successful applications in transferring the style of a certain type of artistic painting, it is less effective in transferring Oriental paintings. In this paper, we explore three methods which are effective in transferring Oriental paintings. Then, we take a typical network from each method to carry on the experiment, in view of three different methods to Oriental paintings style transfer effect has carried on the discussion.
International Journal of Advanced Culture Technology
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제11권3호
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pp.268-276
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2023
Ukiyo-e, a pivotal facet of Japanese art, had a profound impact on Western art during the 19th century, contributing to the emergence of Impressionism and Post-Impressionism. Notably, Katsushika Hokusai's "Great Wave" remains an enduring masterpiece. Ukiyo-e's historical trajectory is intricately linked to the socio-cultural context of its time. Japan's early artistic influences derived from China, evolving through the Nara and Heian periods. Ukiyo-e emerged from the Yamato-e tradition, characterized by its transition from religious themes to secular subjects. Zen Buddhism's influence during the Muromachi Shogunate shifted focus to ink wash painting, which eventually became accessible to the masses. The Azuchi-Momoyama period introduced lavish, colorful works. The Edo Shogunate upheld Kano School for the elite, while folklore painting gained popularity among the commoners, leading to the creation of Ukiyo-e. Ukiyo-e diversified its subjects, including beauty, geisha, sumo, landscapes, and more. The Asakusa district's "Shin-Yoshiwara" added to its vibrant themes. By the late 19th century, Ukiyo-e transcended its roots, encompassing landscapes, wildlife, and beyond. I explore Ukiyo-e's aesthetics and its influence on Impressionism, focusing on "The Three Masters of Ukiyo-e" - Kiyotagawa Komaro, Katsushika Hokusai, and Utagawa Hiroshige.
본 논문은 도가(道家)의 대표적 철학자인 "장자(莊子)"의 "소요유(逍遙遊)"에 제시된 '유(遊)'란 개념이 미술교육에서 필요한 것인지를 연구하였다. 우선 장자의 '유(遊)' 개념과 미술교육의 배경 및 필요성을 정의하고, 동양미술에서 활용된 '유(遊)'의 의미를 미학적으로 분석하여 오늘날 '유(遊)' 개념이 현대동양미술교육에 응용되고 표현될 수 있는지 탐색하는데 역점을 두었다. 논문의 전개 중 제2장은 장자의 철학적 '노닐음(유(遊))'의 개념 및 사유, 제3장은 미술교육의 배경 및 필요성을 연구하였다. 제4장은 장자의 노닐음(유(遊))'을 통한 동양화실기교육 접근을 연구하였다. 우선 노닐음(유(遊))'을 통한 동양화실기교육 접근을 2장에서 연구된 사유방법으로서 공간개념인 '허실(虛實)'과 표현기법으로 '필묵(筆墨)', 작가의 정신적 화면의 경지는 '사의(寫意)'로써 각각 분석 연구하였다. 첫째, '유(遊)'와 동양화의 상호관계성을 허실(虛實)의 조형이념으로 고찰 했을 때, 허(虛)는 그외 대상이 본질로 드러난 실(實)의 부분으로 하여금 감상자들에게 연상과 암시, 상상을 불러일으켜 예술가가 표현하고자 하는 적극적인 잊음(유(遊))의 경계를 뜻하므로 '허(虛)'는 '유(遊)'와 서로 같은 경계의 맥락이라 할 수 있다. 따라서 허(虛)와 실(實)은 조형 활동의 경험을 통하여 표현 및 감상 능력을 길러, 창조성을 계발하고 정서를 함양시켜 미술교육에서 필요성이 나타남을 알 수 있었다. 둘째, 필묵으로 음(陰)과의 양(陽)의 걍약으로 신(神), 기(氣)(심제(心齊)), 전신(傳神), 사의(寫意)등을 각각의 예술적 경지를 표현하는 것이다. 따라서 필묵은 형사(形似)와 사의적(寫意的)적인 예술형상의 창조까지 연계되어 있는 중요한 것이다. 따라서 정신적 '노닐음'의 경계를 통한 자유로움은 사유에 의한 표현 할 수 있는 창조력과 자연 감상능력 및 미적 문화의 가치를 판단할 수 있는 교육을 탄생시킬 수 있는 것이다. 이상의 결과로 볼 때, 미적 안목의 육성, 창의성 계발, 감성능력의 함양, 조형능력의 함양 등의 인성교육으로 복합적인 미적 논리가 다양한 현대미술 속에서 동양미술교육의 정체성을 지킬 수 있는 하나의 방법론이라 본다.
미술작가는 작품을 전시할 공간을 중요하게 고려하기 때문에 전시공간을 이용한 뒤에 그 전시공간을 평가한다. 본 연구는 마케팅믹스 7P를 이용한 미술작가의 특성에 따른 전시장 만족도 차이를 분석하였다. 연구결과를 요약하면 다음과 같다. 첫째, 제품은 20대이며 동양화 작가의 만족도가 높았다. 둘째, 환경은 경력이 5~10년이고 연령이 40대이며 동양화 작가의 만족도가 높았다. 셋째, 촉진은 경력이 21년 이상이고 50대인 작가의 만족도가 높았다. 넷째, 전시관계자는 20대이며 동양화 작가의 만족도가 높았다. 다섯째, 진행 과정은 경력이 5~10년이고 연령이 40대이며 기타의 만족도가 높았다. 시사점은 다음과 같다. 첫째, 장소, 과정과 촉진은 경력, 연령과 장르 모두 유의한 차이가 있었다. 둘째, 제품과 전시 관계자는 연령과 장르에서 유의한 차이가 있었다.
Since the latter half of 20 century, in Korea, there are many discussions on the identity of Korean itself in several divisions, in which the discussion on the identity in the part of the costume or the part of the art reflecting the life, is the subject which must not fail to be noticed. So, we try to study the common structure manifested in the Korean painting and the costume as a part of basic recognition of problems and the way of problem-solving for the research on the Koran formative characteristics. The method and the process of this study is first, to consider the characteristics of the plastic and style of the Oriental arts and the Occidental arts by discourse implicate the difference between Oriental and Occidental view and the recognition of the body in the two worlds. And in the study we try to apprehend the dynamic modern artistic value of Korean style through assimilation between the Korean style and Baroque style according to the theory of $W\ddot{o}lfflin$ about the classical style and Baroque style. We will describe the Korean identity by analyzing the Korean plasticity with the Occidental style of dress and paintings reflecting the Occidental culture and thought and the Oriental things, and modern paintings and dress in the present age. As a result, we can try to recherche the way of use of new design for the identity of Korean style, in the concept of the ellipsis, repetition of the retrait, obscur silhouette, and superimposition.
Sumuk drawings are made with water and muk(墨), which are used to express the light, shade and texture of an object. The expression methods of oriental drawing can be divided into three methods: pictorialization, abstractness and realism. The method of pictorialization expresses traditional pictures or letters. Abstractness show an artist's aesthetic feeling through sprinkling, splashing and spreading diffusion of muk. The method of realism is Takbon which makes a copy painting directly from a monument by rubbing a paper with ink. Modern fashion designer attempts to develop a new Sumuk technique based on both oriental drawing style and western watercolor painting style. Rather than following the designated styles of oriental drawings and Korean drawings, new Sumuk technique colors detailed structures expressed as outlines, dots and lines or creates abstract patterns through spreading or spilling in showing theme of flowers, plants and insects. In this study, in order to develop fashion cultural products with Sumuk technique, rubbed copy of the ancient 'Emile bell Takbon' was used. For this study, with the combination of different colors and the patterns from 'Emile bell Takbon', designs for scarfs, shirts and one-piece dresses were created. These techniques enabled to express soft and strong Takbon image in simple Sumuk technique in harmony with modern trends.
스마트폰과 태블릿 PC 같은 모바일 기기의 보급과 콘텐츠 사용 증가로 모바일 환경에서의 컴퓨터 그래픽스 연구가 활발하게 진행되고 있다. 그러나 아직까지 수묵화 및 담채 렌더링 기법과 같은 비실사적 기법을 모바일 기기 상에서 효과적으로 구현하기 위한 연구는 부족한 편이다. 모바일 기기는 데스크 탑 환경에 비해 하드웨어적 한계를 가지고 있기 때문에 비실사적 렌더링 기법이 적용된 콘텐츠를 렌더링 하기 위해서는 단말기의 제약성을 고려한 특화된 렌더링 파이프 라인이 필요하다. 본 논문에서는 비실사적 기법중에서도 수묵화 기법과 담채화 기법을 모바일 환경에서 구현하기 위한 3차원 그래픽스 렌더링 파이프라인과 쉐이딩 파일 전처리 기법을 제안한다. 제안하는 기법을 이용하면 비사실적 렌더링이 적용된 다양한 3D 모바일 콘텐츠를 생성할 수 있고 사용자는 모바일 디스플레이 환경에서 실시간으로 수묵 담채 렌더링 된 콘텐츠를 볼 수 있을 것으로 기대한다.
Contemporary Korean art in the 1960s and the 1970s reflects the social and political contexts in Korea from the 5 16 revolution through the Yoo Shin period. This paper investigates whether art has been free from power or not. It examines the power embedded in contemporary Korean art in the 1960s and the 1970s. This paper examines the historical moments of the Korean Art Exhibition, focusing on the complications between the abstract and figurative artworks of the 1960s. One of the significant art exhibitions since the 8 15 liberation of Korea, the Korean Art Exhibition witnessed conflict among Korean artists who wanted to have power in the art world of Korea. Institutional contradiction based on factionalism and conservatism prevailed in the Korean Art Exhibition was attacked by the avant-garde young artists in the 1960s. With the contact of Abstract Expressionism, young artists' generation participated in the The Wall Exhibition. This exhibition challenged and established moral principles and visualized individual expression and creation similar to the Informal movement in the West. In the world of the traditional painting of Korea, the Mook Lim Exhibition of 1960, organized by young artists of traditional painting, advocated the modernization of Soo Mook paintings. Additionally, abstract sculptures in metal engraving were the new trends in the Korean Art Exhibition. In the 1970s, the economic development and establishment of a dictatorial government made the society stiffen. Abstract expression died out and monochrome painting was the most influential in the 1970s. After the exhibition of Five Korean Artists, Five White Colors in the Tokyo Central Art Museum in 1976, monochrome paintings were formally discussed in Korea. 'Flatness' 'physicality of material' 'action' 'post-image' 'post-subjectivity' and 'oriental spirituality' were the critical terms in mentioning the monochrome paintings of the 1970s. 'Korean beauty' was discussed, focusing on the beauty of white which was addressed by not only Yanagi Muneyoshi but also the policy of national rehabilitation under the Yoo Shin government. At this time, the monochrome paintings of the 1970s in Korea, addressing art for art's sake, cutting of communication with the masses, and elitism, came to be authorized.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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