이 글은 홍윤숙 초기 시의 실존 의식을 규명하는 데 있어 야스퍼스의 실존 철학의 중요 개념을 원용하여 전개된다. 야스퍼스의 실존 철학에 대한 개괄적 검토를 거쳐, 초기 시작(詩作)에 드러나는 실존 의식을 세밀하게 살펴보고 시인의 실존 의식이 지향하는 바를 밝혀내고자 한다. 실존 철학은 상실한 자기 자신의 모습을 되찾고 본래적인 자기 자신에게 환귀(還歸)함으로써 자기소외․자기상실의 상태에서 자기회복․자기귀환을 기도(企圖)하는 철학이다. 야스퍼스의 실존 철학은 대상에 관한 인식이 아니라 대상에 대한 내적 태도의 변화에 사유의 초점을 둔다. 이와 함께 그는 실존의 본질에 초월자의 존재를 포함시키는데, 이로 인해 실존은 초월자를 존재의 바탕에 둔 삶의 경건성을 요청한다. 이런 관점에서 홍윤숙의 초기 시는 인간이 단순한 현존재에서 벗어나 보다 고차원적인 실존으로 단계적 도약을 이룩하는 승화의 과정으로 설명할 수 있다. 우선 현존재는 불가피한 한계 상황에 직면해 좌절을 극복함으로써 가능적 실존을 자각한다. 이때 현존재는 가능적 실존으로 존재의 전환을 이룬다. 나아가 가능적 실존은 대상적 존재, 즉 타자를 발견함으로써 보다 견고한 실존이 되는데, 이러한 실존 체험은 고립 상태가 아니라 다른 실존과의 연관 속에서만 실현 가능하다. 타자의 발견 이후에도 본래적인 자기 자신을 회복하기 위한 실존의 분투는 지속되고 이러한 갈망은 초월성을 향해 나아간다. 궁극적으로 가능적 실존은 초월자에 의해 본래적인 자기 자신, 즉 참된 실존을 획득하게 된다. 이와 같이 홍윤숙 작품에 드러나는 실존의 양상은 단순한 현존재적 차원을 탈피하고 언제나 타자와의 관계에 의해서 실존을 체험하며, 오직 초월자와의 관계에 의해서 참된 실존으로 거듭나는 일련의 과정으로 확인된다.

본고는 1930-40년대에 활동한 윤동주 시에 나타난 절망의 시의식과 이러한 시의식이 극복되고 승화되는 양상을 탐색하였다. 윤동주는 시 창작에 본격적으로 매진할 무렵, 현실 상황에 대한 적극적인 행동을 하지는 않았고 또한 그의 작품 역시 구체적인 저항성을 지니지 않았다. 그는 역사적 모순을 내면의 문제로 육화시키는 고뇌와 절망의 시를 창작하였다. 이러한 작품은 1930년대 윤동주 시의 주류를 이루고 있었다. 1930년대 후반부터 윤동주는 반성과 성찰의 시의식을 통해서 고뇌와 절망을 다스리는 시의식을 보여주었다. 시대와 역사의 모순과 부정 앞에 놓인 자책과 반성의 어조는 비극적 시의식을 어느 정도 중화시키는 데 기여하였다. 자책과 반성은 윤동주의 시를 더욱 내성적으로 만들었다. 나아가 1940년대에 발표한 시에 나타난 소명의식은 실천적 상상력을 이끌어내어 고뇌와 절망을 승화시켜 주었다. 부활에 대한 신념은 현세적인 고난과 고통을 적극적으로 수용하고 탐색하는 동력이 되었던 것이다. 요컨대 윤동주의 시는 ‘고뇌에서 절망으로’, ‘절망에서 반성으로’, ‘반성에서 희생으로’, ‘희생에서 부활로’ 나아가는 역동적 구조를 지니고 있었다.

이 논문은 기형도 시에 나타난 트라우마 양상에 대한 연구문이다. 기형도는 1985년 동아일보 신춘문예「안개」로 당선된 이후, 문예지에 시를 발표하며 1980년대 시단에서 독창적인 영역을 구축했다. 그가 본격적으로 문단활동을 한 기간은 5년에 불과하지만 그의 작품은 다양한 시각에서 연구되고 있다. 평자들마다 조금씩 이해를 달리하고 있으나 연구의 대부분이 자연인 기형도의 죽음과 연관성을 갖는 전기적 사실에 바탕을 두고 있다. 다양한 논의에도 불구하고 기형도 시의 본질적인 특성인 트라우마(trauma)에 접근한 연구가 본질적으로 이루어지지 않았다. 본고에서는 이에 주안점을 두고 정신분석학과 언어학적인 이론을 원용하여 텍스트를 분석하였다. 문학 연구의 가장 기본적인 사항이 텍스트가 기본이지만 부분적으로 기형도의 삶과 연계시켜 트라우마 양상을 연구하였다. 트라우마란 전쟁이나 어떤 강력한 사건 혹은 외부의 강력한 물리적 충격으로 마음 속에 깊이 각인된 상처이다. 이 상처는 치유되지 않고 고착되어 성격 발전을 저해하고 왜곡시켜 현재의 삶을 방해하는 원인이 된다. 그것은 <반복/성>과 <강박/성>을 특징으로 하는데, 기형도 시에 나타난 트라우마 양상은「위험한 가계․1969」(1986)에서 기인한다.「위험한 가계․1969」의 작품은 대체적으로 회상 구조 방식으로 대상을 감각화하고 있으나 시인의 내면에 은폐되어 있는 삶의 비밀들을 이해하는 중요한 열쇠가 되고 있다. 특히 작품 곳곳에서 반복, 교체하며 나타나는 어둡고 우울한 풍경의 이미지들은 기형도의 내면화된 아픔의 깊이와 동궤를 이루고 있어 시인의 내적욕망과 세계관을 밝히는데 귀중한 자료가 되고 있다. 본고에서는 이러한 점에 바탕을 두고 기형도의 작품 근저에 깔려 있는 트라우마 양상과 그 요소들이 시에서 어떻게 구현되고 있는지 세 개의 층위로 구분하여 살펴보았다. 먼저 <원체험으로서의 트라우마>는 자전적인 요소를 담고 있는 부분이고, <분리불안으로서의 트라우마>는 사후 작용에 의해 트라우마가 재구성된 부분이며, <유폐된 존재로서의 트라우마>는 죽음으로 전이되는 우울증적 요소를 담고 있는 작품들이다. 기존의 연구들이 비극적인 세계관과 기법적 측면에서 논의가 진행되었다면 본고에서는 자전적인 경험과 사후 작용에 의해 반복되는 트라우마 양상에 바탕을 두고 시적 의미를 고찰하였다. 그 이유는「위험한 가계․1969」에 나타난 트라우마의 기억 흔적이 다른 기억 흔적과의 관계에 의해서 재구성되어 형상화되고 있기 때문이다. 따라서 기형도의 작품 세계의 근간이자 출발점이 되고 있는「위험한 가계․1969」를 논의한다는 것은 의미 있는 작업이 될 것이라고 생각한다.

서정주의「자화상」은 그의 초기작임에도 불구하고 직설적이며 도발적인 서술 기법이라든가 시어의 상징적 처리 등이 수준 높은 작품임을 느끼게 하며, 해석상에 있어서도 학계에 많은 논란을 가져온 시이다. 그러나 정본이 제대로 제시되지 않았고, 여러 학자들이 이 시가 시인의 전기적 사실에 의거하고 있음을 인정하면서도 철저히 역사 전기적 방법에 의한 접근이 이루어지지 않았다. 특히 해석이 확정되지 않은 부분은 이 방법을 통해 객관적인 논거를 마련할 수 있다는 점에서 이 연구 방법이 절실히 요구되는 실정이다. 이에 따라 연구자는 본고에서 판본 비교를 통한 정본을 제시하면서, 이 방법을 원용하여 학계에 논란이 되어 온 부분들에 대한 해석의 정립을 시도하였다. 「자화상」의 중요한 판본은 ①『시건설』(1939), ②『화사집』(남만서고, 1941), ③『서정주문학전집1』(일지사, 1972), ④『미당서정주시전집』(민음사, 1983), ⑤『미당시전집1』(민음사, 1994), ⑥『화사집』(문학동네, 2001)에 수록된 시가 된다. 이 가운데 ①에 실린 시는 가장 처음 발표된 것이기는 하지만 1, 2연이 산문체로 되어 있고, 의도적으로 맞춤법에 맞는 표기를 한 점으로 미루어 원본이 되지 못한다. 따라서 ②에 실린 시를 원본으로 봐야 한다. ④, ⑤, ⑥은 이 원본의 표기를 따르고 있다. 그러나 ④와 ⑤는「자화상」전체를 2연으로 처리하는 오류를 범하고 있다. 또한 띄어쓰기도 세 군데가 ②와 틀리며, 특히 ‘서껴’를 ‘서꺼’로 표기하고 있다. 그에 비해 ⑥은 ‘서있을뿐이었다’를 ‘서 있을뿐이었다’라고 한 것을 제외하고는『화사집』초간본과 일치한다. ③은 맞춤법 규정에 따라 현대어로 표기를 하여 정본에 가깝지만, 방언과 고어를 모두 현대어로 바꾸어 시의 맛을 살리지 못했기에 이상적인 정본이 되지 못한다. 또 ③ 역시 ④, ⑤와 마찬가지로 시 전체를 2연으로 처리했기 때문에 이것이 수정되어야 한다. 이 모든 사항을 참작하여 연구자 나름의 정본을 제시해 보았다. 시 해석에서 주로 다룬 것은 학설이 정리되지 못하고 논란이 되고 있는 부분이다. ‘파뿌리같이 늙은 할머니’는 누구이며 어떻게 살아온 분인가, ‘대추꽃’은 이 시에서 어떤 대상으로 등장했는가, ‘달을 두고’를 어떻게 해석해야 하며 임신한 아이는 누구인가, 외할아버지의 실종이 왜 ‘甲午年’이 맞는가, 그리고 이 시의 해석상 가장 난해한 부분인 ‘이마 위에 얹힌 詩의 이슬에는 / 몇 방울의 피가 언제나 섞여 있어’의 바람직한 해석은 무엇인가 등이다. 이 부분들에 대해서는 역사 전기적 방법을 원용하여 객관적 설득력이 있는 논거를 마련하고자 하였다. 미당 자신의 술회나 동생 서정태 옹의 증언, 부친 서광한의 제적등본에 의거함 등은 그 일환이다. 본고를 통해「자화상」텍스트의 실체가 좀 더 명백히 밝혀지기를 기대한다.

김영랑의 초기시에서 율격양상이 지닌 특성을 도출하여 그의 시가 지닌 운율의식을 확인하고 도출된 운율의식을 근거로 영랑의 초기시에 대해 새로운 해석 가능성을 탐색해 보자는 것이 이 연구의 목적이다. 시 연구에 있어서 율격론이란, 시에서 음악성의 대상이란 무엇이며 그 대상은 과연 실체를 지니고 있는지, 만일 그 대상의 존재는 인정할 수 있으나 형태를 가지고 있지 못한 무형적 존재라면 그 대상은 어찌 확인할 수 있는지, 또한 그 대상은 과연 가치를 지녔는지, 그리고 가치를 지녔다면 그것은 어떻게 객관적 인정을 받을 수 있는지 등의 문제의식에서 비롯한다. 김영랑의 초기시를 대상으로 하는 율격론에서도 이는 마찬가지의 입장이다. 그 결과 김영랑 초기시의 율격양상은 첫째 4행연의 채택과 이형태의 허용, 둘째 음운에 따른 계열체들의 형성과 의미맥락 조성, 셋째 동어나 유사어 병치를 통한 단위의 조성 등이 두드러진 것으로 확인되었다. 이들 율격양상은 시인의 운율의식을 가늠하는 척도로 작용한다. 김영랑의 경우 초기시에서 보여 준 운율의식은 각각의 독립성을 지닌 계열체들과 이들이 공유하는 질서의식을 현양하는 데 기울어져 있다. 대립항의 하나는 질서의 완성으로 상징되는 자연이며 다른 하나는 결여를 안고 있는 개인적 주체이다. 자연은 신뢰할만한 질서의 상징임을 거듭 확인하고 있고 개인적 주체는 현실적 한계인 결여에 대해 회복의 가능성을 염원하고 기대한다는 두 가지 맥락을 지닌다. 이를 위해 시인은 자연이 지닌 질서를 드러내기 위해 유려한 선율을 조형하고 있으며 단절되지 않는 흐름을 운율의식으로 제공한다. 순조로운 순환에 대한 질서를 지향점으로 삼고 있는 개인적 주체는 현실적 한계가 마침내 자연의 질서에 따를 것임을 신념화하게 된다. 선율과 화성을 통해 자연이라는 거대담론의 질서를 미화하고 있으며, 계열체의 대립과 조화를 통해 결여된 현실이 종내 회복될 것임을 신념으로 삼을 수 있다는 맥락을 채택하고 있는 셈이다. 이러한 지점이 김영랑 초기시의 율격론에서 확인할 수 있는 전언이며 심미성이 된다.

한국에서 다문화주의라는 용어는 대규모 아시아계 이민자들을 이해하고 이를 바탕으로 공존하는 사회를 지향하는 태도를 의미한다. 그러나 다문화주의라는 용어는 이주자들이 처한 계층적 현실을 관심 대상에서 삭제하기도 한다. 노동을 위해서든, 결혼을 위해서든, 혹은 학업을 위해서든 국경을 넘어 한국에 들어 온 외국인들이 한국에서 겪는 문제를 문화적 차이라는 키워드를 통해서 바라보는 관점은 부차적인 것을 핵심적인 것으로 바꾸는 모습이다. 반면 이주자들의 문제를 사회계층의 문제로만 바라볼 수도 없다. 이주자들이 지니고 있는 문화적 부적응 상태 역시 외면할 수 없는 문제라는 것이다. 최근 영국과 프랑스 등 유럽 국가들이 겪고 있는 인종 갈등 사례는 법적으로 수용국 주민과 동등한 시민적 권리를 부여하는 것만으로 이주민 정책이 완료되는 것이 아니라는 것을 알려준다. 본 연구는 박범신의 장편소설『나마스테』와 공선옥의 연작소설「유랑가족」을 통해 이주자들을 바라보는 한국 지식인 사회의 관점을 분석하고, 그 한계 지점을 검증한다. 박범신의『나마스테』는 표면적으로 문화공존과 타문화에 대한 존중감을 표시하고 있지만, 서구인들의 오리엔탈리즘을 복제한 오리엔탈리즘을 기반으로 타문화를 바라보는 한계를 드러내고 있다. 이런 관점은 존중이라는 표피의 내부에 자아와 타자를 구별하는 입장을 숨기고 있다. 이에 반해 공선옥의 연작소설「유랑가족」은 이주자들과의 문화적 차이를 전혀 고려하지 않는 입장을 보인다. 이주자들이 겪고 있는 문제를 단지 경제적인 문제로 바라보고 있는 이 입장은 문화적 편견이나 구별감을 드러내지 않지만, 그것이 이주자에 대한 전면적인 이해에 방해가 될 수 있다는 점에서 일정한 한계를 보인다.

이 논문은 2000년대 소설에 나타난 다문화 현상에 주목하였다. 디지털의 발달과 교통수단의 발달로 시간과 공간의 경계가 무너진 현실에서 수용된 다문화가 소설 속에서도 등장하고 있음을 살폈다. 천명관의 「비행기」에서 정신적, 경제적으로 독자적인 삶을 영위하는 오십 초반의 이혼녀 드라마 작가를 통해 외롭고 혼란한 내면세계가 기존의 여성에 관한 소설과는 차별된 여성의식의 변화를 발견할 수 있었으며, 포스트모더니즘 형식을 바탕으로 파격적인 실험정신, 외국 소설 작품의 해설과 평론형식을 도입하여 각색한 작가 최제훈의 「퀴르발 남작의 성」을 통하여 공산주의와 자본주의를 현란하게 은유하면서 날카롭게 이념의 문제점을 지적하고 있고, 해이수의 「젤리피쉬」는 젊은 여성의 몸과 성이 물질적 가치로 환치되면서 발생하는 모순에 기대어 자신의 필요를 충족시키게 되는 주인공의 쓸쓸함이 삶의 아이러니로 나타나고 있었다. 세 작품 중 「젤리피쉬」나 「퀴르발 남작의 성」은 소설 배경 자체가 외국이고, 주인공들의 이름 역시 한국적이지 않다. 이 두 소설의 배경이나 주인공, 스토리 모두가 한국적인 요소는 거의 없다. 천명관의 「비행기」는 위 두 소설과는 변별점이 있지만 내용이나 주인공의 의식, 가치관은 전혀 한국적이지 않으며 세계화된 사고와 의식의 흐름에 초점을 맞추고 있다는 점에서 위의 두 소설과 대동소이하다고 볼 수 있겠다. 이처럼 2000년 이후에 발표된 작품을 통하여 한국 소설에서 한국인이 쓴 소설이지만 기존의 한국적인 전통과 가치관은 찾아보기 어렵게 된 점을 발견할 수 있었다.

오리엔탈리즘적 메커니즘은 서양 문화에 있는 부정적인 측면을 모두 아시아적인 것으로 간주하는 기제로 작동했다. 아시아나 아프리카는 서양의 타자이면서 이방인이다. 이런 타자는 분노의 대상으로 이해되면서 동시에 불안정한 구성원의 자격이나 불안함, 취약함, 오점으로 특징짓는다. 아시아적인 삶은 넘쳐나는 잉여로서 ‘쓰레기 같은 삶’의 전형, 벌거벗은 생명, 호모 사케르가 된다. 아시아인은 머리가 나쁘고 쓸모없으며 게으르고 지저분한 이미지로 스스로를 인식함은 서양인에 의해 만들어진 가치 기준에 의해서 열등함으로 왜곡 확대하는 것이다. 이런 동양인은 열등하다는 의식은 결국 탈중심화로 이어지며 자신의 타자화에 의해서 타자의 타자화로 연결된다. 아시아인으로서의 억압받는 신체는 자신의 생명뿐만 아니라 타인의 생명까지도 경시하는 ‘쓰레기 같은 삶’ 혹은 ‘벌거벗은 생명’을 자초하는 타자화를 그대로 드러낸다.『삶은 어디에』와『어둠의 아이들』은 아시아적 신체가 어떻게 타자화되며, 호모 사케르가 되어가는가를 잘 보여주는 작품이다. 실지 일본의 NGO의 단체의 자료를 바탕으로 작품화한『어둠의 아이들』은 전지구적 자본주의의 확산으로, 국가가 독점하는 합법적 폭력, 자본주의의 초과착취 등 구조적 폭력이 그 중심에 있다. 그러한 구조적 폭력 아래 대상화된 헐벗고 굶주린 길거리 버려진 아이들은 인간도 짐승도 아닌 추방된 자이다. 인간과 짐승 사이 비식별역, 늑대인간 즉 늑대로 변한 인간이자 인간으로 변한 늑대이다. 이런 예외 상태는 국가의 위기 상태,『삶은 어디에』에서처럼 북한의 1990년대 ‘고난의 행군’이라는 명목 아래 짐승과 같은 죽음조차 불사해야하는 상태나『어둠의 아이들』의 배경이 되는 국가의 법이나 권력이 미치지 못하는 국경 지역에서 일어난다. 북한이라는 체제 자체 내에 인민의 살해 가능성을 현실적으로 작품화 시킨 것이 바로『삶은 어디에』이다. 북한은 국가 사회주의 하의 통치방법을 통해 사적인 것으로 간주되던 생명에 이르기까지 모든 것을 정치화한다. 두 작품에서 인물들은 죽음의 소도구일 뿐이다.

이 논문은 근대 문학이 형성되기 시작했던 1910년대～1930년대 중반에 초점을 맞춰 ‘작가’ 관련 개념이 다층적으로 사용된 양상을 살펴보고, ‘작가론’이 형성된 동인(動因)에 대해 탐색하려 했다. 이러한 탐색을 통해 이 논문은 ‘작가론’의 탄생이 창작 주체의 위상 변화와 연동되는 양상을 분석하려고 했다. 1910년대～1920년대 식민지 조선에서는 창작 주체를 ‘작가’라는 개념으로 지칭하는 관습이 확립되기 시작했다. ‘저술자’ 혹은 ‘기자’로 창작 주체를 명명하던 이전 시대의 방식과 비교했을 때 ‘작가’ 개념에는, 상상력과 창조성에 기반을 둔 창작 활동을 중시하게 된 사회적 변화의 흔적이 깃들어 있었다. 이러한 변화와 맞물려 개별 작가의 문학 활동은 비판적 평가(=비평)의 대상이 될 수 있었다. ‘작가론’의 형성 배경에는 1920년대 초․중반 『개벽』과 『조선문단』 등의 매체에 발표되었던 ‘문사’ 담론도 자리하고 있다. 1920년대 초반에는 작가를 ‘문사’로 호명하며 창작 주체의 사회적 역할을 강조하는 담론들이 유행하기 시작했다. 가장 적극적으로 ‘문사’ 담론을 주창했던 이광수는 작가의 창작 활동을 한 민족이 기억하고 기념해야 할 영역에 위치시키며 특정 작가에 민족 공동체를 대표할 수 있는 위상을 부여하려 했다. 문사(文士) 관련 담론이 전개됐던 『조선문단』과 『개벽』은 개별 작가를 기념하고 논평하는 작업이 이루어졌던 매체이기도 했다. 이들 매체에 발표되었던 작가 관련 담론은 조선문단을 대표하는 작가들을 가시화하고 그 작가들의 상징적 위상을 규정했다. 이러한 특성은 1920년대 후반 진행된 조선 근대문학사 서술 작업에서도 발견된다. 조선 근대문예의 변천 과정을 정리했던 박종화와 김동인은 문학사를 변화시켜 나가는 주체로 작가를 상정했으며 개별 작가의 문학사적 위상을 규정하려고 했다. 1930년대 정립된 작가론은 개별 작가의 문학사적 위치를 규정하는 데 초점을 맞췄던 1920년대의 작가 관련 담론과 유사한 문제설정을 공유하고 있었다. 이러한 특성은 1930년대를 대표하는 매체이자 지속적으로 작가론을 연재했던 잡지 『삼천리』에서 확인할 수 있다. 작가론의 형성 과정은 조선 문학의 대표 작가를 선정한 후 이들의 문학사적 위상을 규정하려 했던 1920～30년대 매체들의 전략과 맞닿아 있었다.

냉전기 미디어에 대한 본격적인 연구를 요청하는 시론(試論)으로서 이 논문은 영화라는 미디어를 중심으로 문화냉전을 재고해보고자 했다. 냉전 이데올로기에 미디어라는 요소를 결합함으로써 미국이 의도했던 자유아시아(Free Asia) 표상이 어떻게 만들어지고 전파되었는가를 고찰하기 위해 한국에서 USIS의 영화 제작 활동을 살펴보고 USIS가 한국에서 상영한 영화 중 ‘아시아 문화(Asian Culture)’로 분류된 필름을 검토해 보았다. 이차세계대전 이후 팍스 아메리카나(Pax Americana)를 구가했던 미국이 아시아에서 문화외교를 통해 의도했던 바는 아시아의 문화를 이해하고 후원하는 문화제국으로서의 자신의 위상을 확보하는 것에 있었다. 이 논문에서는 USIS 영화의 아시아 문화 표상을 분석함으로써 그 점을 검증하고 미국과 아시아의 문화교류가 냉전 오리엔탈리즘에 의해 구성된 미국의 아시아 상상과 어떤 관계가 있는지 살펴본다.

문화는 사람을 가장 사람답게 만드는 것이며 훌륭한 문화의 창조는 삶의 중요한 원동력이 된다. 문화콘텐츠의 중요성은 새삼 강조할 필요가 없다. 이제는 실로 오래된 것들이 콘텐츠라는 이름으로 되살아나 새로운 양식으로 이야기되는 스토리텔링의 시대, 옛것과 새것이 융합되는 컨버전스의 시대, 콘텐츠와 콘텐츠가 융합되는 퓨전과 하이브리드 시대이다. 역사콘텐츠의 생산과 활용이 절실해지는 것은 이 지점이다. 역사드라마는 역사콘텐츠 활용의 한 예가 된다. 텔레비전 방송이 시작된 이래 역사는 드라마의 주요 소재가 되어 왔다. 퓨전과 컨버전스의 시대에 맞게 역사드라마도 발전한 것이 이른바 ‘퓨전사극’이다. 우리나라에서 역사드라마가 대중적 인기를 끌고 본격화된 역사 소재 드라마들이 붐을 일으키게 된 데에는 퓨전사극의 역할이 컸다. 대중의 인기를 얻지 못하던 한국 역사드라마의 지평은 크게 변화하였다. ‘한류’는 우리 문화콘텐츠 사업의 좋은 예가 된다. 이제 우리의 고민은 이 한류의 흐름이 지속 가능한 것으로 자리매김하는 문제에 놓여야 할 것이다. 한류, 한국문화의 중요성은 자긍심과 책임감에서 비롯된다. 한류 역사드라마를 어떻게 스토리텔링하는가에 관하여는 지속적 연구가 필요하다. 킬러콘텐츠가 될 만한 한류 역사드라마의 지속적 생산을 위해 역사콘텐츠 개발이 중요하다. 전통 문화에 대한 깊이 있는 이해와 연구 위에서 일상사에 대한 관심을 보다 활발히 한다면 오늘날 우리들의 관심이 되고 있는 미시사, 일상사의 좋은 드라마를 만들어 한류의 흐름을 유지해 갈 수 있으리라 본다. 그러기 위해서는 발견된 역사콘텐츠를 구성하는 방식에 대한 심각한 고민이 필요하리라 본다. 본고에서는 퓨전사극 세 작품은 왕의 서사이다. 왕의 서사를 선택한 이유는 이들이 퓨전사극의 특징을 종합적으로 보이고 있기 때문이다. 세 작품 모두 소설과 관계를 갖는다. 연구 결과 이들은 공히 매력적 시작과 의미 있는 결말, 멜로드라마적 요소와 트렌디 드라마적 요소의 차용, 극적 갈등의 전개를 위한 플롯의 복잡성, 고유성과 보편성의 공존 문제라는 특성을 갖는 것으로 확인되었다.

인문학도 디지털 매체의 발전에 따라 변화하지 않을 수 없는 상황에 직면해 있다. 최근에는 디지털 데이터의 방대한 축적으로 ‘빅데이터’가 화두로 부각되고 있다. 빅데이터 분석 방법론은 인문학의 방법론 확장에 크게 기여할 수 있다. 이러한 빅데이터를 처리하기 위해서는 인문학과 공학 사이의 협업이 필요하고, 인문학이 정보화 시대의 사회적 요구에 부응하기 위해서는 정보화 사회에 대한 인문학적 성찰을 바탕으로 그 새로운 가능성을 추구해야 한다. 이러한 사회 환경 속에서 사람들의 정신 속에 인문학적 가치를 전하고자 고민하였고, 그러한 고민의 결과는 국내에서 ‘문화콘텐츠학’의 대두로 나타났다. 문화콘텐츠학은 2000년대에 큰 인기를 누렸지만 현재에는 정체 상태에 머물고 있다. 그 이유는 문화콘텐츠학에 필요한 통합적인 연구가 이루어지고 있지 않고 있으며, 문화콘텐츠학의 지향점이 불명확하고, 문화콘텐츠를 상업적으로만 보는 경향이 있기 때문에 문화콘텐츠학 자체도 상업적으로 흘러 버렸기 때문이다. 반면 미국의 디지털인문학은 인문학 분야에서 빅데이터를 처리하고 인문학을 더욱 풍성하게 하려는 의도에서 시작되었다. 미국에서는 한국과 같이 새로운 학과를 신설하지 않고, 그 대신 디지털 기술을 인문학에 통합하는 방식으로 접근하였다. 개별 분과 학문들은 각자의 전문성을 살릴 수 있었고, 결과물을 상품화가 아닌 지식의 공유라는 차원으로 접근하였다. 디지털 기술을 사용하여 인문학 분야를 풍성하게 하기 위한 노력은 유럽에서도 마찬가지로 진행되고 있다. 국내에서도 이와 같은 취지로 문화콘텐츠학을 접근하여야 한다. 인문학의 관점에서 디지털 기술의 장점을 어떻게 도입할 지를 고민해야 하며, 인문학의 결과물을 대중과 공유하고 소통하는 것에 집중해야 한다. 그렇게 함으로써 인문학의 가치와 의미가 대중에게 전달될 수 있을 것이기 때문이다.